Home Nghệ thuật Điêu khắc
Category:

Điêu khắc

Điêu khắc

Những bông thủy tiên vàng LEGO nở rộ tại Hull, Vương quốc Anh, để chào mừng Thành phố Văn hóa

by Zuzana
written by Zuzana

Triển lãm hoa tại Hull

Mùa xuân đến, thành phố Hull của Vương quốc Anh đã cho ra mắt một triển lãm hoa độc đáo chắc chắn sẽ làm hài lòng những người yêu thích LEGO cũng như những người đam mê thiên nhiên. Gần 2.000 bông thủy tiên vàng LEGO đã chiếm trọn quảng trường của thành phố, tạo nên một cảnh tượng sống động và kỳ ảo.

Triển lãm là một lễ kỷ niệm cho việc Hull được chỉ định là Thành phố Văn hóa của Vương quốc Anh năm 2017. Thành phố còn được gọi là Kingston upon Hull, nằm ở Yorkshire ở miền Bắc nước Anh. Giải thưởng Thành phố Văn hóa được trao bốn năm một lần để ghi nhận địa lý, văn hóa và con người độc đáo của một thành phố.

Đối với Hull, một phần của nền văn hóa đó là nghệ thuật và cộng đồng. Triển lãm thủy tiên vàng LEGO là minh chứng cho cả hai điều này, mang đến cảm giác vui tươi và sáng tạo cho một không gian công cộng. Triển lãm được tạo ra bởi Duncan Titmarsh, một nhà xây dựng LEGO chuyên nghiệp, là một trong số ít người được công ty Đan Mạch cấp chứng nhận để sử dụng những viên gạch LEGO để tạo ra các tác phẩm điêu khắc và kiến trúc kỳ ảo.

Kiệt tác của Titmarsh sử dụng hơn 146.000 viên gạch để xây dựng nên tác phẩm trưng bày gồm 1.700 bông hoa. Những bông hoa thủy tiên vàng tươi sáng là một cảnh tượng đáng hoan nghênh tại Quảng trường King Edward mới được cải tạo, một không gian công cộng nơi người dân Hull có thể tụ tập và giao lưu.

Phép thuật của LEGO

Những viên gạch LEGO từ lâu đã trở thành món đồ chơi được trẻ em và người lớn yêu thích. Tính linh hoạt và khả năng sáng tạo vô tận của chúng đã biến chúng trở thành một phương tiện phổ biến cho nghệ thuật và điêu khắc. Trong những năm gần đây, những người xây dựng LEGO chuyên nghiệp như Titmarsh đã đẩy ranh giới của việc xây dựng LEGO, tạo ra những tác phẩm nghệ thuật phức tạp và tuyệt đẹp.

Triển lãm hoa thủy tiên vàng LEGO ở Hull là một ví dụ hoàn hảo về phép thuật có thể tạo ra bằng những viên gạch LEGO. Những bông hoa phức tạp và逼真, bắt trọn vẻ đẹp tinh tế của sự vật thật. Triển lãm đã mang lại niềm vui cho người dân Hull và du khách, và chắc chắn sẽ được ghi nhớ như một trong những điểm nhấn của năm thành phố là Thành phố Văn hóa.

Di sản lâu dài

Triển lãm hoa thủy tiên vàng LEGO không chỉ là một cảnh tượng tạm thời. Người dân Hull sẽ có cơ hội mua những bông hoa vào ngày 18 tháng 4 khi triển lãm kết thúc. Toàn bộ số tiền thu được từ việc bán hoa sẽ được quyên góp cho các tổ chức phi lợi nhuận địa phương tại Hull.

Đây là một cách tuyệt vời để đảm bảo rằng triển lãm tiếp tục mang lại lợi ích cho cộng đồng ngay cả sau khi nó kết thúc. Những bông hoa thủy tiên vàng LEGO sẽ không chỉ mang lại niềm vui cho người dân Hull trong mùa xuân mà còn để lại một di sản lâu dài hỗ trợ các tổ chức từ thiện địa phương.

Sự lan truyền trên mạng xã hội

Triển lãm hoa thủy tiên vàng LEGO cũng đã tạo ra nhiều tiếng vang trên mạng xã hội. Những người yêu thích LEGO và những người đam mê mùa xuân đã chia sẻ những bức ảnh về những bông hoa trên Twitter, Instagram và các nền tảng khác. Triển lãm đã được đưa tin trong các bài báo của các hãng thông tấn lớn, bao gồm BBC và Mashable.

Sự chú ý của mạng xã hội là minh chứng cho sự phổ biến của triển lãm và sức hấp dẫn của những viên gạch LEGO. Nó cũng giúp truyền bá thông tin về việc Hull được chỉ định là Thành phố Văn hóa cũng như bối cảnh nghệ thuật và văn hóa sôi động của thành phố.

Tinh thần sáng tạo của Hull

Triển lãm hoa thủy tiên vàng LEGO chỉ là một ví dụ về tinh thần sáng tạo đang phát triển mạnh mẽ ở Hull. Thành phố có một lịch sử phong phú về nghệ thuật và văn hóa, là nơi có nhiều bảo tàng, phòng trưng bày và nhà hát. Hull cũng là một Thành phố Di sản Thế giới của UNESCO, được công nhận nhờ di sản hàng hải độc đáo.

Việc được chỉ định là Thành phố Văn hóa là minh chứng cho cam kết của Hull đối với nghệ thuật và văn hóa. Thành phố có một lịch trình đầy đủ các sự kiện được lên kế hoạch cho năm 2017, bao gồm các lễ hội âm nhạc, triển lãm nghệ thuật và các vở diễn sân khấu.

Nếu bạn đang tìm kiếm một thành phố với bối cảnh nghệ thuật và văn hóa sôi động và chào đón, thì Hull chắc chắn đáng để ghé thăm. Triển lãm hoa thủy tiên vàng LEGO chỉ là một trong nhiều lý do để khám phá viên ngọc ẩn này ở phía bắc nước Anh.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Điêu khắc

Whimsical Felt Food Bodega: Lucy Sparrow’s ‘8 Till Late’ Installation

by Jasmine
written by Jasmine

Cửa hàng thực phẩm nỉ: Một tác phẩm nghệ thuật sắp đặt kỳ quặc của Lucy Sparrow

Khái niệm

Hãy tưởng tượng một cửa hàng tạp hóa chất đầy ắp thực phẩm, nhưng thay vì được làm từ các thành phần ăn được, thì mọi thứ đều được chế tác tỉ mỉ từ nỉ. Đây là tác phẩm đầy mê hoặc của nghệ sĩ Lucy Sparrow, người đã biến những thực phẩm đóng gói tầm thường thành những tác phẩm nghệ thuật kỳ quặc.

Nghệ sĩ

Lucy Sparrow là một nghệ sĩ người Anh nổi tiếng với những sáng tác độc đáo và tinh nghịch của mình. Triển lãm trước đây của cô, “The Cornershop”, trưng bày một cửa hàng tiện lợi được cung cấp đầy đủ hoàn toàn làm từ nỉ. Trong dự án mới nhất của mình, Sparrow đã đưa ý tưởng thực phẩm nỉ của mình đến Thành phố New York, mở một cửa hàng tạp hóa pop-up có tên “8 Till Late”.

Cửa hàng tạp hóa

Nằm ở Standard, High Line, “8 Till Late” giống như một cửa hàng tiện lợi cổ điển, hoàn chỉnh với quầy thịt giả và những kệ hàng xếp đầy những hộp và lon quen thuộc. Tuy nhiên, khi quan sát kỹ hơn, du khách sẽ phát hiện ra rằng mọi thứ bên trong đều được làm bằng nỉ mềm mại, nhiều màu sắc.

Từ que thử thai đến Tootsie Rolls, ngũ cốc đến kẹo, Sparrow đã tỉ mỉ tái tạo nhiều mặt hàng tạp hóa hàng ngày. Sự chú ý đến từng chi tiết của cô thật đáng kinh ngạc, nắm bắt được thương hiệu và bao bì mang tính biểu tượng của những sản phẩm nổi tiếng.

Cảm hứng

Cảm hứng cho những sáng tác thực phẩm nỉ của Sparrow bắt nguồn từ sự say mê của cô đối với phản ứng cảm xúc mà các mặt hàng đóng gói gợi lên. Cô tin rằng sự quen thuộc và hoài niệm gắn liền với những mặt hàng này có thể kích hoạt cảm giác vui vẻ và thoải mái.

Bằng cách biến những đồ vật hàng ngày này thành những bản sao nỉ mềm mại và tinh nghịch, Sparrow đã phá bỏ các khía cạnh “thô ráp và xấu xí” của chúng và mời người xem tương tác với chúng theo một cách mới và bất ngờ.

Trải nghiệm

Bước vào “8 Till Late” giống như bước vào một thế giới siêu thực và lập dị. Du khách có thể đi lang thang qua các lối đi, chiêm ngưỡng những tác phẩm nỉ tinh xảo và kinh ngạc trước khối lượng lớn các mặt hàng được trưng bày.

Sparrow thậm chí sẽ có mặt để làm “bánh sandwich” cho du khách, sử dụng những lát bánh mì nỉ, thịt nguội và pho mát. Những tương tác vui tươi này tạo thêm nét kỳ quặc cho trải nghiệm.

Tác động

“8 Till Late” thách thức nhận thức của chúng ta về chủ nghĩa tiêu dùng, nghệ thuật và thậm chí là thực phẩm giả. Nó mời chúng ta đặt câu hỏi về bản chất mối quan hệ của chúng ta với những đồ vật hàng ngày và trân trọng vẻ đẹp tiềm ẩn và sự phi lý của chúng.

Cho dù bạn là người yêu thích nghệ thuật, nỉ hay chỉ đơn giản là thích những điều bất ngờ, “8 Till Late” là một cuộc triển lãm không thể bỏ qua. Đắm mình trong thế giới đầy ắp nỉ và để những sáng tạo kỳ quặc của Lucy Sparrow thổi bùng trí tưởng tượng của bạn.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Điêu khắc

Nghệ sĩ của những tác phẩm điêu khắc từ cành cây: Patrick Dougherty và thế giới nghệ thuật đầy mê hoặc

by Jasmine
written by Jasmine

Patrick Dougherty: Nghệ nhân của những tác phẩm điêu khắc từ cành cây

Giới thiệu

Patrick Dougherty là một nghệ sĩ nổi tiếng với các tác phẩm điêu khắc phi thường được tạo ra hoàn toàn từ cành cây. Các tác phẩm độc đáo của ông đã tô điểm cho các không gian công cộng và bảo tàng trên khắp thế giới, thu hút trí tưởng tượng của vô số du khách.

Quy trình nghệ thuật của Dougherty

Các tác phẩm điêu khắc của Dougherty bắt nguồn từ mối liên hệ sâu sắc với thiên nhiên và sự say mê với tiềm năng của vật liệu hữu cơ. Ông tỉ mỉ lựa chọn những cành cây có kích thước và hình dạng khác nhau, biến chúng thành những hình thù phức tạp và đầy ngẫu hứng. Không giống như các tác phẩm điêu khắc truyền thống sử dụng phần cứng hoặc chất kết dính, tác phẩm của Dougherty chỉ dựa vào độ linh hoạt và sức mạnh tự nhiên của cành cây. Bằng cách xoắn và đan chúng lại với nhau, ông tạo ra những cấu trúc sừng sững và bất chấp trọng lực.

Trải nghiệm nghệ thuật tương tác

Nghệ thuật của Dougherty không chỉ là những vật thể tĩnh mà là những trải nghiệm đắm chìm mời gọi người xem tương tác với chúng. Các tác phẩm sắp đặt của ông thường xuất hiện ở những không gian công cộng, nơi người qua đường có thể chứng kiến trực tiếp quá trình sáng tạo. Dougherty hoan nghênh những gợi ý từ du khách, kết hợp ý tưởng của họ vào thiết kế không ngừng phát triển của các tác phẩm điêu khắc. Yếu tố tương tác này thúc đẩy tinh thần cộng đồng và khuyến khích người xem đánh giá cao bản chất phù du của nghệ thuật.

Những kiệt tác tạm thời

Một trong những đặc điểm nổi bật của các tác phẩm điêu khắc của Dougherty là tính tạm thời của chúng. Không giống như các tác phẩm cố định được làm bằng đá hoặc kim loại, các tác phẩm của ông được định sẵn sẽ trở về với cát bụi. Sự vô thường này tạo thêm một sắc thái xúc động cho nghệ thuật của ông, nhắc nhở chúng ta về vẻ đẹp và sự mong manh phù du của vạn vật. Tuy nhiên, trong suốt thời gian tồn tại ngắn ngủi của mình, các tác phẩm điêu khắc của Dougherty đóng vai trò như lời nhắc nhở mạnh mẽ về sức mạnh biến đổi của trí tưởng tượng và mối liên kết giữa thiên nhiên và nghệ thuật.

Tác phẩm điêu khắc tại Smithsonian

Vào tháng 1 năm 2023, Dougherty được ủy thác tạo ra một tác phẩm sắp đặt dành riêng cho Bảo tàng Lịch sử Tự nhiên Quốc gia Smithsonian. Tác phẩm điêu khắc có tên “Cái gì đó” đã thành hình tại một trong những hành lang đông đúc của bảo tàng, mang đến cho du khách cơ hội được tiếp cận gần hơn với quá trình sáng tạo nghệ thuật của Dougherty. Khi mọi người đến và đi, họ đã đưa ra những gợi ý ảnh hưởng đến hình dạng không ngừng biến đổi của tác phẩm điêu khắc. Sự chú trọng cẩn thận của Dougherty vào vấn đề an toàn đảm bảo rằng tác phẩm sắp đặt vẫn tương tác trong khi vẫn duy trì tính toàn vẹn của cấu trúc phức tạp.

Sức mạnh của trí tưởng tượng

Các tác phẩm điêu khắc của Dougherty khơi dậy cảm giác ngạc nhiên và trí tưởng tượng ở những người xem ở mọi lứa tuổi. Khả năng biến những cành cây bình thường thành những tác phẩm phi thường của ông thách thức những định kiến của chúng ta về nghệ thuật và truyền cảm hứng cho chúng ta thấy tiềm năng của vẻ đẹp ở những nơi không ngờ nhất. Bằng cách khuyến khích chúng ta tương tác với các tác phẩm của mình, Dougherty mời gọi chúng ta nắm lấy sự sáng tạo của chính mình và trân trọng sức mạnh biến đổi của trí tưởng tượng.

Di sản và tầm ảnh hưởng

Những tác phẩm điêu khắc từ cành cây của Patrick Dougherty đã để lại dấu ấn lâu dài trong thế giới nghệ thuật. Cách tiếp cận độc đáo của ông đối với điêu khắc đã nhận được sự công nhận quốc tế và ảnh hưởng đến vô số nghệ sĩ khác. Thông qua các tác phẩm sắp đặt tương tác và cam kết bảo vệ môi trường, Dougherty đã nuôi dưỡng sự trân trọng lớn hơn đối với thế giới tự nhiên và tầm quan trọng của sự sáng tạo trong cuộc sống của chúng ta. Di sản của ông với tư cách là bậc thầy về điêu khắc từ cành cây sẽ tiếp tục truyền cảm hứng cho các thế hệ nghệ sĩ và những người đam mê nghệ thuật.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Điêu khắc

Statue of Liberty’s ‘Little Sister’ Embarks on Transatlantic Voyage of Friendship

by Jasmine
written by Jasmine

Tượng Nữ thần Tự do “em gái” bắt đầu hành trình đến Hoa Kỳ

Biểu tượng hữu nghị xuyên Đại Tây Dương

Một bản sao của Tượng Nữ thần Tự do mang tính biểu tượng, được gọi trìu mến là “em gái”, đang bắt đầu hành trình từ Pháp đến Hoa Kỳ. Phiên bản thu nhỏ của tượng đài nổi tiếng này tượng trưng cho tình hữu nghị lâu bền giữa hai quốc gia.

Đảo Ellis chào đón “em gái”

Bản sao nặng 992 pound, cao 9,3 foot sẽ được lắp đặt trên Đảo Ellis, đối diện với bức tượng gốc, trong năm ngày đầu tiên của tháng Bảy. Vị trí cảm động này gợi nhớ đến ý nghĩa lịch sử của Đảo Ellis như một cửa ngõ cho hàng triệu người nhập cư tìm kiếm cuộc sống mới ở Mỹ.

Món quà thiện chí

Các quan chức Pháp hy vọng rằng người Mỹ sẽ coi bản sao này như một cử chỉ thiện chí, mở ra một kỷ nguyên mới trong quan hệ hữu nghị giữa hai quốc gia. Sự xuất hiện của bức tượng trùng với kỷ niệm 77 năm Ngày D, một thời điểm quan trọng trong Thế chiến II đánh dấu sự khởi đầu của hồi kết cho sự chiếm đóng của Đức Quốc xã ở Tây Âu.

Bản sao có ý nghĩa lịch sử

Bản sao này là một trong hơn 100 bản sao được rải rác trên khắp thế giới. Nó được đúc vào năm 2009 từ bản quét 3D của mô hình nguyên mẫu thạch cao do nhà điêu khắc Frédéric-Auguste Bartholdi tạo ra. Tượng đài gốc cao 151 foot được nhà sử học người Pháp Édouard de Laboulaye hình thành vào năm 1865, sau khi Nội chiến Hoa Kỳ kết thúc. Đáng chú ý, những sợi xích và xiềng xích bị đập tan của bức tượng tượng trưng cho việc bãi bỏ chế độ nô lệ, chứ không phải là sự xuất hiện của những người nhập cư như người ta vẫn thường tin.

Minh chứng cho sự hợp tác Pháp-Mỹ

Tượng Nữ thần Tự do ban đầu là nỗ lực chung giữa Pháp và Hoa Kỳ. Người Pháp xây dựng và tài trợ cho chính bức tượng, trong khi người Mỹ gây quỹ cho bệ đỡ. Sự hợp tác này đánh dấu “dự án gây quỹ cộng đồng lớn đầu tiên của nước Mỹ”, nêu bật sức mạnh của hành động tập thể.

Di sản trường tồn của bức tượng

Kể từ khi khánh thành vào năm 1886, Tượng Nữ thần Tự do đã trở thành biểu tượng trường tồn của tự do và dân chủ. Vỏ đồng của bức tượng, mỏng hơn hai đồng xu xếp chồng lên nhau, là minh chứng cho sự khéo léo và bền bỉ của những người sáng tạo ra nó.

Hành trình hữu nghị

Hành trình của bản sao từ Pháp đến Hoa Kỳ tái hiện lại những bước chân của tượng đài gốc. Đây là lời nhắc nhở về mối quan hệ sâu sắc giữa hai quốc gia và là biểu tượng cho tình hữu nghị và sự hợp tác liên tục của họ.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Điêu khắc

Ursula von Rydingsvard: Nghệ sĩ điêu khắc ẩn dụ từ gỗ

by Jasmine
written by Jasmine

Ursula von Rydingsvard: Tạc ẩn dụ trong gỗ

Cuộc sống đầu đời và những ảnh hưởng

Ursula von Rydingsvard sinh năm 1942 tại Đức và dành thời thơ ấu ở các trại tị nạn. Năm 1950, gia đình bà di cư sang Hoa Kỳ. Bà theo học ngành điêu khắc tại Đại học Columbia với Ronald Bladen, George Sugarman và Jean Linder.

Nội dung tự truyện và của tổ tiên

Gỗ trở thành chất liệu chính cho các tác phẩm điêu khắc của von Rydingsvard, thường khám phá các chủ đề tự truyện và của tổ tiên. Tác phẩm của bà gợi nhớ đến những đồ vật thường ngày và các hình thức kiến trúc, như nhà kho, lán, doanh trại, băng ghế nhà thờ và bàn thờ. Thông qua các hình thức này, bà khám phá trải nghiệm của con người về mất mát, di dời và khả năng phục hồi.

Những phẩm chất ấm cúng và quen thuộc

Bất chấp bản chất u ám và trầm tư thường thấy, các tác phẩm điêu khắc của von Rydingsvard sở hữu một khía cạnh ấm cúng và quen thuộc. Chúng đồ sộ và hoành tráng, nhưng đồng thời cũng gợi lên cảm giác thân thuộc và gần gũi. Việc bà sử dụng gỗ, với kết cấu và độ ấm tự nhiên, góp phần tạo nên cảm giác thoải mái này.

Ẩn dụ về nỗ lực và nhu cầu của con người

Các tác phẩm điêu khắc của von Rydingsvard thường đóng vai trò như ẩn dụ về nỗ lực và nhu cầu của con người. Việc bà sử dụng xương, dầm và xà nhà ám chỉ những đấu tranh về thể chất và cảm xúc mà con người phải chịu đựng. Thông qua tác phẩm của mình, bà khám phá khả năng phục hồi của con người và cách chúng ta xây dựng và hỗ trợ lẫn nhau.

Sự công nhận và di sản

Các tác phẩm điêu khắc của von Rydingsvard bắt đầu được công nhận cách đây khoảng một thập kỷ. Tác phẩm của bà đã được các bảo tàng lớn như Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, Bảo tàng Nghệ thuật Whitney của Mỹ và Trung tâm Nghệ thuật Walker mua lại. Các nhà sưu tập và công ty tư nhân, bao gồm cả Microsoft, cũng đã đặt hàng các tác phẩm ngoài trời.

Khôi phục lại ý thức về nghề thủ công trong điêu khắc

Martin Friedman, cựu giám đốc của Trung tâm Nghệ thuật Walker, đã ca ngợi von Rydingsvard vì đã khôi phục lại ý thức về nghề thủ công trong điêu khắc. Sự tỉ mỉ trong từng chi tiết và việc bà sử dụng các kỹ thuật làm mộc truyền thống chứng tỏ sự tận tâm của bà đối với nghề thủ công và tính vật lý của chất liệu.

Các cuộc triển lãm sắp tới

Một cuộc triển lãm về các tác phẩm điêu khắc trong nhà của von Rydingsvard, do Trung tâm Nghệ thuật Madison tổ chức, hiện đang lưu diễn tại bốn thành phố. Một triển lãm về các tác phẩm điêu khắc ngoài trời của bà sẽ khai mạc tại Bảo tàng Nghệ thuật Nelson-Atkins ở Kansas City vào ngày 9 tháng 5. Các cuộc triển lãm này mang đến cơ hội trải nghiệm trực tiếp sức mạnh và sự cộng hưởng trong tác phẩm của bà.

Kết luận

Ursula von Rydingsvard là một nhà điêu khắc nổi tiếng có tác phẩm khám phá các chủ đề về ký ức, bản sắc và tình trạng của con người. Thông qua việc sử dụng gỗ đầy ám gợi và kỹ thuật điêu luyện, bà tạo ra những tác phẩm điêu khắc vừa ám ảnh vừa an ủi, thôi thúc chúng ta suy ngẫm về những trải nghiệm của chính mình và khả năng phục hồi của tinh thần con người.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Điêu khắc

Lucille Ball Statues: A Tale of Two Lucys and the Evolution of Public Art

by Jasmine
written by Jasmine

Tượng đài Lucille Ball: Câu chuyện về hai bức tượng Lucy

Lễ ra mắt “Lucy mới”

Tại thị trấn cổ kính Celoron, New York, nơi Lucille Ball đã trải qua tuổi thơ, một bức tượng mới đã được dựng lên để tôn vinh nữ diễn viên hài được yêu mến này. Được điêu khắc bởi nghệ sĩ Carolyn Palmer, “Lucy mới” sừng sững trong Công viên Tưởng niệm Lucille Ball, tái hiện tinh thần của Ball trong phong cách biểu tượng của bà. Diện trên mình chiếc váy chấm bi, giày cao gót, vòng cổ ngọc trai và mái tóc được chải chuốt hoàn hảo, bức tượng toát lên vẻ quyến rũ và tinh thần đã đưa Ball trở thành một cái tên quen thuộc.

Tranh cãi về “Lucy đáng sợ”

Vào năm 2009, một bức tượng khác về Lucille Ball, có biệt danh là “Lucy đáng sợ”, đã được khánh thành tại Celoron. Được tạo ra bởi nghệ sĩ Dave Poulin, bức tượng bằng đồng mô tả Ball đang cầm một chai thực phẩm chức năng hư cấu Vitameatavegamin, ám chỉ một tập phim kinh điển trong loạt phim “I Love Lucy”. Tuy nhiên, vẻ ngoài kỳ dị của bức tượng, với nét mặt méo mó, đã vấp phải nhiều chỉ trích. Người dân địa phương và người hâm mộ đã kêu gọi dỡ bỏ bức tượng, và sau đó chính Poulin cũng bày tỏ sự không hài lòng với tác phẩm hoàn thiện.

Phản ứng của công chúng

Lễ ra mắt “Lucy đáng sợ” đã châm ngòi cho một cuộc tranh luận nảy lửa ở Celoron. Người dân đã tổ chức để đòi dỡ bỏ bức tượng, trong khi những người khác lại lên tiếng bảo vệ giá trị nghệ thuật của nó. Bức tượng trở thành nguồn cảm hứng vừa gây thích thú vừa gây chế giễu, thu hút hàng nghìn du khách háo hức muốn chiêm ngưỡng tác phẩm kỳ lạ này. Bất chấp tranh cãi, “Lucy đáng sợ” vẫn được đặt trong công viên nhiều năm, chứng tỏ sức mạnh bền bỉ của dư luận.

Diễn biến của các bức tượng Lucille Ball

Tính thẩm mỹ tương phản của “Lucy mới” và “Lucy đáng sợ” nêu bật sự thay đổi trong các bức tượng Lucille Ball ở Celoron. “Lucy mới” đại diện cho một cách tiếp cận truyền thống hơn, tái hiện hình ảnh của Ball một cách đẹp đẽ và lý tưởng hóa. Ngược lại, “Lucy đáng sợ” phản ánh một cách diễn giải độc đáo và hài hước hơn về di sản của nữ diễn viên hài. Hai bức tượng này mang đến cho du khách cơ hội khám phá những khía cạnh khác nhau trong tính cách của Ball.

Ý nghĩa của nghệ thuật công cộng

Cuộc tranh luận xoay quanh các bức tượng Lucille Ball ở Celoron nhấn mạnh tầm quan trọng của nghệ thuật công cộng trong việc định hình cảnh quan văn hóa của một cộng đồng. Các bức tượng và các hình thức nghệ thuật công cộng khác là biểu tượng của các giá trị chung, sự kiện lịch sử và những nhân vật có tầm ảnh hưởng. Chúng có thể truyền cảm hứng cho niềm tự hào, thúc đẩy đối thoại và thu hút du khách từ khắp nơi trên thế giới.

Di sản của Lucille Ball

Cả “Lucy mới” và “Lucy đáng sợ” đều tôn vinh di sản lâu dài của Lucille Ball với tư cách là một trong những phụ nữ tiên phong trong lĩnh vực hài kịch của Mỹ. Khả năng chọc cười khán giả và kết nối với các nhân vật của bà đã để lại dấu ấn không phai mờ trong nền văn hóa đại chúng. Các bức tượng ở Celoron là lời nhắc nhở về sự xuất sắc của Ball, tầm ảnh hưởng của bà trên thế giới và mối liên hệ đặc biệt của bà với thị trấn nơi bà lớn lên.

Hành trình của những người hâm mộ

Đối với người hâm mộ Lucille Ball, một chuyến viếng thăm Celoron là điều không thể bỏ qua. Sự hiện diện của cả “Lucy mới” và “Lucy đáng sợ” mang đến cái nhìn sâu sắc về tính cách đa diện của Ball và sức mạnh lâu bền của di sản bà để lại. Dù là chiêm ngưỡng “Lucy mới” với phong cách truyền thống hơn hay “Lucy đáng sợ” lập dị, du khách sẽ rời đi với sự trân trọng sâu sắc hơn đối với nữ diễn viên hài đã mang lại niềm vui cho thế giới.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Điêu khắc

Arthur Ganson: Bậc thầy về nghệ thuật điêu khắc động học

by Kim
written by Kim

Arthur Ganson: bậc thầy về nghệ thuật điêu khắc động học

Thời thơ ấu và những ảnh hưởng

Arthur Ganson, một nhà điêu khắc nổi tiếng của Học viện Công nghệ Massachusetts (MIT), đã cống hiến cả cuộc đời mình để tạo ra những cỗ máy động học phức tạp, thách thức mọi ranh giới của nghệ thuật và kỹ thuật. Lấy cảm hứng từ các tác phẩm của nhà điêu khắc động học người Thụy Sĩ Jean Tinguely và họa sĩ Bauhaus Paul Klee, những cỗ máy của Ganson sở hữu khả năng đặc biệt, vượt ra khỏi bản chất máy móc của chúng để gợi lên cảm giác thích thú và ngạc nhiên.

Các tác phẩm điêu khắc động học

Các tác phẩm điêu khắc động học của Ganson là minh chứng cho sự tinh thông về cơ học và con mắt tinh tường trong từng chi tiết của ông. Những cỗ máy của ông được chế tạo tỉ mỉ từ nhiều loại vật liệu, bao gồm kim loại, gỗ và các vật dụng tìm thấy. Chúng quay, kêu lạch cạch và chuyển động theo những cách không thể đoán trước được, dường như chúng tự có được sự sống của riêng mình.

Một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của Ganson, “Chiếc máy có ghế”, là một cỗ máy khổng lồ nặng 800 pound lăn trên một đường ray. Khi di chuyển, nó nhấc một chiếc ghế cong ra khỏi đường đi, nhấc lên và lật ngược một cách điệu nghệ, rồi đặt an toàn sau mình. Hành động có vẻ đơn giản này được thực hiện với sự duyên dáng và chính xác đến mức thách thức vẻ ngoài công nghiệp của cỗ máy.

Chức năng phi truyền thống

Những cỗ máy của Ganson không được thiết kế để thực hiện bất kỳ nhiệm vụ thiết thực nào. Thay vào đó, chúng tồn tại chỉ vì mục đích nghệ thuật. Chúng không làm gì ngoài việc hoạt động cực kỳ tốt, đặc biệt là trong việc khiến mọi người phải bật cười. Như một nhà quan sát tinh ý đã nhận xét, “Bất kỳ ai cũng có thể chế tạo một cỗ máy biết vẫy tay. Arthur biết cách tạo ra một cỗ máy biết vẫy tay tạm biệt.”

Những sáng tạo đến từ thế giới khác

Ngoài những tác phẩm điêu khắc động học quy mô lớn, Ganson còn tạo ra một dòng đồ chơi tên là Toobers and Zots. Những ống bọt nhiều màu sắc và những mảnh ghép có nhiều hình dạng khác nhau này cho phép trẻ em thỏa sức sáng tạo và tạo ra những sinh vật và công trình kỳ thú.

Sự công nhận và di sản

Cách tiếp cận nghệ thuật độc đáo và sáng tạo của Ganson đã mang lại cho ông sự công nhận và ca ngợi trên toàn thế giới. Các tác phẩm của ông đã được trưng bày tại các bảo tàng và phòng trưng bày trên khắp thế giới, và ông đã nhận được nhiều giải thưởng cho những đóng góp của mình cho lĩnh vực điêu khắc động học.

Các cỗ máy của Ganson tiếp tục quyến rũ khán giả ở mọi lứa tuổi với khả năng xóa nhòa ranh giới giữa nghệ thuật và kỹ thuật. Chúng là minh chứng cho sự sáng tạo vô bờ bến và cam kết không ngừng của ông trong việc thúc đẩy ranh giới của biểu đạt nghệ thuật.

Quy trình nghệ thuật của Ganson

Ganson không phải là người thích nói nhiều về lý thuyết và lịch sử nghệ thuật. Tuy nhiên, các tác phẩm của ông rõ ràng phản ánh ảnh hưởng của Chủ nghĩa kiến tạo, Dada và Siêu thực. Những phong trào nghệ thuật này nhấn mạnh việc sử dụng các vật dụng hàng ngày, phủ nhận các hình thức truyền thống và khám phá tiềm thức.

Lấy cảm hứng từ cuộc sống thường ngày

Ganson thường tìm thấy cảm hứng sáng tạo cho những cỗ máy của mình từ những vật dụng thường ngày xung quanh. Ông nhìn thấy vẻ đẹp trong những thứ tầm thường và biến những vật liệu bình thường thành những tác phẩm nghệ thuật phi thường. Ví dụ, tác phẩm “Cỗ máy với 22 mảnh giấy” của ông bao gồm một khung gỗ đơn giản và một tập hợp những mảnh giấy vụn bị loại bỏ. Khi cỗ máy chuyển động, những mảnh giấy rung lên và nhảy múa, tạo nên một màn trình diễn ánh sáng và bóng tối đẹp mê hồn.

Sự hợp tác và thử nghiệm

Ganson không ngại hợp tác với các nghệ sĩ khác và thử nghiệm những vật liệu và kỹ thuật mới. Ông đã làm việc với các kỹ sư, nhạc sĩ và thậm chí cả những người làm rối để thổi sức sống vào những cỗ máy của mình. Sự cởi mở với sự hợp tác và thử nghiệm này đã cho phép ông tạo ra một khối lượng tác phẩm đa dạng và không ngừng phát triển.

Sức hấp dẫn lâu dài của những cỗ máy của Ganson

Những cỗ máy của Ganson tiếp tục quyến rũ khán giả ở mọi lứa tuổi. Chúng là minh chứng cho sự sáng tạo vô bờ bến và khả năng gợi lên cảm giác ngạc nhiên và trí tưởng tượng của ông. Cho dù đó là những trò hề vui nhộn của “Chiếc máy có ghế” hay những sáng tạo đến từ thế giới khác của Toobers and Zots, những cỗ máy của Ganson nhắc nhở chúng ta rằng nghệ thuật có thể vừa đẹp vừa kích thích tư duy.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Điêu khắc

Nghệ thuật hoành tráng của Claes Oldenburg: Biến cái bình thường thành phi thường

by Jasmine
written by Jasmine

Nghệ thuật hoành tráng của Claes Oldenburg: Biến cái bình thường thành phi thường

Giới thiệu

Claes Oldenburg, một người tiên phong của nghệ thuật Pop, đã tạo dựng tên tuổi cho mình bằng cách tạo ra những tác phẩm điêu khắc khổng lồ biến những vật dụng hàng ngày thành tác phẩm nghệ thuật hoành tráng. Từ chiếc thìa dài 51 foot đến chiếc đèn pin cao 38 foot, những tác phẩm điêu khắc của Oldenburg mang đến một chút hài hước và phi lý cho các không gian công cộng trên toàn thế giới.

Biến cái bình thường thành cái phi thường

Nghệ thuật của Oldenburg tập trung vào khái niệm lấy những vật dụng tầm thường và phóng to chúng lên đến tỷ lệ phi thường. Bằng cách làm như vậy, ông thách thức nhận thức của chúng ta về những gì cấu thành nên nghệ thuật và mời chúng ta nhìn nhận cái quen thuộc dưới một góc nhìn mới. Các tác phẩm điêu khắc của ông thường gợi lên cảm giác vui tươi và ngạc nhiên, nhắc nhở chúng ta rằng ngay cả những thứ bình thường nhất cũng có thể trở nên phi thường khi được nhìn qua lăng kính nghệ thuật.

Nghệ thuật công cộng và sự hợp tác

Những tác phẩm điêu khắc quy mô lớn của Oldenburg thường được lắp đặt ở những không gian công cộng, nơi chúng tương tác với môi trường xung quanh và mời gọi công chúng tương tác với chúng. Ông thường xuyên hợp tác với vợ mình, Coosje van Bruggen, người mang chuyên môn của cô ấy với tư cách là một nhà sử học nghệ thuật và nghệ sĩ vào các dự án chung của họ. Cùng nhau, họ đã tạo ra những tác phẩm điêu khắc mang tính biểu tượng đã trở thành các địa danh ở các thành phố trên khắp thế giới.

Những tác phẩm điêu khắc không khả thi và giới hạn của trí tưởng tượng

Ngoài những tác phẩm điêu khắc hoành tráng, Oldenburg cũng đã cho ra đời nhiều bức vẽ về những gì ông gọi là tác phẩm điêu khắc “không khả thi” của mình. Đây là những khái niệm đầy tham vọng, mặc dù hấp dẫn, nhưng không thực tế để xây dựng. Thông qua những bức vẽ này, Oldenburg khám phá giới hạn của trí tưởng tượng và đẩy mạnh ranh giới của những gì có thể trong nghệ thuật.

Tác động của nghệ thuật Oldenburg

Các tác phẩm điêu khắc của Oldenburg đã gây ra cả sự say mê lẫn tranh cãi. Một số nhà phê bình cho rằng tác phẩm của ông chỉ là những thứ sến sẩm, trong khi những người khác lại ca ngợi tác phẩm của ông là một đóng góp đột phá cho nghệ thuật đương đại. Bất kể ý kiến ​​của mỗi người như thế nào, không thể phủ nhận rằng nghệ thuật của Oldenburg đã có tác động sâu sắc đến nhận thức của công chúng. Các tác phẩm điêu khắc của ông đã mang lại niềm vui cho hàng triệu người và thách thức các giả định của chúng ta về nghệ thuật là gì và nên như thế nào.

Di sản và ảnh hưởng

Di sản của Claes Oldenburg với tư cách là một nghệ sĩ tiên phong là vững chắc. Những tác phẩm điêu khắc hoành tráng của ông tiếp tục truyền cảm hứng và khơi gợi, nhắc nhở chúng ta rằng nghệ thuật có thể vừa vui tươi vừa sâu sắc. Tác phẩm của ông đã ảnh hưởng đến vô số nghệ sĩ khác và góp phần định hình bối cảnh của nghệ thuật đương đại.

Ví dụ về các tác phẩm điêu khắc mang tính biểu tượng của Oldenburg

  • The Spoonbridge and Cherry: Một chiếc thìa dài 51 foot bằng thép không gỉ nâng đỡ một quả anh đào maraschino nặng 1.200 pound trong Vườn điêu khắc Minneapolis.
  • Đèn pin: Một chiếc đèn pin bằng nhôm cao 38 foot, vươn lên khuôn viên trường Đại học Nevada ở Las Vegas.
  • Kẹp quần áo: Một chiếc kẹp quần áo bằng nhôm cao 45 foot đặt tại Trung tâm thành phố Philadelphia.
  • Tẩy gôm máy đánh chữ, Thang X: Một cục tẩy hoành tráng, được phóng to bằng kích thước của một tòa nhà nhỏ, được trưng bày tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở Thành phố New York.

Kết luận

Các tác phẩm điêu khắc hoành tráng của Claes Oldenburg đã để lại một dấu ấn không thể phai mờ trong thế giới nghệ thuật. Bằng cách biến những vật dụng bình thường thành những tác phẩm nghệ thuật phi thường, ông đã thách thức nhận thức của chúng ta, khơi dậy trí tưởng tượng của chúng ta và mang lại niềm vui cho vô số người trên toàn thế giới.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Điêu khắc

Origami: Cuộc gặp gỡ giữa nghệ thuật điêu khắc và toán học

by Kim
written by Kim

Origami: Nơi nghệ thuật điêu khắc hội ngộ toán học

Origami toán học: Thách thức những điều không tưởng

Nhà lý thuyết về tính toán origami Erik Demaine đã đẩy lùi ranh giới của origami, tạo ra những tác phẩm điêu khắc thách thức nhận thức truyền thống về những điều có thể làm được khi gấp giấy. Bằng cách luân phiên các nếp gấp núi và thung lũng trong các hình vuông đồng tâm, Demaine đã đạt được những điều trước đây không tưởng: paraboloid hypebol, một hình dạng được cho là không thể đạt được trong origami.

Bí mật nằm ở các mẫu gấp nếp phức tạp mà Demaine tạo ra, tạo ra các cấu trúc “nảy thành hình yên ngựa” giống như một chiếc bánh quy giòn Pringles. Các tác phẩm điêu khắc của Demaine không chỉ tuyệt đẹp về mặt thị giác mà còn đặt ra những câu hỏi cơ bản về cơ học gấp giấy.

Lịch sử của Origami

Origami có nguồn gốc từ Nhật Bản vào năm 1797, với việc xuất bản cuốn sách “Sembazuru Orikata” của Akisato Rito. Vào những năm 1800, origami trở thành hoạt động phổ biến ở các lớp học ở châu Âu và vào những năm 1950, origami đã trở thành một loại hình nghệ thuật hiện đại dưới sự dẫn dắt của nghệ sĩ người Nhật Akira Yoshizawa.

Những nghệ sĩ origami đương đại như Eric Joisel và Robert Lang đã phá vỡ nhiều giới hạn hơn nữa, tạo ra những hình động vật và người sống động như thật, cùng các tác phẩm phức tạp đã được trưng bày tại các viện bảo tàng uy tín như Louvre và Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại.

Origami và toán học

Origami có mối liên hệ sâu sắc với toán học, đặc biệt là hình học. Vấn đề gấp và cắt, lần đầu tiên được nêu ra trong một cuốn sách tiếng Nhật vào năm 1721, đặt câu hỏi rằng có bao nhiêu hình dạng khác nhau có thể tạo ra bằng cách gấp một tờ giấy hình chữ nhật và thực hiện một lần cắt duy nhất. Giải pháp của Demaine cho bài toán này đã có từ nhiều thế kỷ trước đã chứng minh rằng bất kỳ hình dạng nào cũng có thể đạt được nếu có bản vẽ hình học chính xác.

Origami điện toán

Các chương trình máy tính đã cách mạng hóa lĩnh vực origami. Phần mềm như TreeMaker và Origamizer cho phép người dùng thiết kế và khám phá các mẫu gấp nếp phức tạp, cho phép tạo ra các hình dạng tinh xảo và sáng tạo.

Ứng dụng origami trong thực tế

Ngoài giá trị nghệ thuật, origami còn tìm thấy các ứng dụng thực tế trong nhiều lĩnh vực. Các nhà sản xuất ô tô sử dụng toán học origami để thiết kế túi khí có thể gấp lại một cách hiệu quả. Các kỹ sư đang khám phá việc sử dụng các cấu trúc origami trong sản xuất nano, tạo ra các vật thể phẳng có thể biến đổi thành các hình dạng 3D. Ngoài ra, các nguyên lý origami có thể hỗ trợ thiết kế các protein tổng hợp chống lại vi-rút.

Bộ đôi cha con

Erik Demaine và cha của ông, Martin, đã hợp tác để tạo ra những tác phẩm điêu khắc origami đầy mê hoặc. Các tác phẩm của họ đã được trưng bày tại Phòng trưng bày Renwick của Smithsonian, thể hiện sự giao thoa giữa nghệ thuật và toán học.

Sức hấp dẫn của Origami

Origami tiếp tục thu hút các nghệ sĩ và nhà toán học, mang đến sự kết hợp độc đáo giữa sự sáng tạo, chính xác và giải quyết vấn đề. Như Demaine đã chỉ ra một cách khéo léo: “Chúng tôi đã tìm ra một bài toán toán học truyền cảm hứng cho nghệ thuật mới — và một bài toán nghệ thuật truyền cảm hứng cho toán học mới”.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Điêu khắc

Danielle Rose Byrd: Nhà điêu khắc và chạm khắc chấp nhận thất bại

by Jasmine
written by Jasmine

Gặp gỡ Danielle Rose Byrd: Nhà điêu khắc và thợ chạm khắc chấp nhận sự thất bại

Những ảnh hưởng ban đầu và hành trình nghệ thuật

Niềm đam mê với nghề mộc của Danielle Rose Byrd nảy nở trong thời gian cô theo học tại một trường cao đẳng nghệ thuật tự do nhỏ ở Maine. Lấy cảm hứng từ những vật liệu tự nhiên xung quanh mình, cô bắt đầu thử nghiệm nghệ thuật chạm khắc và tạo ra những đồ vật tinh xảo từ gỗ trôi dạt và những vật liệu tìm thấy khác.

Giáo dục và quá trình phát triển

Mặc dù trường cao đẳng của cô không có xưởng mộc chuyên dụng, Byrd đã tìm thấy chỗ đứng của mình trong nhóm nhân viên mặt đất, những người đã dạy cô những kiến thức cơ bản về việc sử dụng các công cụ. Cô cũng lấy cảm hứng từ sự tập trung của trường cao đẳng vào tính bền vững và tư duy phản biện, điều này đã định hình cách tiếp cận nghệ thuật của cô.

Nghề mộc như một nghề thủ công và một cuộc trò chuyện

Byrd coi nghề mộc vừa là một nghề thủ công vừa là một cuộc trò chuyện với chính vật liệu. Cô nắm bắt sự khó đoán của gỗ, để nó dẫn dắt các thiết kế của mình và ảnh hưởng đến quá trình sáng tạo của cô. Cách tiếp cận này đã dẫn đến một số tác phẩm thành công và sáng tạo nhất của cô.

Từ thìa đến tác phẩm điêu khắc

Hành trình nghệ thuật của Byrd bắt đầu với việc chạm khắc thìa, nhưng cô dần mở rộng vốn hiểu biết của mình để bao gồm các vật dụng chức năng, tác phẩm điêu khắc và thậm chí là các tác phẩm sắp đặt quy mô lớn. Tác phẩm của cô được đặc trưng bởi hình thức hữu cơ, kết cấu phức tạp và mối liên hệ sâu sắc với thế giới tự nhiên.

Thất bại như chất xúc tác cho sự phát triển

Byrd chào đón thất bại như một phần thiết yếu trong quá trình sáng tạo của mình. Cô coi đó là cơ hội để học hỏi, thích nghi và khám phá những khả năng mới. Bằng cách nắm bắt những điều bất ngờ và từ bỏ sự hoàn hảo, cô đã mở khóa một số thiết kế đột phá nhất của mình.

Tầm quan trọng của sự cân bằng

Mặc dù Byrd thích khám phá khía cạnh điêu khắc của nghề mộc, cô cũng coi trọng sự cân bằng giữa chức năng và tính thẩm mỹ. Cô tạo ra cả những đồ vật chức năng, như bát và thìa, và những tác phẩm điêu khắc thuần túy, mời gọi sự chiêm nghiệm và truyền cảm hứng cho trí tưởng tượng.

Thử thách và phần thưởng

Theo Byrd, một trong những thách thức lớn nhất trong nghề mộc là khoản đầu tư về thời gian và tiền bạc cần thiết. Tuy nhiên, phần thưởng vượt xa chi phí. Cô tìm thấy sự hài lòng to lớn trong quá trình sáng tạo, mối liên hệ với vật liệu và khả năng tạo ra những đồ vật mang lại niềm vui cho người khác.

Lời khuyên cho những người thợ mộc đầy tham vọng

Byrd khuyến khích những người thợ mộc đầy tham vọng nắm lấy quá trình học hỏi và đừng ngại mắc lỗi. Cô nhấn mạnh tầm quan trọng của việc tìm kiếm cảm hứng từ chính các vật liệu và để quá trình sáng tạo diễn ra một cách tự nhiên.

Hỏi & đáp nhanh

  • Loại gỗ yêu thích: Gỗ miễn phí!
  • Các công cụ yêu thích: Tất cả các loại, bao gồm cả dụng cụ cầm tay, dụng cụ điện và rìu chạm khắc điện.
  • Tác phẩm yêu thích nhất trong tháng qua: Một tác phẩm điêu khắc treo tường có kết cấu cao chỉ tồn tại trong tâm trí cô.
  • Mục tiêu lớn nhất: Nhiều tác phẩm điêu khắc hơn.
  • Phụ kiện xưởng yêu thích: Phụ thuộc vào dự án.
  • Bật hoặc tắt nhạc: Các bộ phim ở chế độ nền, thường là những bộ phim tệ hại của thập niên 90 hoặc phim hài lãng mạn.
  • Bước yêu thích nhất trong quy trình: Lên ý tưởng.
  • Trợ lý yêu thích: Teddy, chú mèo của cô.
0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail