Home Nghệ thuật phim
Category:

phim

phim

Những trường quay phim lịch sử: Đã biến mất nhưng không bị lãng quên

by Zuzana
written by Zuzana

Những trường quay phim lịch sử: Đã biến mất nhưng không bị lãng quên

Việc phá dỡ các trường quay lịch sử làm dấy lên mối lo ngại

Việc phá dỡ gần đây các trường quay phim lịch sử ở West Hollywood và Thành phố New York đã làm dấy lên mối lo ngại về việc bảo tồn di sản điện ảnh của chúng ta. Những trường quay này đóng một vai trò quan trọng trong sự phát triển của ngành công nghiệp điện ảnh và là nơi khai sinh của vô số bộ phim kinh điển.

The Lot: Một địa danh của Hollywood

The Lot, một tổ hợp trường quay phim ở West Hollywood, đang phải đối mặt với việc bị phá dỡ bởi chủ sở hữu mới, CIM Group. Tổ hợp bao gồm các sân khấu âm thanh, phòng dựng phim và văn phòng sản xuất đã được hầu như mọi ngôi sao và nhà làm phim lớn trong lịch sử Hollywood sử dụng, bao gồm Clark Gable, Marilyn Monroe và Marlon Brando.

Mất mát của một di sản văn hóa

Việc phá dỡ The Lot và các trường quay lịch sử khác đại diện cho một mất mát đáng kể đối với di sản văn hóa của chúng ta. Những trường quay này không chỉ là những tòa nhà; chúng là biểu tượng của sự sáng tạo và đổi mới đã định hình nên ngành công nghiệp điện ảnh. Việc mất đi chúng sẽ khiến các thế hệ tương lai không có cơ hội được trực tiếp trải nghiệm lịch sử điện ảnh.

Cuộc chiến bảo tồn quá khứ

Những nỗ lực đang được tiến hành để cứu The Lot và các trường quay lịch sử khác khỏi bị phá dỡ. Các bản kiến nghị đã được đưa ra và các nhà làm phim, diễn viên và nhà bảo tồn đã cùng nhau lên tiếng ủng hộ việc bảo vệ chúng.

318 East 48th Street: Trường quay đã mất của New York

Ngoài The Lot, một trường quay phim lịch sử khác gần đây cũng bị mất: 318 East 48th Street ở Thành phố New York. Nhà kho cũ này từng là nơi đặt trụ sở của Norma Talmadge Film Corporation, Constance Talmadge Film Corporation và Comique Film Corporation của Roscoe Arbuckle. Chính tại đây, Buster Keaton đã bắt đầu sự nghiệp của mình dưới sự chỉ dạy của Arbuckle.

Tầm quan trọng của việc bảo tồn

Việc mất đi 318 East 48th Street và các trường quay phim lịch sử khác là lời nhắc nhở về tầm quan trọng của việc bảo tồn di sản văn hóa của chúng ta. Những trường quay này không chỉ là di tích của quá khứ; chúng là những lời nhắc nhở sống động, hữu hình về những con người và sự kiện đã định hình nên nền văn hóa của chúng ta. Bằng cách bảo tồn chúng, chúng ta đảm bảo rằng các thế hệ tương lai có thể đánh giá cao nghệ thuật và sự đổi mới đã được sử dụng để tạo ra những bộ phim mà chúng ta yêu thích.

Có thể làm gì?

Có thể thực hiện một số bước để đảm bảo việc bảo tồn các trường quay phim lịch sử:

  • Tăng nhận thức: Giáo dục công chúng về tầm quan trọng của những trường quay này và nhu cầu bảo vệ chúng.
  • Ủng hộ luật pháp: Hỗ trợ luật pháp bảo vệ các trường quay phim lịch sử khỏi bị phá dỡ.
  • Cung cấp tài trợ: Đảm bảo tài trợ cho việc phục hồi và bảo tồn những trường quay này.
  • Hỗ trợ các tổ chức bảo tồn: Tham gia hoặc quyên góp cho các tổ chức dành riêng để bảo tồn di sản điện ảnh.

Bằng cách hợp tác, chúng ta có thể đảm bảo rằng các thế hệ tương lai sẽ tiếp tục được tận hưởng di sản của những trường quay phim lịch sử này.

Những nhân vật nổi tiếng từng làm việc tại The Lot

  • Clark Gable
  • Marilyn Monroe
  • Elizabeth Taylor
  • Marlon Brando
  • Charlie Chaplin
  • Douglas Fairbanks
  • Mary Pickford

Ý nghĩa của trường quay 318 East 48th Street

  • Từng là trụ sở của Norma Talmadge Film Corporation, Constance Talmadge Film Corporation và Comique Film Corporation của Roscoe Arbuckle
  • Nơi Buster Keaton bắt đầu sự nghiệp dưới sự chỉ dạy của Arbuckle

Tác động của việc mất các trường quay lịch sử đối với ngành công nghiệp điện ảnh

  • Khiến các thế hệ tương lai không có cơ hội được trực tiếp trải nghiệm lịch sử điện ảnh
  • Mất đi những địa danh giá trị đã đóng vai trò trong vô số bộ phim
  • Làm giảm ý nghĩa văn hóa của ngành công nghiệp điện ảnh
0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
phim

Rediscovering Lost Treasures: The ‘Mostly Lost’ Silent Film Festival

by Zuzana
written by Zuzana

Khám phá Lại Những Bộ Phim Câm Bị Lãng Quên: Liên hoan phim “Hầu như đã mất”

Thư viện Quốc hội Hoa Kỳ đang mời công chúng giúp nhận dạng những bộ phim câm ít người biết đến tại liên hoan phim thường niên “Hầu như đã mất”. Sự kiện độc đáo này quy tụ những người đam mê phim, các học giả và công chúng để cùng nhau ghép lại lịch sử điện ảnh.

Kỷ nguyên phim câm: Kho báu bị lãng quên

Kỷ nguyên phim câm, kéo dài từ cuối thế kỷ 19 đến cuối những năm 1920, là một giai đoạn đột phá trong lịch sử làm phim. Mặc dù có tầm quan trọng như vậy, nhiều bộ phim câm đã bị mất hoặc lãng quên. Theo báo cáo do Thư viện Quốc hội Hoa Kỳ công bố, chỉ có 14% trong số 10.919 bộ phim câm do các hãng phim lớn phát hành trong giai đoạn 1912-1929 vẫn tồn tại ở định dạng gốc.

Tầm quan trọng của phim câm

Phim câm đóng vai trò quan trọng trong sự phát triển của điện ảnh. Chúng không chỉ là một dạng làm phim thô sơ, chờ đợi công nghệ tiên tiến hơn, mà còn là một loại hình nghệ thuật độc đáo và giàu sức biểu cảm với những kỹ thuật kể chuyện riêng biệt. Như David Pierce, người sáng lập Thư viện Lịch sử Truyền thông Kỹ thuật số, đã lưu ý: “Phim câm là một hình thức kể chuyện thay thế, với những thành tựu nghệ thuật tương đương hoặc thậm chí vượt trội so với những bộ phim có tiếng sau này”.

Liên hoan phim “Hầu như đã mất”

Liên hoan phim “Hầu như đã mất” cung cấp một nền tảng để nhận dạng và lưu giữ những bộ phim câm đã mất. Liên hoan trình chiếu một số đoạn phim chưa được xác định và khuyến khích người tham dự chia sẻ kiến thức và chuyên môn của mình để giúp nhận dạng những bộ phim này. Trong năm năm qua, liên hoan đã xác định thành công một nửa số phim được trình chiếu tại sự kiện đầu tiên.

Crowdsourcing: Công cụ đắc lực để bảo tồn phim

Liên hoan phim “Hầu như đã mất” là một ví dụ điển hình về cách sử dụng crowdsourcing để thúc đẩy công tác bảo tồn phim. Bằng cách tập hợp một nhóm những người đa dạng có chung niềm đam mê phim câm, liên hoan tận dụng kiến thức và chuyên môn tập thể của đám đông để giải quyết một vấn đề phức tạp.

Những thách thức trong việc bảo tồn phim câm

Bảo tồn phim câm là một nhiệm vụ khó khăn. Phim nitrat, phương tiện chính được sử dụng cho phim câm, rất dễ bay hơi và dễ bị hư hỏng. Ngoài ra, nhiều bộ phim câm không được lập danh mục hoặc dán nhãn đúng cách, khiến việc xác định và định vị chúng trở nên khó khăn.

Tương lai của công tác bảo tồn phim câm

Mặc dù có những thách thức, phong trào bảo tồn và phục chế phim câm đang ngày càng phát triển. Thư viện Quốc hội Hoa Kỳ và các tổ chức khác đang nỗ lực số hóa và phục chế phim câm, giúp công chúng dễ dàng tiếp cận hơn. Ngoài ra, các tổ chức như Quỹ Bảo tồn Phim Quốc gia đang nỗ lực nâng cao nhận thức về tầm quan trọng của việc bảo tồn phim câm.

Những nhân vật tiêu biểu của phim câm

Kỷ nguyên phim câm là nơi sản sinh ra nhiều nhân vật nổi tiếng, trong đó có nữ quay phim tiên phong kiêm giám đốc hãng phim Angela Murray Gibson. Gibson là một trong những người phụ nữ đầu tiên làm việc đằng sau máy quay, bà đã đạo diễn và sản xuất nhiều bộ phim câm đột phá.

Phục chế phim câm: Một công việc đòi hỏi tình yêu

Phục chế phim câm là một quá trình đòi hỏi nhiều công sức và thời gian. Công việc này bao gồm vệ sinh và sửa chữa phim, thêm nhạc nền mới và tạo phụ đề mới. Tuy nhiên, phần thưởng của việc phục chế một bộ phim câm là vô cùng lớn lao. Những bộ phim câm được phục chế cho phép chúng ta trải nghiệm phép thuật của loại hình nghệ thuật đã mất này và hiểu sâu hơn về lịch sử điện ảnh.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
phim

Bí mật của Hollywood: Cảnh quay tái chế giúp làm nên những bộ phim kinh điển

by Zuzana
written by Zuzana

Bí mật của Hollywood: Nghệ thuật tái chế cảnh quay

Cảnh quay tái chế trong những bộ phim kinh điển

Trong thế giới làm phim, không có gì lạ khi các đạo diễn vay mượn các yếu tố từ những bộ phim khác để làm phong phú thêm cho tác phẩm của họ. Một ví dụ nổi bật là việc Ridley Scott sử dụng cảnh quay loại bỏ từ bộ phim “The Shining” của Stanley Kubrick trong bộ phim khoa học viễn tưởng mang tính biểu tượng của ông là “Blade Runner”. Những cảnh quay chung về cùng một ngọn núi, được thực hiện cùng một thời điểm, tạo nên sự kết nối tinh tế nhưng hiệu quả giữa hai kiệt tác điện ảnh này.

Michael Bay sử dụng lại các cảnh rượt đuổi

Michael Bay là một đạo diễn khác nổi tiếng với việc sử dụng lại cảnh quay. Trong bộ phim “Transformers 3” năm 2011, Bay đã đưa vào một cảnh rượt đuổi từ bộ phim “The Island” năm 2005. Trường hợp sử dụng lại cảnh quay này dễ nhận thấy hơn đối với người xem, làm nổi bật những nhược điểm tiềm ẩn của kỹ thuật này.

Thói quen tái chế của Hollywood

Theo một video từ Reelz, Hollywood có một lịch sử lâu đời về việc sử dụng lại cảnh quay, không chỉ giới hạn ở từng cảnh mà còn bao gồm cả bối cảnh, đạo cụ, thậm chí là toàn bộ các phân đoạn phim. Thực hành “tái chế” này cho phép các nhà làm phim tiết kiệm thời gian và nguồn lực, đồng thời tạo ra cảm giác liền mạch và quen thuộc cho khán giả.

Lợi ích của việc sử dụng lại cảnh quay

Sử dụng lại cảnh quay có thể mang lại một số lợi ích cho các nhà làm phim:

  • Tiết kiệm chi phí: Bằng cách sử dụng cảnh quay có sẵn, các nhà làm phim có thể giảm chi phí sản xuất.
  • Hiệu quả về thời gian: Sử dụng lại cảnh quay có thể tiết kiệm thời gian trong quá trình quay và dựng phim.
  • Tính liên tục: Sử dụng lại cảnh quay từ các bộ phim trước có thể giúp duy trì sự nhất quán về mặt hình ảnh trong một loạt phim hoặc thương hiệu phim.
  • Kể chuyện: Cảnh quay tái chế có thể được sử dụng để truyền tải những cảnh hồi tưởng, điềm báo hoặc các yếu tố tự sự khác.

Thách thức của việc sử dụng lại cảnh quay

Mặc dù việc sử dụng lại cảnh quay có thể là một công cụ hữu ích, nhưng nó cũng đặt ra một số thách thức:

  • Các vấn đề về bản quyền: Các nhà làm phim phải đảm bảo rằng họ có quyền sử dụng cảnh quay từ các bộ phim khác.
  • Lỗi liên tục: Sử dụng lại cảnh quay từ các nguồn khác nhau có thể dẫn đến lỗi liên tục, chẳng hạn như ánh sáng hoặc góc máy quay không khớp.
  • Nhận thức của khán giả: Khán giả có thể nhận ra và chỉ trích việc sử dụng lại cảnh quay, đặc biệt là khi việc này quá rõ ràng hoặc gây mất tập trung.

Những cân nhắc về mặt đạo đức

Việc sử dụng lại cảnh quay đặt ra những mối quan ngại về mặt đạo đức liên quan đến việc ghi nhận công lao đúng đắn. Các nhà làm phim sử dụng cảnh quay từ các nguồn khác nên ghi nhận những người sáng tạo ban đầu và xin phép nếu cần thiết. Việc không làm như vậy có thể dẫn đến cáo buộc đạo văn hoặc vi phạm bản quyền.

Công nghệ và việc sử dụng lại cảnh quay

Những tiến bộ trong công nghệ đã tạo điều kiện thuận lợi cho việc sử dụng lại cảnh quay trong làm phim. Các công cụ chỉnh sửa kỹ thuật số giúp thao tác và kết hợp cảnh quay từ nhiều nguồn trở nên dễ dàng hơn. Tuy nhiên, điều quan trọng là các nhà làm phim phải sử dụng các công cụ này một cách có trách nhiệm và có đạo đức.

Ví dụ về những cảnh quay tái sử dụng mang tính biểu tượng

Trong suốt lịch sử điện ảnh, đã có rất nhiều trường hợp cảnh quay mang tính biểu tượng được sử dụng lại. Dưới đây là một số ví dụ:

  • Cảnh tắm trong “Psycho” đã được sử dụng lại trong “Wayne’s World”.
  • Cảnh quán rượu trong “Star Wars” đã được sử dụng lại trong “Return of the Jedi”.
  • Cảnh rượt đuổi hòn đá trong “Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark” đã được sử dụng lại trong “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull”.

Kết luận

Việc sử dụng lại cảnh quay trong làm phim là một hoạt động phức tạp và đa chiều. Nó có thể mang lại những lợi ích như tiết kiệm chi phí và hiệu quả về thời gian, nhưng cũng đặt ra những thách thức liên quan đến bản quyền, tính liên tục và nhận thức của khán giả. Các nhà làm phim phải cân nhắc kỹ lưỡng những tác động về mặt đạo đức và sử dụng công nghệ một cách có trách nhiệm khi đưa cảnh quay tái chế vào tác phẩm của mình.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
phim

Khám phá lại ‘Too Much Johnson’: Phim đầu tiên đã mất của Orson Welles

by Zuzana
written by Zuzana

Phim đã mất của Orson Welles được tìm thấy: ‘Too Much Johnson’ tái xuất

Bộ phim đã mất

Trong biên niên sử điện ảnh, “Citizen Kane” của Orson Welles là một kiệt tác đồ sộ. Nhưng trước khi Welles đạt được thành công vang dội với bộ phim đột phá đó, ông đã bắt tay vào một dự án đầy tham vọng bị cho là đã mất mãi mãi: “Too Much Johnson”.

“Too Much Johnson” là một loạt phim ngắn dự định đi kèm với một buổi biểu diễn trực tiếp của vở kịch cùng tên vào năm 1938. Đây là lần đầu tiên Welles thử sức với điện ảnh cùng một đoàn làm phim và các diễn viên chuyên nghiệp, đánh dấu một cột mốc quan trọng trong sự nghiệp của ông.

Tuy nhiên, vào đêm công chiếu, bộ phim vẫn chưa sẵn sàng để trình chiếu. Vở kịch đã diễn ra mà không có phim, và khi quá trình sản xuất thất bại, bộ phim đã bị rơi vào quên lãng.

Trong nhiều thập kỷ, người ta tin rằng “Too Much Johnson” đã bị mất trong một vụ hỏa hoạn vào những năm 1960. Nhưng trong một diễn biến đáng kinh ngạc, bộ phim gần đây đã được phát hiện tại một nhà kho ở Pordenone, Ý.

Khám phá lại

Việc tìm lại được “Too Much Johnson” là một sự kiện trọng đại đối với các nhà sử học điện ảnh cũng như những người hâm mộ Welles. Bộ phim hé lộ một cái nhìn hiếm có về những tác phẩm đầu tay của Welles và làm sáng tỏ quá trình sáng tạo của ông.

Bộ phim câm này đã bị thời gian tàn phá nặng nề, nhưng bảo tàng George Eastman House ở Rochester, New York hiện đang tiến hành phục chế. Sau khi hoàn tất quá trình phục chế, bảo tàng sẽ trình chiếu bộ phim công khai lần đầu tiên.

Tầm quan trọng của việc khám phá lại

Việc tìm lại “Too Much Johnson” có ý nghĩa quan trọng vì một số lý do. Đầu tiên, nó lấp đầy một khoảng trống trong các tác phẩm điện ảnh của Welles và cho chúng ta hiểu rõ hơn về sự phát triển nghệ thuật của ông.

Thứ hai, bộ phim cung cấp một góc nhìn độc đáo về những ngày đầu phát triển của điện ảnh và những thách thức mà các nhà làm phim phải đối mặt trong việc sản xuất và phân phối tác phẩm của họ.

Cuối cùng, việc phục chế và trình chiếu công khai “Too Much Johnson” sẽ giúp cho thế hệ khán giả mới tiếp cận được với tác phẩm điện ảnh quan trọng trong lịch sử này.

Sự nghiệp ban đầu của Welles

Trước khi nổi tiếng thế giới với “Citizen Kane”, Welles là một ngôi sao đang lên trong thế giới sân khấu. Ông đã đạo diễn một số tác phẩm sân khấu được đánh giá cao, bao gồm một tác phẩm chuyển thể mang tính đột phá “Macbeth” của Shakespeare vào năm 1936.

Welles bắt đầu quan tâm đến điện ảnh vào giữa những năm 1930 và đã thử nghiệm nhiều kỹ thuật làm phim khác nhau, bao gồm sử dụng âm thanh và dựng phim. “Too Much Johnson” là lần đầu tiên ông thử sức với một bộ phim chuyên nghiệp và thể hiện cách tiếp cận sáng tạo của ông trong việc kể chuyện.

Ảnh hưởng đến “Citizen Kane”

Mặc dù “Too Much Johnson” chưa bao giờ được phát hành công khai, nhưng người ta tin rằng bộ phim này đã ảnh hưởng đến các tác phẩm sau đó của Welles, đặc biệt là “Citizen Kane”. Việc sử dụng hồi tưởng, góc máy quay độc đáo và cấu trúc tường thuật nhiều tầng trong phim báo trước các kỹ thuật mà Welles sẽ thành thạo trong kiệt tác của mình.

Việc khám phá lại “Too Much Johnson” là một cơ hội vô giá để đánh giá lại sự nghiệp ban đầu của Welles và tìm hiểu sự tiến hóa trong phong cách làm phim của ông.

Chiếu công khai

Bảo tàng George Eastman House sẽ trình chiếu phiên bản phục chế của “Too Much Johnson” tại Pordenone, Ý, và sau đó tại bảo tàng ở Rochester vào tháng 10. Đây sẽ là lần đầu tiên công chúng được xem bộ phim đầu tay của Welles dành cho đông đảo khán giả.

Buổi chiếu “Too Much Johnson” là một sự kiện trọng đại đối với người hâm mộ Welles cũng như những người yêu điện ảnh. Đây là một cơ hội hiếm có để trải nghiệm một phần lịch sử điện ảnh đã mất và hiểu sâu hơn về một trong những nhà làm phim có ảnh hưởng nhất mọi thời đại.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
phim

Hành trình cá nhân của Spielberg: Sự bất ổn gia đình, chấn thương thời thơ ấu và sức mạnh chữa lành của nghệ thuật

by Jasmine
written by Jasmine

Steven Spielberg: Nghệ thuật làm phim cá nhân

Chủ đề trong phim của Spielberg

Những bộ phim của Steven Spielberg thường khám phá các chủ đề về sự bất ổn gia đình, ly hôn, những người cha xa cách và việc sử dụng khoa học viễn tưởng để khám phá những chủ đề này. Những trải nghiệm cá nhân của ông, bao gồm cuộc ly hôn của cha mẹ và chấn thương thời thơ ấu, đã có ảnh hưởng đáng kể đến quá trình làm phim của ông.

Sự bất ổn gia đình và ly hôn

Những bộ phim của Spielberg thường mô tả những gia đình không hạnh phúc, phản ánh những trải nghiệm thời thơ ấu của chính ông. Ly hôn là một chủ đề thường xuyên xuất hiện, như có thể thấy trong những bộ phim như “E.T. – Người ngoài hành tinh” và “Convoy”, những phim khám phá tác động về mặt cảm xúc của sự tan vỡ gia đình đối với trẻ em.

Nghệ thuật như một cơ chế đối phó

Spielberg sử dụng làm phim như một cơ chế đối phó để đối mặt với nỗi sợ hãi và chấn thương thời thơ ấu của mình. Trong “The Fabelmans”, bộ phim cá nhân nhất của ông, ông tái hiện lại tuổi thơ của mình bằng cách sử dụng một phiên bản hư cấu của chính mình tên là Sammy Fabelman. Thông qua Sammy, Spielberg khám phá cách nghệ thuật có thể giúp trẻ em xử lý và hiểu những trải nghiệm khó khăn.

Khoa học viễn tưởng và chấn thương thời thơ ấu

Những bộ phim khoa học viễn tưởng của Spielberg thường có các chủ đề về gia đình và mất mát. “E.T.” kể về một đứa trẻ đối phó với việc thiếu vắng cha mình thông qua tình bạn với một người ngoài hành tinh, trong khi “Close Encounters of the Third Kind” khám phá tác động về mặt cảm xúc của những cuộc chạm trán với người ngoài hành tinh đối với một gia đình.

Cha và con trai

Những bộ phim của Spielberg thường mô tả những người cha xa cách hoặc vắng mặt. Trong “Close Encounters”, nỗi ám ảnh của nhân vật chính với UFO đã khiến anh xa lánh gia đình mình. Trong “Indiana Jones và cuộc thập tự chinh cuối cùng”, nhân vật chính phải làm hòa với người cha xa cách của mình.

Ý nghĩa của “The Fabelmans”

“The Fabelmans” là bộ phim tự truyện nhất của Spielberg, đánh dấu sự khởi đầu từ cách sử dụng ẩn dụ thông thường của ông để khám phá những chủ đề cá nhân. Thông qua nhân vật Sammy, Spielberg đối mặt với những chấn thương thời thơ ấu của mình, bao gồm cả cuộc ly hôn của cha mẹ mình và mối quan hệ của ông với cha mình.

Lợi ích thanh lọc của làm phim

Làm phim đã trở thành một trải nghiệm thanh lọc đối với Spielberg, cho phép ông hòa giải với quá khứ của mình và hiểu được những trải nghiệm của chính mình. Ông tin rằng bằng cách ghi lại những khoảnh khắc trên phim, ông có thể kiểm soát được chúng và cuối cùng giải quyết được chúng.

Ảnh hưởng từ cha mẹ của Spielberg

Cha mẹ của Spielberg đóng một vai trò quan trọng trong việc định hình quá trình làm phim của ông. Mẹ ông, một nghệ sĩ piano tài năng, khuyến khích ông theo đuổi nghệ thuật, trong khi cha ông, một kỹ sư thực tế, đại diện cho sức mạnh đối lập của khoa học và lý trí. Những bộ phim của Spielberg thường khám phá sự căng thẳng giữa hai thế giới này.

Ghi lại từng khoảnh khắc

Những bộ phim của Spielberg thường có dòng chữ “Ghi lại từng khoảnh khắc”, phản ánh niềm tin của ông vào sức mạnh của điện ảnh trong việc bảo tồn và hiểu được quá khứ. Bằng cách ghi lại những khoảnh khắc trên phim, ông cố gắng kiểm soát chúng và cuối cùng vượt qua những chấn thương thời thơ ấu của mình.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
phim

Barbie lập kỷ lục, truyền cảm hứng cho phụ nữ trên toàn thế giới!

by Kim
written by Kim

Barbie lập nên lịch sử: Greta Gerwig phá vỡ rào cản doanh thu phòng vé

Sức mạnh nữ quyền trên màn ảnh rộng

“Barbie” của Greta Gerwig đã phá vỡ những rào cản vô hình tại Hollywood và trở thành bộ phim đầu tiên do một nữ đạo diễn thực hiện đạt doanh thu toàn cầu trên 1 tỷ đô la. Sự kiện quan trọng này đánh dấu một bước tiến đáng kể cho các nữ đạo diễn và thách thức những quan điểm cố hữu về doanh thu phòng vé của những bộ phim lấy phụ nữ làm trung tâm.

Phá vỡ rào cản giới tính

Trong nhiều thập kỷ, ngành công nghiệp điện ảnh do các đạo diễn nam thống trị, trong khi những người phụ nữ phải đối mặt với những rào cản đáng kể để gia nhập thế giới này. “Barbie” chứng minh rằng các nữ đạo diễn cũng có đủ năng lực để chỉ đạo những bộ phim bom tấn và đạt được thành công về doanh thu phòng vé. Thành tựu của Gerwig là minh chứng cho tài năng của cô và nhu cầu ngày càng tăng đối với những tiếng nói đa dạng trong lĩnh vực kể chuyện.

Thách thức những khuôn mẫu cố hữu ở Hollywood

“Barbie” không chỉ phá vỡ các chuẩn mực giới tính đằng sau máy quay mà còn trên cả màn ảnh. Là một bộ phim xoay quanh một nữ nhân vật chính, tác phẩm này đã bác bỏ định kiến lỗi thời cho rằng “phim dành cho con gái” có sức hấp dẫn hạn chế. Sự thành công của bộ phim chứng tỏ rằng khán giả rất háo hức với những câu chuyện phản ánh trải nghiệm và quan điểm của chính họ.

Sức mạnh của tiếp thị màu hồng

Thành công ban đầu của bộ phim có thể được lý giải một phần nhờ vào chiến dịch tiếp thị thông minh, tận dụng màu hồng mang tính biểu tượng gắn liền với thương hiệu Barbie. Chiến lược này đã khai thác nỗi nhớ của nhiều thế hệ người hâm mộ Barbie và thu hút sự chú ý rộng rãi.

Sự hoan nghênh của giới phê bình và bình luận xã hội

Ngoài thành công về mặt thương mại, “Barbie” còn nhận được sự hoan nghênh của giới phê bình vì những bình luận xã hội tự nhận thức sâu sắc. Bộ phim khám phá lịch sử phức tạp của thương hiệu Barbie và tác động của nó đến bản sắc phụ nữ. Tác phẩm này đã châm ngòi cho những cuộc thảo luận về các khuôn mẫu giới tính, hình ảnh cơ thể và tầm quan trọng của sự đại diện.

Tầm quan trọng của sự đa dạng trong thế giới phim ảnh Hollywood

Thành tựu của Gerwig nêu bật nhu cầu cấp thiết về sự đa dạng hơn nữa trong các vị trí lãnh đạo tại Hollywood. Các nghiên cứu đã chỉ ra rằng những bộ phim lấy phụ nữ làm trung tâm thường bị đánh giá thấp và thể hiện không đầy đủ. Bằng cách trao quyền cho nhiều phụ nữ hơn để chỉ đạo và sản xuất phim, ngành công nghiệp này có thể tạo ra một môi trường toàn diện và công bằng hơn cho tất cả mọi người.

Nguồn cảm hứng cho các thế hệ tương lai

Sự thành công của “Barbie” không chỉ là một cột mốc đối với ngành công nghiệp điện ảnh mà còn là nguồn cảm hứng cho các thế hệ tương lai. Bộ phim gửi đến các bé gái một thông điệp mạnh mẽ rằng các em có thể theo đuổi bất kỳ sự nghiệp nào, bao gồm cả đạo diễn. Thành tựu mang tính đột phá của Gerwig nhắc nhở chúng ta rằng mọi thứ đều có thể với sự quyết tâm và niềm đam mê.

Phá vỡ những rào cản vô hình

“Barbie” của Greta Gerwig không chỉ là một bộ phim; đó là biểu tượng của sức mạnh nữ quyền và là chất xúc tác cho sự thay đổi tại Hollywood. Bằng cách phá vỡ các kỷ lục phòng vé và thách thức những khuôn mẫu trong ngành, bộ phim mở ra cánh cửa cho các nữ đạo diễn khác và mở đường cho một tương lai toàn diện và đa dạng hơn trong lĩnh vực làm phim.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
phim

Jean-Luc Godard: Người cách mạng của nền điện ảnh hiện đại

by Jasmine
written by Jasmine

Jean-Luc Godard: Nhà cách mạng của nền điện ảnh hiện đại

Tuổi thơ và những ảnh hưởng

Jean-Luc Godard, sinh năm 1930 tại Paris, là một nhà làm phim có tầm nhìn xa trông rộng, người đã đóng một vai trò quan trọng trong phong trào Làn sóng mới của Pháp. Niềm đam mê điện ảnh của ông nhen nhóm khi còn học tại Đại học Sorbonne, nơi ông đắm chìm trong các câu lạc bộ điện ảnh.

Làn sóng mới của Pháp

Làn sóng mới của Pháp, do Godard và những người cùng thời dẫn đầu, đã cách mạng hóa nền làm phim. Họ từ chối các kỹ thuật truyền thống, thay vào đó là tính tự phát, máy quay cầm tay và kỹ thuật cắt nhảy. Bộ phim đột phá của Godard “Đến hơi thở cuối cùng” (1960) minh họa rõ ràng cho cách tiếp cận này, quyến rũ khán giả bằng phong cách phi truyền thống và việc khám phá chủ đề nổi loạn của tuổi trẻ.

Chính trị xã hội chủ nghĩa và phim thử nghiệm

Tác phẩm của Godard chịu ảnh hưởng sâu sắc từ lập trường chính trị xã hội chủ nghĩa của ông. Những bộ phim như “Một người phụ nữ là một người phụ nữ” và “Cuối tuần” đã đề cập đến các vấn đề xã hội và chính trị, thách thức hiện trạng. Những bộ phim thử nghiệm của ông đã đẩy lùi ranh giới của điện ảnh, làm mờ ranh giới giữa thực tế và hư cấu.

Tranh cãi và di sản

Những bộ phim của Godard thường gây ra tranh cãi. Những lời chỉ trích công khai của ông về Hollywood, cáo buộc bài Do Thái và tính cách lập dị của ông đã khiến một số khán giả xa lánh. Tuy nhiên, tác phẩm của ông vẫn có sức ảnh hưởng lớn, truyền cảm hứng cho nhiều thế hệ nhà làm phim sau này.

Ảnh hưởng đến lý thuyết và phê bình điện ảnh

Những bộ phim của Godard đã thách thức lý thuyết và phê bình điện ảnh truyền thống. Ông đặt câu hỏi về bản chất của quyền tác giả, vai trò của khán giả và mối quan hệ giữa điện ảnh và thực tế. Tác phẩm của ông đã kích thích tư duy phản biện và thúc đẩy việc đánh giá lại điện ảnh như một hình thức nghệ thuật.

Hợp tác và nguồn cảm hứng

Godard đã hợp tác với nhiều diễn viên, biên kịch và đạo diễn, trong đó có François Truffaut, Jean-Paul Belmondo và Anna Karina. Những bộ phim của ông chịu ảnh hưởng của các bộ phim ca nhạc Hollywood, văn học và triết học.

Sự nghiệp sau này và sự công nhận

Mặc dù thành công về mặt thương mại đã giảm sút, Godard vẫn tiếp tục làm phim cho đến những năm cuối đời. Ông đã thử nghiệm các công nghệ mới như video kỹ thuật số và vẫn luôn là một người thích gây hấn. Năm 2010, ông đã nhận được Giải Oscar danh dự cho những đóng góp trọn đời, một minh chứng cho ảnh hưởng lâu dài của ông.

Tầm nhìn của Godard

Godard tin vào sức mạnh biến đổi của điện ảnh. Ông muốn phá vỡ các quy tắc và định nghĩa lại những gì có thể xuất hiện trên màn ảnh. Những bộ phim của ông đã thách thức các tập tục, khám phá các vấn đề xã hội và mở rộng ranh giới của biểu đạt nghệ thuật.

Di sản lâu dài

Di sản của Jean-Luc Godard vẫn sống mãi qua những bộ phim đột phá của ông, những bộ phim tiếp tục truyền cảm hứng và khơi gợi cho khán giả. Ảnh hưởng của ông đối với nền điện ảnh hiện đại là không thể phủ nhận, để lại một dấu ấn không thể phai mờ trong cả hình thức nghệ thuật này và diễn ngôn phê bình về nó.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
phim

Dorothy Arzner: Nữ đạo diễn tiên phong bị lãng quên của Hollywood

by Kim
written by Kim

Dorothy Arzner: Nữ đạo diễn tiên phong bị lãng quên của Hollywood

Sự nghiệp ban đầu và quá trình chuyển đổi sang làm đạo diễn

Dorothy Arzner, một nữ đạo diễn tiên phong, đã xuất hiện ở thời kỳ hoàng kim của Hollywood. Bắt đầu sự nghiệp với tư cách là một người đánh máy tốc ký, bà nhanh chóng thăng tiến và trở thành một biên tập viên phim. Năm 1927, bà đã có màn ra mắt với tư cách đạo diễn trong bộ phim “Thời trang phụ nữ”, thể hiện tài năng của mình trong việc điều hướng sự chuyển đổi của ngành công nghiệp điện ảnh từ phim câm sang phim có tiếng nói.

Hợp tác với các biểu tượng của Hollywood

Sự nghiệp của Arzner lên như diều gặp gió khi bà đạo diễn những bộ phim nổi tiếng có sự tham gia của các biểu tượng Hollywood như Katharine Hepburn, Joan Crawford và Lucille Ball. Được biết đến với phong cách đặc biệt, bà thường mặc quần và có phong thái tomboy, điều này đã làm dấy lên những đồn đoán về mối quan hệ của bà với các ngôi sao nữ.

Những thách thức và thành công trong một ngành công nghiệp do nam giới thống trị

Là một phụ nữ trong một lĩnh vực do nam giới thống trị, Arzner đã phải đối mặt với những thách thức và kỳ vọng của xã hội. Tuy nhiên, bà đã bất chấp các quy ước, công khai sống với người bạn đời là phụ nữ, Marion Morgan, trong phần lớn cuộc đời. Bất chấp sự giám sát, bà vẫn tập trung vào sự nghiệp của mình và trở thành một trong những nữ đạo diễn sung sức nhất trong lịch sử Hollywood.

Những đổi mới kỹ thuật và micrô cần cẩu

Những đóng góp của Arzner không chỉ dừng lại ở việc đạo diễn. Trên trường quay của bộ phim “Bữa tiệc hoang dã”, bà đã khéo léo gắn một chiếc micrô vào một chiếc cần câu để cải thiện chất lượng âm thanh cho ngôi sao phim câm Clara Bow. Sự đổi mới này, về sau được gọi là micrô cần cẩu, đã làm thay đổi cách thu âm trong các bộ phim.

Cuộc sống cá nhân và di sản

Cuộc sống cá nhân của Arzner vẫn còn là một bí ẩn, nhưng tầm ảnh hưởng của bà đối với Hollywood là không thể phủ nhận. Bà đã thách thức các chuẩn mực, thể hiện tài năng và sự quyết tâm của những người phụ nữ trong ngành công nghiệp điện ảnh. Ngày nay, các tác phẩm của bà vẫn tiếp tục truyền cảm hứng cho các nhà làm phim và khán giả.

Khám phá lại một di sản đã mất

Mặc dù đạt được những thành tựu mang tính đột phá, nhưng di sản của Arzner phần lớn đã bị lãng quên. Tuy nhiên, những học bổng và sáng kiến gần đây đã đưa tác phẩm của bà trở lại với ánh đèn sân khấu. Các học giả như Judith Mayne đã nhấn mạnh đến góc nhìn độc đáo và những đóng góp của Arzner cho nền điện ảnh.

Những câu chuyện chưa kể về những người phụ nữ trong ngành công nghiệp điện ảnh

Câu chuyện của Arzner như một lời nhắc nhở về những câu chuyện chưa được kể về những người phụ nữ đã định hình nên ngành công nghiệp điện ảnh. Tinh thần tiên phong và khả năng phục hồi của bà đã mở đường cho các thế hệ nữ đạo diễn tương lai phá vỡ rào cản và để lại dấu ấn của mình trong thế giới điện ảnh.

Từ khóa dài

  • Nữ đạo diễn phim bị lãng quên: Dorothy Arzner
  • Những đóng góp của Dorothy Arzner cho Hollywood
  • Dorothy Arzner và sự chuyển đổi từ phim câm sang phim có tiếng nói
  • Tác phẩm của Dorothy Arzner với những ngôi sao nổi tiếng
  • Những thách thức của Dorothy Arzner với tư cách là một người phụ nữ ở Hollywood
  • Di sản của Dorothy Arzner với tư cách là một đạo diễn phim
  • Ảnh hưởng của các nữ đạo diễn đến Hollywood
  • Sự trao quyền của phụ nữ Dorothy Arzner và Hollywood
  • Những người tiên phong trong làm phim: khám phá lại Dorothy Arzner
  • Những câu chuyện chưa kể về Dorothy Arzner và những người phụ nữ đã tạo nên lịch sử điện ảnh
0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
phim

Sự tiến hóa của những bộ phim về bóng bầu dục: Câu chuyện về bóng bầu dục Mỹ trên màn ảnh

by Kim
written by Kim

Sự tiến hóa của những bộ phim về bóng bầu dục

Những năm đầu: Hài kịch câm và hài kịch đại học

Trong những ngày đầu của nền điện ảnh, bóng bầu dục thường được khắc họa như một chủ đề của những bộ phim hài câm. Những bộ phim như “The Freshman” của Harold Lloyd và “Brown of Harvard” của MGM đã mô tả bóng bầu dục đại học như một thế giới của những kẻ yếu thế gan dạ, những nữ sinh quyến rũ và những cuộc cạnh tranh cường điệu. “Horsefeathers” của anh em nhà Marx đã châm biếm thể loại phim này, chế giễu những chiếc áo khoác lông chồn, những chiếc xe Model T và cách tấn công phức tạp đặc trưng cho bóng bầu dục đại học trong trí tưởng tượng của công chúng.

Sự trỗi dậy của các bản tin thời sự và sự kiện

Khi các công ty tin tức như Fox Movietone và Pathé bắt đầu đưa tin về các trận đấu bóng bầu dục lớn, một bức tranh chân thực hơn về môn thể thao này đã xuất hiện. Các máy quay đặt trên cao trên khán đài đã ghi lại được những pha hành động rộng khắp của sân bóng, mang đến cho khán giả góc nhìn toàn cảnh từ trên cao về các pha bóng diễn ra bên dưới. Những bản tin thời sự và sự kiện này đã đóng một vai trò quan trọng trong việc định hình nhận thức của công chúng về bóng bầu dục như một cảnh tượng ly kỳ và sôi động.

Ảnh hưởng của truyền hình

Sự ra đời của truyền hình đã cách mạng hóa hơn nữa cách bóng bầu dục được mô tả trên màn ảnh. Các đạo diễn thể thao như Sandy Grossman của CBS nhận ra rằng các trận đấu bóng bầu dục có thể được chuyển thành những câu chuyện hấp dẫn với phần mở đầu, giữa và kết thúc rõ ràng. Khả năng cô lập từng cầu thủ trong một pha bóng, sử dụng chuyển động chậm để làm nổi bật những khoảnh khắc then chốt và chèn các đồ họa và cuộc phỏng vấn ngoài sân cỏ cho phép các đạo diễn xây dựng cốt truyện hấp dẫn và phát triển tính cách của các cầu thủ.

Sự chuyển dịch sang thể loại phim tiểu sử và ẩn dụ

Khi bóng bầu dục trở nên phổ biến vào những năm 1950 và 1960, Hollywood bắt đầu sản xuất những bộ phim tiểu sử sử dụng môn thể thao này như một phép ẩn dụ cho các chủ đề rộng lớn hơn. Những bộ phim như “Knute Rockne All American” đã khắc họa bóng bầu dục như một thế giới thu nhỏ của các giá trị Mỹ, nhấn mạnh tầm quan trọng của lòng kiên trì, tinh thần đồng đội và lòng yêu nước. Những bộ phim tiểu sử này thường đóng vai trò như chất kích thích tinh thần trong thời kỳ khủng hoảng quốc gia.

Sự xuất hiện của những bộ phim chân thực hơn và phức tạp hơn về mặt tâm lý

Vào những năm 1950 và sau đó, các bộ phim về bóng bầu dục bắt đầu có cách tiếp cận sắc thái và chân thực hơn đối với môn thể thao này. Những bộ phim như “Paper Lion”, “Brian’s Song” và “North Dallas Forty” đã khám phá những thách thức và sự phức tạp mà các cầu thủ phải đối mặt cả trên sân cỏ lẫn ngoài đời. Mặc dù những bộ phim này vẫn thường lãng mạn hóa bóng bầu dục, nhưng chúng cũng làm sáng tỏ những tổn thương về thể chất và tinh thần mà nó có thể gây ra.

Xu hướng phim dựa trên câu chuyện có thật gần đây

Trong những năm gần đây, đã có sự chuyển dịch sang các bộ phim về bóng bầu dục dựa trên những câu chuyện có thật. Những bộ phim như “Friday Night Lights”, “Remember the Titans”, “Invincible” và “Gridiron Gang” đã chiếm được cảm tình của khán giả với những câu chuyện đầy cảm hứng về việc vượt qua nghịch cảnh và đạt được thành công. Những bộ phim này thường đi sâu vào bối cảnh xã hội và văn hóa xung quanh bóng bầu dục, khám phá các chủ đề về chủng tộc, giai cấp và cộng đồng.

Tác động của phim tài liệu

Phim tài liệu cũng đóng một vai trò quan trọng trong việc định hình nhận thức của chúng ta về bóng bầu dục. Những bộ phim như “Undefeated” và “Black Sunday” đã cung cấp những góc nhìn riêng tư và gợi nhiều suy nghĩ về môn thể thao này, xem xét tác động của nó đối với các cá nhân và cộng đồng. Những bộ phim tài liệu này đã thách thức các câu chuyện truyền thống và tạo ra những cuộc trò chuyện quan trọng về sự phức tạp của văn hóa bóng bầu dục.

Kết luận

Trong suốt quá trình phát triển của điện ảnh, cách thể hiện bóng bầu dục trên màn ảnh đã phản ánh những thay đổi trong thái độ của xã hội và văn hóa đối với môn thể thao này. Từ những bộ phim hài câm đến phim tiểu sử và phim dựa trên câu chuyện có thật, những bộ phim về bóng bầu dục đã nắm bắt được sự phấn khích, kịch tính và sức mạnh biến đổi của sân bóng. Khi môn thể thao này tiếp tục phát triển, cách các nhà làm phim diễn giải và trình bày nó cho khán giả cũng sẽ thay đổi.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
phim

Lịch sử miền Tây nước Mỹ trên phim: Từ cội nguồn đến những thước phim bị lãng quên

by Kim
written by Kim

Lịch sử miền Tây trên phim

Nguồn gốc của phim Viễn Tây

Sức hấp dẫn của miền Tây nước Mỹ đã thu hút khán giả trong nhiều thế kỷ. Ngay từ những ngày đầu của điện ảnh, các nhà làm phim đã hướng đến những vùng đất rộng lớn và lịch sử phong phú của biên giới để kể những câu chuyện khám phá các giá trị cốt lõi và sự phức tạp của trải nghiệm nước Mỹ.

Nguồn gốc của phim Viễn Tây có thể bắt nguồn từ thế kỷ 17, khi những người thực dân châu Âu lần đầu tiên đặt chân đến vùng đất hoang dã của Tân Thế giới. Biên giới vừa là nơi nguy hiểm vừa là vùng đất của những cơ hội, một vùng đất nơi người ta có thể thoát khỏi quá khứ và xây dựng một bản sắc mới.

Vào thế kỷ 19, những tác giả như James Fenimore Cooper và các họa sĩ của Trường phái Sông Hudson đã lãng mạn hóa miền Tây như một nơi phiêu lưu và anh hùng. Tầm nhìn lý tưởng này ảnh hưởng rất lớn đến sự phát triển của phim Viễn Tây, thường khắc họa các chàng cao bồi là những cá nhân thô kệch đấu tranh chống lại các thế lực của tự nhiên và các bộ lạc da đỏ thù địch.

Thời kỳ hoàng kim của phim Viễn Tây

Đầu thế kỷ 20 đánh dấu thời kỳ hoàng kim của phim Viễn Tây. Bộ phim “The Great Train Robbery” của Edison Studio năm 1903 được coi là phim Viễn Tây đầu tiên và đã tạo nên khuôn mẫu cho vô số bộ phim sau này.

Các hãng phim Hollywood nhanh chóng nhận ra tiềm năng thương mại của phim Viễn Tây, và chẳng mấy chốc, mọi hãng phim lớn đều sản xuất những bộ phim như vậy. Những đạo diễn như John Ford, Victor Fleming và William Wyler đã tạo dựng được tên tuổi của mình trong thể loại này, và các ngôi sao như Tom Mix và Mabel Normand trở thành những cái tên quen thuộc.

Phim Viễn Tây trở nên rất phổ biến vì chúng khai thác các chủ đề cơ bản về bản sắc nước Mỹ: cuộc tìm kiếm tự do, cuộc đấu tranh chống nghịch cảnh và tầm quan trọng của cộng đồng. Chúng cũng cung cấp một sự trốn thoát đầy hoài niệm khỏi thế giới ngày càng phức tạp và đô thị hóa của đầu thế kỷ 20.

Những bộ phim bị lãng quên của miền Tây

Trong khi những bộ phim Viễn Tây kinh điển như “Stagecoach” và “The Searchers” vẫn được ca ngợi rộng rãi, thì nhiều bộ phim ít được biết đến hơn từ thời đại đó lại cung cấp một cái nhìn hấp dẫn về sự đa dạng và phức tạp của thể loại này.

Treasures 5: The West 1898-1938, một bộ DVD mới từ National Film Preservation Foundation, giới thiệu một bộ sưu tập những bộ phim bị lãng quên này. Bộ sưu tập bao gồm các phim tin tức, phim truyện, phim du ký và phim tài liệu cung cấp một góc nhìn độc đáo về cuộc sống miền Tây.

Một bộ phim đặc biệt hấp dẫn trong bộ sưu tập là “The Better Man” (1914), khám phá mối quan hệ phức tạp giữa một tên trộm ngựa người Mỹ gốc Mexico và một người cha và người chồng người Anh gốc gác. Bộ phim mới đây đã được phục hồi từ Kho lưu trữ phim New Zealand và công chiếu tại Liên hoan phim câm San Francisco và nhận được nhiều lời khen ngợi.

Một tầm nhìn khác về miền Tây

Những bộ phim trong Treasures 5: The West 1898-1938 đưa ra một tầm nhìn khác về miền Tây so với tầm nhìn được tìm thấy trong những bộ phim Viễn Tây kinh điển của những năm 1950. Annette Melville, giám đốc của NFPF, lưu ý rằng miền Tây được miêu tả trong những bộ phim này “giống như một nồi nấu chảy hơn và có nhiều sự đa dạng hơn”.

Những bộ phim trong bộ sưu tập cho thấy miền Tây là nơi giao thoa của các nền văn hóa và quan điểm khác nhau. Chúng khám phá vai trò của người Mỹ bản địa, những người nhập cư châu Á và phụ nữ trong việc định hình biên giới.

Miền Tây như một bối cảnh

Ngoài việc khám phá lịch sử xã hội và văn hóa của miền Tây, những bộ phim trong Treasures 5: The West 1898-1938 còn sử dụng miền Tây như một bối cảnh để khám phá các chủ đề rộng hơn của xã hội Mỹ.

Ví dụ, bộ phim “Sunshine Gatherers” (1916) sử dụng câu chuyện về ngành công nghiệp đóng hộp trái cây để khám phá mối quan hệ giữa thiên nhiên, công nghiệp và giấc mơ Mỹ. Logo Del Monte tinh tế trong phim đóng vai trò như một lời nhắc nhở về các thế lực thương mại đã định hình sự phát triển của miền Tây.

Kết luận

Treasures 5: The West 1898-1938 là một bộ sưu tập phim giá trị cung cấp một góc nhìn độc đáo và sắc thái về lịch sử miền Tây nước Mỹ. Những bộ phim trong bộ sưu tập cung cấp những hiểu biết sâu sắc về các lực lượng văn hóa, xã hội và kinh tế đã định hình biên giới và thách thức những khuôn mẫu truyền thống của phim Viễn Tây.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Newer Posts
Older Posts