Home Konst målning
Category:

målning

målning

Har en förlorad landskapsmålning av Van Gogh återfunnits?

by Jasmine
written by Jasmine

Vincent van Gogh: Har en förlorad landskapsmålning återfunnits?

Kontroversen kring äktheten

I årtionden har konsthistoriker debatterat äktheten hos många målningar som tillskrivs Vincent van Gogh. I slutet av 1990-talet och början av 2000-talet intensifierades tvivlen, med vissa experter som antydde att upp till 45 van Gogh-verk i stora museer kunde vara förfalskningar. De senaste framstegen inom autentiseringstekniker har dock lett till ett skifte i denna trend.

Högteknologiska autentiseringsverktyg

Högteknologiska verktyg, såsom teknisk analys och pigmentidentifiering, har gjort det möjligt för forskare att omvärdera tidigare ifrågasatta verk. Som ett resultat har flera målningar som en gång avfärdats som förfalskningar autentiserats, inklusive ”Solnedgång vid Montmajour” och ”Vas med vallmo”.

Ett återuppdykt landskap

I en ny utveckling har en kontroversiell konstsamlare vid namn Stuart Pivar presenterat en landskapsmålning som han tror kan vara ett förlorat verk av Vincent van Gogh. Målningen avbildar vetefält i Auvers, Frankrike, där konstnären tillbringade sina sista månader.

Pivars kontroversiella förflutna

Pivar är en polariserande figur i konstvärlden, känd för sin rättstvistsnatur och koppling till den dömda sexualförbrytaren Jeffrey Epstein. Trots detta insisterar han på att han förvärvade målningen på lagligt sätt på en auktion utanför Paris.

Målningens egenskaper

Michael Mezzatesta, hedersdirektör för Duke University Museum of Art, har undersökt målningen och noterat dess orörda skick och överensstämmelse med Van Goghs sena karriärtekniker. Dukmålningen är i grov säckväv och signaturen ”Vincent” finns på baksidan, tillsammans med vad som verkar vara datum ”1890” i flyktigt valnötsbrunt bläck.

Van Gogh-museets inblandning

Pivar har kontaktat Van Gogh-museet i Amsterdam för autentisering. Trots att museet är stängt på grund av pandemin har man gjort ett undantag för Pivars begäran. Om den autentiseras skulle målningen vara den största i Van Goghs oeuvre och den enda som målats på en fyrkantig duk.

Proveniensens betydelse

Målningens etikett anger att den tidigare ägdes av Jonas Netter, en framstående samlare som marknadsförde Amedeo Modigliani och andra konstnärer från Montparnasse. Målningens exakta proveniens är dock fortfarande höljd i dunkel, då Pivar lovade anonymitet till dem som ursprungligen ägde den.

Den pågående debatten

Autentiseringen av målningen är långt ifrån säker. Van Gogh-museet tar emot många autentiseringsförfrågningar årligen, och endast en liten andel förtjänar ytterligare studier. Huruvida ”Auvers, 1890” kommer att bli en av de få lyckliga återstår att se.

Betydelsen av upptäckten

Om den autentiseras skulle upptäckten av denna förlorade landskapsmålning vara en stor händelse i konstvärlden. Det skulle utöka Van Goghs kända verk och kasta nytt ljus över hans sista månader. Kontroversen kring Pivars inblandning och målningens omtvistade ursprung kommer dock sannolikt att fortsätta att driva debatten under många år framöver.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
målning

Vantablack: Det svartaste pigmentet och kontroversen kring det

by Kim
written by Kim

Vantablack: Det svartaste svarta pigmentet och kontroversen kring dess exklusiva användning

Vad är Vantablack?

Vantablack är det svartaste svarta pigmentet som någonsin skapats. Det absorberar 99,96 % av allt ljus, vilket får det att se nästan tvådimensionellt ut. Vantablack tillverkas genom att odla kolnanorör, som är tiotusen gånger tunnare än ett människohår.

Militära tillämpningar

Vantablack utvecklades ursprungligen av Surrey NanoSystems för militära tillämpningar, såsom stealth-flygplan och satelliter. Dess förmåga att absorbera ljus gör det idealiskt för kamouflage och att minska radarsikten.

Konstnärlig potential

Trots sitt militära ursprung har vantablack också fångat konstnärers uppmärksamhet. Dess unika egenskaper erbjuder spännande möjligheter att skapa optiska illusioner och utforska gränserna för konst.

Anish Kapoors exklusiva rättigheter

2014 förvärvade konstnären Anish Kapoor de exklusiva rättigheterna att använda vantablack i konst. Detta beslut väckte upprördhet bland många konstnärer, som hävdade att det var orättvist att monopolisera ett så banbrytande material.

Historiska prejudikat

Kapoors exklusiva rättigheter till vantablack är inte utan historiskt prejudikat. Genom historien har konstnärer kämpat om rättigheterna att använda vissa färger. Till exempel var lapis lazuli, ett levande blått pigment, högt skattat av europeiska konstnärer i århundraden.

Yves Kleins fall

Ett annat anmärkningsvärt exempel är Yves Klein, en fransk konstnär som patenterade en djupblå färg kallad ”International Klein Blue” 1960. Kleins exklusiva rättigheter till denna färg väckte kontroverser, men det bidrog också till att etablera hans konstnärliga arv.

Kontroversen

Kapoors exklusiva rättigheter till vantablack har väckt etiska och praktiska frågor. Vissa konstnärer hävdar att det är omoraliskt att begränsa tillgången till ett så unikt material. Andra hävdar att Kapoors monopol kväver kreativitet och innovation i konstvärlden.

Surrey NanoSystems roll

Surrey NanoSystems, företaget som utvecklade vantablack, har avböjt att kommentera Kapoors exklusiva rättigheter. Företaget har dock uppgett att de är fast beslutna att utforska potentialen hos vantablack i både militära och konstnärliga tillämpningar.

Vantablacks framtid

Kontroversen kring vantablack kommer sannolikt att fortsätta. Det återstår att se hur Kapoor kommer att använda sina exklusiva rättigheter och hur andra konstnärer kommer att reagera. En sak är dock klar: vantablack har potential att revolutionera både den militära och konstnärliga världen.

Ytterligare överväganden

  • Till skillnad från tidigare kontroversiella pigment uppfanns inte vantablack av Kapoor, och det har unika egenskaper som skiljer det från vanlig färg.
  • Den exklusiva användningen av vantablack har utlöst en debatt om balansen mellan konstnärlig frihet och immateriella rättigheter.
  • Kontroversen kring vantablack belyser det komplexa förhållandet mellan konst, vetenskap och handel.
0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
målning

Van Gogh Painting Gets a New Name: Eagle-Eyed Chef Identifies Misidentified Garlic

by Jasmine
written by Jasmine

Van Gogh-målning får nytt namn tack vare en örnögd kock

Felidentifierad vitlök identifieras

När Ernst de Witte, kock och bildkonstnär, besökte Van Gogh-museet i Amsterdam noterade han något som inte stämde i målningen ”Röda och gula lökar”. Hans kulinariska expertis sa honom att de avbildade lökväxterna inte var lök, utan vitlök.

Övertygad om sin identifiering kontaktade de Witte museet, som tog hans observation på allvar. Tillsammans med sin fru förberedde han en presentation och en video som jämförde van Goghs avbildningar av lök och vitlök i olika verk. Med hjälp av sina konstnärliga färdigheter skapade han även en överlagd teckning för att visa hur van Gogh hade målat den misstänkta vitlöken i ”Röda och gula lökar”.

Bekräftelse från museets forskning

Museets forskningsteam, assisterade av en biolog, drog slutsatsen att de Witte hade rätt. Målningens ingredienser hade varit felaktigt identifierade sedan dess offentliga debut 1928. Denna upptäckt bekräftade de Wittes unika perspektiv som kock och målare, vilket gjorde det möjligt för honom att identifiera nyanser som andra kan ha missat.

Titelbyte och firande

I november bytte museet officiellt namn på målningen till ”Röda och gula lökar och vitlök”. För att fira sin upptäckt skapade de Witte en rätt inspirerad av målningen, med pocherade röda och gula lökar, rökt vitlökscreme och en vinägrett smaksatt med citronmeliss, dragon och absint.

Påverkan på uppskattningen av målningen

Vinägretten i de Wittes rätt reagerar med komponenterna i röda och gula lökar, vilket får färgerna att blekna, vilket speglar beteendet hos pigmenten i van Goghs målningar. Detta kulinariska experiment lägger till en ny nivå av uppskattning för van Goghs verk, som visar effekten av hans användning av färg och pigmentens förgänglighet.

Liknande fall av titeländringar

”Röda och gula lökar och vitlök” är inte den första målningen som får en titeländring för att bättre återspegla dess innehåll. Nyligen byttes titeln på Edgar Degas ”Ryska dansare” till ”Ukrainska dansare” efter granskning av motivets blågula band, som representerar det ukrainska kulturarvet.

Van Gogh-museet övervakar ständigt sina målningar, och titeländringar har skett tidigare när avbildade motiv avvek från ursprungliga antaganden.

Kockens unika perspektiv

De Wittes kulinariska expertis och konstnärliga bakgrund gjorde det möjligt för honom att identifiera den felaktigt identifierade vitlöken i van Goghs målning. Denna upptäckt lyfter fram värdet av tvärvetenskapliga perspektiv i uppskattning och tolkning av konst.

Inspiration till kulinarisk skapelse

Den felaktigt identifierade vitlöken i ”Röda och gula lökar och vitlök” inspirerade de Witte att skapa en rätt som fångar målningens essens. Hans kulinariska skapelse hyllar inte bara van Gogh utan erbjuder också en unik gastronomisk upplevelse som återspeglar samspelet mellan färg och förgänglighet i konstnärens verk.

Pågående övervakning och titeländringar

Museer, som Van Gogh-museet, övervakar ständigt sina samlingar för att säkerställa noggrannhet i titlar och beskrivningar. Titeländringar kan ske när forskning eller nya upptäckter avslöjar tidigare okända detaljer om en målningens motiv. Dessa förändringar bidrar till att förbättra allmänhetens förståelse och uppskattning av konst.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
målning

Miniatyrmåleriets pånyttfödelse: Shahzia Sikander och hennes neominiatyrer

by Zuzana
written by Zuzana

Miniatyrmåleriets pånyttfödelse

Miniatyrmålning: En historisk översikt

I hjärtat av Sydasien blomstrade miniatyrmåleriet som en hyllad konstform under 1400- och 1500-talen. Skickliga hantverkare skapade noggrant episka scener på dukar så små som spelkort, och använde sig av penslar gjorda av ett enda ekorrhår. Men i slutet av 1980-talet hade denna en gång så älskade tradition fallit i vanrykte, besudlad av en kolonialperiod som såg dess mästerverk spridas och säljas i väst.

Shahzia Sikanders neominiatyrer

In trädde Shahzia Sikander, en visionär konstnär från Pakistan. Sikander drogs till den bleknande konstformen och ville förstå dess stigma och återuppliva dess potential. Hon fördjupade sig i de traditionella teknikerna och ägnade två år åt att finslipa sina färdigheter. Med ett nytt perspektiv började hon skapa ”neominiatyrer” som utforskade samtida teman som kön och kolonialismens arv.

Ett samtida idiom

Sikanders neominiatyrer utmanade miniatyrmåleriets konventioner. Hon införde djärva penseldrag, levande färger och okonventionella kompositioner. Hennes verk överskred genrens historiska gränser och förde in den i ett samtida idiom. Sikanders mål var att göra miniatyrmåleriet relevant för en modern publik.

Rehabiliteringen av miniatyrmåleri

Allteftersom Sikanders verk fick internationellt erkännande på 1990- och början av 2000-talet väcktes ett förnyat intresse för miniatyrmåleri. Konstnärer runt om i världen inspirerades av hennes innovativa tillvägagångssätt, och genren började uppleva en renässans. Miniatyrmåleriet hade förvisats till kitschens sfär, men Sikanders neominiatyrer andades nytt liv i det och bevisade dess bestående kraft.

Utforskande av moderna teman

Sikanders neominiatyrer är inte bara imitationer av traditionellt miniatyrmåleri. De tar upp angelägna frågor i vår tid, särskilt sådana som rör kön och koloniala historier. Genom sin konst granskar hon maktförhållandena i samhället och kolonialismens bestående effekter. Genom att ställa traditionella bilder bredvid samtida berättelser uppmanar Sikander betraktaren att reflektera över den mänskliga upplevelsens komplexitet.

Arvet efter Sikanders neominiatyrer

Shahzia Sikanders neominiatyrer har haft en djupgående inverkan på konstvärlden. De har inte bara återupplivat miniatyrmålerikonsten utan har också vidgat dess gränser och visat på dess relevans och mångsidighet. Sikanders verk har inspirerat en ny generation konstnärer att utforska möjligheterna med denna urgamla konstform.

Idag erkänns miniatyrmåleri återigen som en levande och dynamisk genre. Den har hittat sin plats i samtida konstutställningar och samlingar, och visar det bestående tilltalet hos traditionella tekniker kombinerat med innovativa tolkningar. Shahzia Sikanders neominiatyrer står som ett bevis på konstens förvandlande kraft och påminner oss om att även de mest etablerade traditionerna kan uppfinnas och föreställas på nytt.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
målning

Skär i färg som ett proffs: Steg-för-steg-guide

by Kim
written by Kim

Att skära i färg som ett proffs: En steg-för-steg-guide

Att skära i färg är en teknik som gör att du kan måla utan att använda målartejp. Det är ett bra sätt att spara tid och ansträngning, och det kan ge dig en mer professionell finish.

Innan du börjar

För att komma igång behöver du några grundläggande förnödenheter:

  • En 2-tums sashborste av hög kvalitet
  • En skärhink (en målarhink utan inre kant)
  • Färg
  • En ren vit trasa

Steg-för-steg-instruktioner

1. Fyll hinken med färg

Fyll en skärhink med högst cirka 1/2 tum färg. För mycket färg i hinken gör det svårare att undvika att överbelasta borsten. Håll sidorna på hinken fria för att torka av överflödig färg.

2. Ladda borsten med färg

Doppa spetsen av borsten i färgen. Dra borsten mot hinkens inre kant för att ta bort överflödig färg. Borsten ska vara relativt torr eftersom du bara kommer att måla små områden åt gången.

3. Applicera färg på linjen

Greppa borsten löst nära borsten som du skulle greppa en penna. Placera borsten på ytan och bilda en kilform med borsten. Använd kilens spetsiga ände för att starta färglinjen. Dra borsten längs linjen du vill måla. När du börjar flytta borsten, låt borsten pressas in i en fläktform. De yttersta borsten ritar linjen, inte hela borstytan.

Tips: Rita platta halvmåneformer med färgen. Dessa halvmånar börjar något från linjen, rör sig över och följer med linjen i några centimeter och dras sedan bort. Skapa en lång rak linje genom att applicera flera platta halvmånar i rad.

4. Bredda färglinjen

Om du ska måla väggytan med en roller, bredda färglinjen för att ge en säkerhetsmarginal vid rullning. Efter att ha målat en fin kant upp till linjen, följ upp genom att bredda linjen till 2 tum eller mer.

5. Rengör misstag

Använd en ren, vit trasa som är lätt fuktad med vatten för att torka bort färg som hamnar på oavsedda ytor eller för att rengöra en stökig linje.

Tips för att skära i färg

  • Börja med en ny pensel, särskilt om det här är första gången.
  • Håll borsten torr och undvik att överbelasta den med färg. Det är frestande att vilja ladda upp borsten; undvik den frestelsen.
  • Tryck inte för hårt, eftersom det bara kommer att göra att borsten sprids ut.
  • Håll borsten i rörelse i en stadig, men inte snabb takt.
  • När du blir mer erfaren, sikta på att producera färre och plattare halvmånar tills du kan rita en lång linje med en enda linjär penselrörelse.
  • Om du torkar av färgen så fort den appliceras kommer den att lossna utan problem. Att vänta bara några minuter kan göra det svårare att ta bort.
  • Ha alltid en fuktig trasa till hands så att du kan torka upp misstag så snabbt som möjligt.
  • För stora applikationer, använd en rak pensel istället för den vinklade sashborsten för att bredda linjen.

När ska man anlita ett proffs

Om du har försökt att skära i färg och fortfarande inte kan få det, oroa dig inte – ibland verkar inte ens den mest tålmodiga målaren kunna få till tekniken. Det kan vara dags att ringa in en professionell målare. Ojämna och guppiga ytor är särskilt svåra att skära i färg; även att tejpa ytan kan vara svårt. Det är en annan anledning till att du kanske vill att ett proffs gör jobbet.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
målning

Holländskt mästerverk upptäckt på australiensisk skola

by Kim
written by Kim

Holländskt mästerverk upptäckt på australiensisk skola

Bakgrund

En anmärkningsvärd upptäckt har gjorts på en australiensisk skola, där en holländsk målning från guldåldern värd miljontals dollar har varit gömd i över 150 år. Stillebensmålningen, som föreställer en halv uppäten paj och nötter, hittades bland en samling på 60 000 verk på Woodford Academy, en skola från 1800-talet som donerats till National Trust of Australia i New South Wales.

Upptäckten och tillskrivningen

Under rengöringsprocessen upptäckte restauratörer en liten signatur skuren i trä med en kniv, som tillskrev verket till den holländske målaren Gerrit Willemsz. Heda, som var verksam i Haarlem under 1600-talet. Målningen, med titeln ”Stilleben”, tros ha målats i samarbete med Hedas far, Willem Claesz. Heda, en framstående konstnär från den holländska guldåldern.

Expertis och symbolik

Experter menar att Heda bara var 17 år gammal när han fullbordade verket. Trots sin unga ålder är hans skicklighet att fånga de olika texturerna och detaljerna i målningens föremål anmärkningsvärd. Hedas stilleben är kända för sin symbolik, där den halväta tallriken representerar livets förgängliga natur.

Proveniens och mysterium

Målningens resa till Australien förblir ett mysterium. En hypotes är att den förvärvades av Alfred Fairfax, en medlem av en framstående australiensisk familj som köpte Woodford House på 1870-talet. En annan möjlighet är att den fördes till Australien på 1830-talet, då holländska målningar var på modet.

Restaurering och betydelse

Konservatorernas varsamma rengöring avslöjade inte bara en, utan två signaturer på målningen, vilket ytterligare bekräftade dess härkomst. Målningen var i dåligt skick, men efter rengöring och restaurering har den återfått sina livfulla färger och utsökta detaljer.

National Trusts roll

National Trust of Australia spelade en avgörande roll i upptäckten och bevarandet av målningen. Samlingen på Woodford Academy var ursprungligen i oordning, men National Trust sorterade och identifierade konstverken och insåg målningens potentiella betydelse.

Jämförelse med Johannes Vermeer

Upptäckten av Hedas mästerverk påminner om en liknande händelse 2019, då ett tyskt museum avslöjade en dold Cupido i en målning av Johannes Vermeer under restaureringen. Denna upptäckt understryker vikten av noggrann rengöring och undersökning för att avslöja historiska detaljer som gått förlorade i tiden.

Värde och betydelse

Australian Associated Press uppskattar att målningens nya tillskrivning kan höja dess värde till 5 miljoner dollar. Utöver dess monetära värde är målningen ett bevis på Gerrit Willemsz. Hedas enastående talang och den bestående fascinationen för holländsk guldålderskonst.

Arv

Upptäckten av detta dolda mästerverk har kastat nytt ljus över Gerrit Willemsz. Hedas verk och betydelsen av stillebenmåleri under den holländska guldåldern. Det fungerar också som en påminnelse om de skatter som kan döljas på oväntade platser och väntar på att upptäckas och uppskattas.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
målning

The Sistine Chapel: A Masterpiece Captured in Unprecedented Detail

by Jasmine
written by Jasmine

Sixtinska kapellet: Ett mästerverk fångat i oöverträffad detaljrikedom

En extravagant volym

Gör dig redo att häpnas av ”Sixtinska kapellet”, en hisnande bok i tre volymer som väcker Vatikanens berömda fresker till liv med enastående fotografier i naturlig storlek. Detta överdådiga mästerverk, ett samarbete mellan Callaway Arts and Entertainment, Vatikanmuseerna och Scripta Maneant, är ett bevis på konstens eviga kraft.

Precision och detaljrikedom

Bokens omsorgsfullt utformade bilder är de mest exakta återgivningarna av Michelangelos och andra renässansmästares verk som någonsin producerats. Med hjälp av den senaste bildbehandlingsprogramvaran har fotograferna sömlöst sammanfogat över 270 000 högupplösta bilder som tagits under 67 på varandra följande nätter när Sixtinska kapellet var stängt för besökare. Resultatet är en oöverträffad detaljrikedom, med målningar återgivna i skala 1:1 och med 99,4 procents färgnoggrannhet.

En aldrig tidigare skådad digitalisering

Skapandet av boken ”Sixtinska kapellet” var en fem år lång strävan som innebar en aldrig tidigare skådad digitaliseringsprocess. Efter att ha fått höra talas om ett banbrytande projekt som pågick i Vatikanen slog sig Callaway samman med Scripta Maneant för att säkra tryckrättigheterna för 600 engelskspråkiga exemplar.

Ett verk för världen

Även om bokens pris på 22 000 dollar kan verka avskräckande sträcker sig Callaways vision bortom privat ägande. Han har som mål att placera en betydande del av upplagan i museer, bibliotek, universitet och andra kulturinstitutioner, vilket säkerställer att framtida generationer kan förundras över detta extraordinära verk.

Ett bevarat arv

Boken ”Sixtinska kapellet” är inte bara en lyxartikel utan ett bevis på konstens eviga kraft. Den fångar essensen av en av mänsklighetens största konstnärliga bedrifter och bevarar den för världen att uppskatta och studera i generationer framöver.

Sixtinska kapellet på nära håll

För dem som inte har råd med det ursprungliga mästerverket finns det fortfarande sätt att uppleva skönheten i Sixtinska kapellet. Olika online-resurser och dokumentärer erbjuder virtuella turer och högupplösta bilder som ger en glimt av detta ikoniska rum.

Ytterligare insikter

  • Michelangelos fresker pryder Sixtinska kapellets 21 meter höga tak, vilket gör det svårt att uppskatta deras invecklade detaljer på avstånd.
  • De tre volymerna i boken ”Sixtinska kapellet” väger hela 11 kilo styck och mäter 61 x 43 centimeter.
  • Boken innehåller inte bara Michelangelos verk utan även fresker av Sandro Botticelli, Perugino och andra kända konstnärer.
  • Callaway planerade ursprungligen att uppdatera en liknande bok som publicerades 1991, men Vatikanens digitaliseringsprojekt ledde till ett mer ambitiöst företag.
  • Bokens publicering är en del av Callaways åtagande att göra konst tillgänglig för en bredare publik.
0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
målning

9af3c733e341e4fc0b02319985d24289

by Jasmine
written by Jasmine

Leonardo da Vincis kreativa kamp: Underteckningarna av ”Madonna i grottan”

Leonardos dolda skisser avslöjas

Under ytan av Leonardo da Vincis ikoniska mästerverk ”Madonna i grottan” döljer sig skisser som avslöjar konstnärens kreativa process. Avancerade avbildningstekniker, såsom infraröd teknologi, makro-röntgenfluorescens och hyperspektral avbildning, har avslöjat två underteckningar som ger insikter i Leonardos kompositoriska kamp.

Den första underteckningen

Den första underteckningen visar en betydligt annorlunda placering av figurerna. Jesusbarnet och ängeln är placerade mycket högre i ramen, där ängeln omfamnar Kristus i en ”tightare famn”. Denna komposition antyder att Leonardo ursprungligen föreställde sig en mer intim och dynamisk relation mellan de två figurerna.

Den andra underteckningen

Den andra underteckningen liknar den färdiga målningen mer, men det finns fortfarande några anmärkningsvärda skillnader. Kristi huvudposition har ändrats, och några lockar har klippts bort från ängelns hår. Dessa förändringar tyder på att Leonardo fortsatte att förfina och finslipa kompositionen när han arbetade med målningen.

Handavtryck och ledtrådar

Underteckningarna visar också handavtryck i grundfärgen som användes för att täcka träpanelen. Dessa handavtryck tillhör troligen en av Leonardos assistenter, vilket tyder på att han sökte hjälp med att förbereda duken.

Mysteriet med två versioner

Målningen i National Gallery är en av två versioner av ”Madonna i grottan” som skapades av Leonardo under mer än ett kvarts sekel. Den första versionen, som tros ha påbörjats 1483, hänger i Louvren i Paris. Forskare spekulerar i att den första versionen avvisades av uppdragsgivaren på grund av dess brist på traditionell ikonografi, vilket gjorde det svårt att identifiera figurerna.

Leonardo kan då ha sålt denna version till hertigen av Milano och skapat den andra målningen för att uppfylla sitt uppdrag. Den andra versionen, som nu finns i National Gallery, uppvisar ljusare färger, större figurer och tillägget av glorior och Johannes Döparens vassstav.

Leonardos mästerskap

Inledningsvis trodde man att den andra versionen till stor del var målad av Leonardos assistenter. Men efter en omfattande rengöring och restaurering 2010 drog konsthistoriker slutsatsen att den absoluta majoriteten av verket var målat av Leonardo själv. Denna upptäckt belyser Leonardos mästerskap och hans noggranna uppmärksamhet på detaljer.

Utforskning av Leonardos tekniker

Underteckningarna och skillnaderna mellan de två versionerna av ”Madonna i grottan” ger värdefulla insikter i Leonardos kreativa process. De avslöjar hans experimenterande med komposition, hans uppmärksamhet på detaljer och hans behärskning av ljus och skugga.

Leonardos arv

”Madonna i grottan” står som ett bevis på Leonardo da Vincis geni. Underteckningarna och de flera versionerna av målningen erbjuder en sällsynt inblick i sinnet hos en av de största konstnärerna genom tiderna. De påminner oss om de kreativa striderna, experimenterandet och uthålligheten som ligger bakom varje mästerverk.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail