Home Tags Posts tagged with "Istoria modei"
Tag:

Istoria modei

Modă

Evoluția rochiei negre: de la piesă vestimentară la simbol cultural

by Jasmine
written by Jasmine

Evoluția rochiei negre: simbol al modei și al schimbării sociale

Nașterea unei icoane

Cu aproape un secol în urmă, Coco Chanel a prezentat lumii rochia neagră (LBD), o piesă vestimentară care avea să devină un articol vestimentar esențial și durabil. Creația din 1926 a democratizat moda feminină, făcând-o accesibilă unui public mai larg. A fost un simbol al modernizării și al producției de masă a îmbrăcăminții, reflectând rolul în schimbare al femeilor în societate.

Dincolo de elementele de bază: versatilitatea LBD

Versatilitatea LBD i-a permis să transceandă timpul și tendințele. De la o simplă rochie până la o îndrăzneață declarație politică, a evoluat pentru a reflecta idealurile în schimbare ale frumuseții și ale imaginii corporale. Expoziția „Dincolo de rochia neagră” de la Muzeul Național al Scoției prezintă această evoluție prin 65 de ținute iconice.

Simbolism cultural și impact social

LBD a devenit mai mult decât o simplă piesă vestimentară; a evoluat într-un simbol cultural. Reprezintă atât „pietate, cât și perversiune, respect și rebeliune”, reflectând complexitatea experiențelor femeilor și schimbările sociale care le-au modelat.

Sustenabilitate și considerații etice

În ultimii ani, industria modei a fost criticată pentru impactul său asupra mediului. Expoziția „Dincolo de rochia neagră” abordează această problemă prezentând modele sustenabile și expunând munca designerilor care se angajează în practici etice.

Afrofuturism și rolul designerilor negri

Expoziția explorează, de asemenea, rolul culorii negre în crearea unei estetici afrofuturiste. Această secțiune evidențiază munca designerilor britanici negri și examinează modul în care au folosit negrul pentru a-și exprima moștenirea culturală și pentru a contesta normele societății.

LBD ca o oglindă a societății

Georgina Ripley, curatorul expoziției, consideră că LBD poate fi privită ca o oglindă a societății. Prin diversele sale iterații, a reflectat schimbările de atitudini sociale, schimbările economice și evoluția continuă a rolurilor și identităților femeilor.

Moștenirea durabilă a LBD

În ciuda naturii capricioase a lumii modei, LBD a atins un statut rar de a fi cu adevărat atemporală. Continuă să fie un element esențial al garderobei, trecând peste generații și rămânând relevantă într-un peisaj vestimentar în continuă schimbare.

Concluzie

Expoziția „Dincolo de rochia neagră” oferă o explorare cuprinzătoare a impactului cultural, a semnificației sociale și a moștenirii durabile a LBD. Prin colecția sa diversă de articole vestimentare și comentariile perspicace, expoziția invită vizitatorii să reflecteze asupra modurilor în care moda poate modela și reflecta schimbarea societății.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Modă

Influența Virginiei Woolf asupra modei: Revoluția vestimentară a grupului Bloomsbury

by Kim
written by Kim

Influența Virginiei Woolf asupra modei: Revoluția vestimentară a grupului Bloomsbury

Grupul Bloomsbury: Spargerea convențiilor modei

La începutul secolului al XX-lea, a apărut un grup de scriitori, artiști și filozofi britanici influenți, cunoscut sub numele de Grupul Bloomsbury, care a contestat normele societății și a îmbrățișat un stil de viață boem. Printre membrii săi s-au numărat Virginia Woolf, E.M. Forster, John Maynard Keynes și Lady Ottoline Morrell.

Una dintre caracteristicile definitorii ale grupului a fost respingerea standardelor vestimentare convenționale. Într-o scrisoare către T.S. Eliot, Virginia Woolf l-a instruit în mod celebru pe prietenul ei să „nu aducă haine” când îi vizitează cabana din East Sussex. Această directivă reflecta credința Grupului Bloomsbury în simplitate și disprețul lor față de constrângerile vestimentare ale societății din clasa mijlocie superioară.

Charleston: Un centru al stilului Bloomsbury

Grupul Bloomsbury se aduna adesea la Charleston, o fermă transformată în muzeu în Sussex, care a fost odată locuită de sora Virginiei Woolf, Vanessa Bell, și de pictorul Duncan Grant. Charleston a devenit un centru de creativitate și o vitrină pentru simțul vestimentar unic al grupului.

Membrii Grupului Bloomsbury se îmbrăcau într-un mod care sfida convențiile populare. Ei preferau haine largi, confortabile, care permiteau libertatea de mișcare și exprimare. Vanessa Bell și Duncan Grant au fost cunoscuți pentru ținutele lor izbitoare și neconvenționale, care adesea încorporau culori strălucitoare și modele îndrăznețe.

Viziunile complexe ale Virginiei Woolf asupra modei

În ciuda respingerii normelor modei sociale, opiniile Virginiei Woolf despre îmbrăcăminte erau complexe și adesea contradictorii. În ficțiunea ei, ea a îmbogățit îmbrăcămintea cu semnificații simbolice, explorând rolul acesteia în modelarea identității și statutului social. Cu toate acestea, în viața ei personală, ea s-a luptat cu anxietăți cu privire la garderoba ei și și-a criticat adesea propriile alegeri vestimentare.

Distrugerea garderobei Grupului Bloomsbury

Spre deosebire de predecesorii lor victorieni, Grupul Bloomsbury a avut puțină considerație pentru bunurile materiale, inclusiv îmbrăcămintea. Multe dintre articolele lor vestimentare au fost distruse în mod deliberat după moartea lor. Acest act de distrugere a reflectat respingerea lor a valorilor convenționale și credința lor în caracterul trecător al bunurilor materiale.

Influența durabilă a Grupului Bloomsbury

În ciuda disprețului lor față de modă, Grupul Bloomsbury a avut o influență de durată asupra stilului contemporan. Designerii de astăzi continuă să se inspire din sexualitatea lor eliberată, feminism, ciudățenie și pacifism. Kim Jones, directorul artistic al Fendi și Dior, a creat colecții inspirate direct de Virginia Woolf și Duncan Grant.

Semnificația îmbrăcăminții în Grupul Bloomsbury

Îmbrăcămintea a jucat un rol multifațetat în viața membrilor Grupului Bloomsbury. A fost un mijloc de a-și exprima individualitatea, de a contesta normele sociale și de a crea un sentiment de comunitate. Revoluția vestimentară a Grupului Bloomsbury a deschis calea pentru o abordare mai liberă și mai expresivă a modei în secolul al XX-lea și după.

Moștenire și impact

Moștenirea Grupului Bloomsbury se extinde cu mult dincolo de modă. Stilul lor de viață boem, angajamentul lor față de libertatea artistică și provocarea lor la adresa convențiilor societății continuă să inspire artiști, scriitori și gânditori până în ziua de azi. Expoziția „Bring No Clothes: Bloomsbury and Fashion” de la Charleston oferă o privire captivantă în lumea vestimentară a acestui grup extraordinar și impactul său de durată asupra culturii britanice.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Necategorizat

Moda unisex: O istorie a stilului care transcende granițele de gen

by Peter
written by Peter

Moda unisex: O istorie a stilului fluid

Ascensiunea unisexului

Înainte de anii 1960, termenul „unisex” era rar folosit. Însă, odată cu ascensiunea mișcării feministe și a revoluției sexuale, vestimentația a început să se elibereze de normele tradiționale de gen.

La mijlocul anilor 1960, termenul „unisex” a apărut pentru a descrie saloanele care ofereau tunsori similare atât bărbaților, cât și femeilor. Spre mijlocul anilor 1970, moda unisex devenise un fenomen răspândit, influențând totul, de la creșterea copiilor până la locul de muncă.

Moda ca un catalizator

Moda a jucat un rol-cheie în ascensiunea unisexului. În 1968, The New York Times a folosit pentru prima dată cuvântul „unisex” pentru a descrie pantofii masivi „Monster”. La scurt timp după, marile magazine și cataloagele au creat noi secțiuni pentru îmbrăcămintea „a lui și a ei”, prezentând cupluri în ținute asortate.

Unisexul ca o reflecție a schimbării sociale

Moda unisex nu a însemnat doar confuzia oamenilor. A servit ca simbol al diferitelor mișcări care au contestat rolurile tradiționale de gen.

În timpul „revoluției păunului” de la sfârșitul anilor 1960, bărbații au adoptat modele și culori extravagante în cămăși edwardiene și pantaloni strâmți. Designerul Rudi Gernreich a creat stiluri futuriste și androgino, inclusiv un costum de baie fără sutien pentru femei și „Sutiene fără sutien” fără sârmă sau căptușeală.

În anii 1970, îmbrăcămintea unisex a luat forma unor seturi de blugi cu petice asortate și „îmbrăcăminte de relaxare” din fleece pentru întreaga familie. Această tendință a reflectat popularitatea tot mai mare a creșterii copiilor fără gen, întrucât părinții au încercat să își crească copiii fără constrângerile stereotipurilor tradiționale de gen.

Moda unisex în secolul XXI

Moda unisex a scăzut la mijlocul și sfârșitul anilor 1970, deoarece oamenii căutau un stil mai conservator în timpul unei recesiuni economice. Cu toate acestea, au rămas anumite elemente unisex, cum ar fi pantalonii pentru femei.

În ultimii ani, moda unisex a cunoscut o renaștere, datorită în parte unor celebrități precum Jaden Smith, care a purtat rochii și fuste în mai multe ocazii. Această revenire reflectă provocările și controversele continue care înconjoară identitatea și expresia de gen.

Fluiditatea de gen și viitorul modei

Moda unisex continuă să evolueze, reflectând natura tot mai fluidă a genului. Îmbrăcămintea nu mai este doar o modalitate de a exprima genul, ci și de a comunica individualitatea, creativitatea și conștiința socială.

Cercetătoarea de modă Jo Paoletti susține că îmbrăcămintea rigidă de gen ne limitează capacitatea de a ne exprima adevăratul sine. Ea își imaginează un viitor în care garderoba noastră reflectă întreaga gamă de posibilități, permițându-ne să ne îmbrăcăm în moduri care ne exprimă sinele interior și ne îmbrățișează identitățile diverse.

Concluzie

Moda unisex are o istorie lungă și complexă, reflectând intersecția schimbărilor sociale, politice și culturale. A contestat normele tradiționale de gen, a stârnit controverse și continuă să evolueze ca un mijloc de exprimare individuală și comentariu social.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Istoria modei

Modă trecătoare și clasică: povești surprinzătoare din culise

by Kim
written by Kim

Mode trecătoare și clasice: poveștile surprinzătoare din spatele lor

Cowboy și strasuri

Cum au ajuns cowboy-ii, cunoscuți pentru masculinitatea lor dură, să îmbrățișeze ținutele extravagante, împodobite cu strasuri? Răspunsul stă în Nudie Cohn, un croitor născut în Ucraina, care s-a stabilit în Hollywood în 1940. Cu numele său distinctiv, Nudie și-a făcut rapid un nume creând costume extravagante pentru vedete ca Johnny Cash, Dale Evans, Cher și Elvis Presley.

Rodeo Tailors a lui Nudie a câștigat recunoaștere pentru prima dată când s-a apropiat de Tex Williams, o vedetă a muzicii country care locuia în apropiere de Nudie și soția sa în California. Nudie s-a oferit să-i facă lui Williams un costum personalizat, dar avea nevoie de 150 de dolari pentru o mașină de cusut. Williams a fost de acord să vândă un cal la licitație pentru a strânge fondurile.

În ciuda unui accident în care Nudie a făcut inițial costumul cu măsurători incorecte din cauza băuturii, în cele din urmă a livrat costumele lui Williams. Spectacolul trupei în acea seară a fost un succes uriaș, iar Williams a câștigat suficienți bani pentru a-l plăti pe Nudie pentru munca sa.

Reputația lui Nudie s-a răspândit rapid și în curând a deschis Rodeo Tailors a lui Nudie în North Hollywood în 1950. În 1963, magazinul s-a mutat pe bulevardul Lankershim, unde a rămas până la închiderea sa în 1994.

Tighty Whities: revoluția lenjeriei de corp

Originile slipilor bărbătești, cunoscuți în mod obișnuit sub numele de „tighty whities”, sunt surprinzător de fascinante. În 1934, Arthur Kneibler de la Cooper Inc. a dezvoltat Y-fronts, care au fost numiți „jockeys” din cauza asemănării lor cu un susținător.

Prezentate în anul următor la Marshall Fields din Chicago, jockey-urile au devenit rapid un hit, comanda inițială fiind epuizată. Cooper a fost nevoit să închirieze un avion pentru a face față cererii copleșitoare pentru următoarea livrare. Ulterior, compania și-a schimbat numele în Jockey International, iar slipurile sale au fost un element de bază în garderoba bărbaților de atunci.

Astăzi, jockey-urile sunt disponibile în diverse culori și materiale, dar originalele clasice din bumbac alb rămân cea mai populară alegere. Unii bărbați, totuși, preferă varianta fără elastic, eliberată de Legiunea Franceză, așa cum a descris Scott Bodenner în Worn Stories.

Carouri: un trecut pestriț

Carourile, sau tartanul, așa cum este cunoscut în Marea Britanie, are o istorie bogată și colorată. Este strâns asociat cu clanurile scoțiene, care foloseau diferite modele și culori pentru a-și reprezenta grupurile respective.

În 1746, în urma eșecului revoltei iacobite conduse de Bonnie Prince Charlie, autoritățile britanice au interzis purtarea tartanului în temeiul Legii proscrierii. Ei credeau că tartanul era un simbol al rebeliunii și ar putea incita la noi tulburări.

Din fericire pentru scoțieni și lumea modei, tartanului i s-a permis să se întoarcă din exil în 1782. Astăzi, este un material popular folosit în orice, de la îmbrăcăminte până la decor pentru casă.

Alte articole cu îmbogățire stilistică

Pe lângă subiectele menționate mai sus, mai multe alte articole oferă perspective perspicace asupra istoriei și tendințelor modei:

  • Postarea Bureau of Trade pe GQ, „În apărarea albilor”, explorează corelația dintre popularitatea blugilor skinny și cererea crescută de slipuri.
  • Worn Stories prezintă un articol de Scott Bodenner care discută despre istoria și semnificația lenjeriei de corp eliberate de Legiunea Franceză.
  • Postarea Worn Fashion Journal, „Un trecut pestriț”, oferă zece fapte amuzante despre istoria carourilor și asocierea sa cu clanurile scoțiene.
0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Modă și frumusețe

Ciorapii de nailon: O istorie a raționalizării în timpul războiului și a revoltelor de nailon

by Zuzana
written by Zuzana

Ciorapii de nailon: O istorie a raționalizării în timpul războiului și a revoltelor de nailon

Invenția nailonului

Primii ciorapi de nailon au apărut la Wilmington, Delaware, în 1939, datorită invenției nailonului de către Wallace Hume Carothers, un chimist care lucra pentru DuPont. Nailonul, o țesătură sintetică realizată din „carbon, apă și aer”, și-a câștigat rapid popularitatea datorită proprietăților sale elastice, durabile și lavabile.

Ascensiunea ciorapilor de nailon

Pe măsură ce în anii 1930 tivurile se ridicau, ciorapii au devenit o parte esențială a garderobei feminine. Ciorapii de nailon, cu calitățile lor superioare, au înlocuit rapid mătasea și raionul ca fiind prima alegere. Campania inteligentă de marketing a DuPont, promovând nailonul ca fiind „fără defecte” (nuron scris invers), a alimentat și mai mult cererea.

Raționalizarea în timpul războiului

Cu toate acestea, izbucnirea celui de-al Doilea Război Mondial în 1941 a pus brusc capăt modei ciorapilor de nailon. Nailonul a fost considerat esențial pentru efortul de război, fiind utilizat în producția de parașute, cabluri de anvelope și alte materiale militare. Drept urmare, ciorapii de nailon au fost raționalizați strict, ceea ce le-a determinat pe femei să recurgă la măsuri creative pentru a-și spori frumusețea picioarelor, cum ar fi desenarea de ciorapi pe piele.

Revoltele de nailon

După război, ciorapii de nailon s-au întors în magazine cu o răzbunare. În 1945, „revoltele de nailon” au izbucnit în toată țara, în timp ce sute și mii de femei s-au aliniat la cozi pentru a cumpăra ciorapii râvniți. Situația a atins punctul culminant la Pittsburgh, unde peste 40.000 de oameni au stat la coadă pe o distanță de peste o milă pentru 13.000 de perechi.

Moștenirea ciorapilor de nailon

În ciuda obstacolelor din timpul războiului, nailonul a rămas o alegere populară pentru ciorapi. Promovarea neobosită a DuPont și colaborările cu designeri de modă de top i-au asigurat succesul continuu. Ciorapii de nailon au devenit un simbol al emancipării și eliberării femeilor americane.

Nailonul în îmbrăcămintea modernă

Astăzi, nailonul este încă utilizat în producția de ciorapi, colanți și jambiere. Cu toate acestea, prezența sa în industria modei a scăzut din cauza creșterii popularității țesăturilor naturale. Durabilitatea și versatilitatea nailonului au găsit noi aplicații în bucătării, băi și birouri, în principal sub formă de produse din plastic.

Preocupări de mediu

Impactul producției de nailon asupra mediului a devenit o preocupare tot mai mare. Fiind un material nebiodegradabil, nailonul contribuie la poluarea cu plastic. DuPont a recunoscut această problemă și explorează modalități de a face nailonul mai sustenabil și mai ecologic.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Modă

Târgul de modă Ebony: Un fenomen cultural

by Zuzana
written by Zuzana

Târgul de modă Ebony: un fenomen cultural

Spectacolul inovator

Mai bine de 50 de ani, un grup de modele afro-americane extraordinare au pornit într-o călătorie remarcabilă prin toată țara, aducând publicului larg strălucirea modei de lux. Târgul de modă Ebony, o idee a lui Eunice W. Johnson, a spulberat normele din industrie și a devenit o icoană culturală.

Cu fiecare reprezentație în peste 180 de orașe anual, Târgul de modă Ebony a fost mai mult decât o simplă prezentare de modă. A fost un eveniment electrizant, cunoscut pentru muzica live, numerele de dans coregrafiate și eforturile de strângere de fonduri pentru organizații caritabile și burse.

Mesajul mobilizator

Târgul de modă Ebony a sfidat normele sociale prin celebrarea fără rezerve a frumuseții negrilor. Într-o perioadă în care mișcarea „Black is beautiful” câștiga teren, spectacolul a prezentat modele cu un ton mai închis al pielii, îmbrăcate în culori vibrante și designuri elegante.

Eunice Johnson, vizionara din spatele spectacolului, credea că afro-americanii merită să se vadă reprezentați în lumea plină de farmec a modei. Determinarea ei de a-și încuraja comunitatea prin modă a devenit o forță motrice în spatele succesului Târgului de modă Ebony.

Spargerea barierelor și inspirarea generațiilor

În ciuda rasismului și discriminării cu care s-au confruntat, modelele de la Târgul de modă Ebony au perseverat. Au scos în evidență munca unor designeri afro-americani precum Stephen Burrows, prezentând o gamă diversă de stiluri și perspective pe podium.

Spectacolul a îmbrățișat, de asemenea, incluziunea, prezentând modele plus-size și sfidând standardele tipice de frumusețe ale industriei. Târgul de modă Ebony a devenit un simbol al speranței și inspirației pentru generații de afro-americani, dovedind că pot obține succes și recunoaștere în orice domeniu.

O călătorie a diplomației modei

Pentru a achiziționa cele mai noi creații vestimentare europene, Eunice Johnson a călătorit în întreaga lume, negociind cu designeri și depășind barierele rasiale. A devenit unul dintre cei mai influenți cumpărători de modă de lux la nivel mondial, asigurând mii de designuri pentru spectacol.

Determinarea și abilitățile diplomatice ale lui Johnson au deschis uși pentru designerii afro-americani, permițându-le să-și prezinte talentul pe scena internațională. Târgul de modă Ebony a devenit o punte între diferite culturi, promovând aprecierea pentru estetica și creativitatea afro-americană.

O moștenire durabilă

Marea Recesiune a forțat Johnson Publishing Company să anuleze ultimul sezon al Târgului de modă Ebony în 2009. Cu toate acestea, impactul său asupra lumii modei și a culturii afro-americane rămâne profund.

Expoziția actuală, „Inspiring Beauty: 50 Years of Ebony Fashion Fair”, insuflă o nouă viață moștenirii spectacolului. Prezintă o colecție uluitoare de articole vestimentare și artefacte, spunând povestea unui fenomen cultural inovator care a inspirat nenumărate persoane.

Angajamentul Târgului de modă Ebony față de diversitate, incluziune și emanciparea negrilor continuă să inspire designerii moderni și pasionații de modă deopotrivă. Moștenirea sa servește drept dovadă a puterii modei de a doborî bariere, de a înălța comunitățile și de a sărbători frumusețea tuturor.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Design vestimentar

Uncovering the Hidden Legacy of Jewish Fashion Designers in London

by Jasmine
written by Jasmine

Muzeul Docklands din Londra caută piese vestimentare iconice pentru expoziția „Fashion City”

Designeri de modă evrei și moștenirea lor

Muzeul Docklands din Londra se lansează într-o misiune captivantă de a localiza și expune piese vestimentare iconice create de designeri evrei care au jucat un rol esențial în modelarea scenei modei din Londra de-a lungul secolului al XX-lea. Această viitoare expoziție, intitulată „Fashion City: Cum au modelat londonezii evrei stilul global”, își propune să scoată la lumină contribuțiile imense ale acestor creativi adesea trecuți cu vederea.

Căutarea rochiei lui David Bowie și a altora

Unul dintre cele mai căutate articole de pe lista de dorințe a muzeului este legendara rochie purtată de David Bowie pe coperta iconicului său album din 1970, „The Man Who Sold the World”. De asemenea, muzeul caută cu nerăbdare cămășile originale de James Bond ale lui Sean Connery și orice rochii de seară supraviețuitoare create de renumita Madame Isobel.

Mr. Fish: Pionierul designurilor care sfidează normele de gen

Printre designerii evrei prezentați în expoziția „Fashion City” se numără enigmaticul Michael Fish, mai bine cunoscut sub numele de Mr. Fish. Fish a fost renumit pentru creațiile sale inovatoare care sfidau normele de gen, în special „ținuta de bărbat”, care a devenit preferata unor celebrități precum Mick Jagger și David Bowie. Designurile sale continuă să inspire moda contemporană, după cum se poate observa în ansamblurile fluide de gen purtate de celebrități precum Harry Styles.

Imigranți evrei și industria modei

Expoziția se adâncește în poveștile personale ale imigranților evrei care au jucat un rol semnificativ în industria modei și a textilelor din Londra. Se estimează că între 60 și 70 la sută dintre imigranții evrei de la începutul secolului al XX-lea lucrau în aceste sectoare, contribuind la scena modei vibrantă a orașului.

Dincolo de nume celebre: O reprezentare diversă

Deși expoziția va prezenta, fără îndoială, piese de la designeri renumiți precum Cecil Gee, surorile Rahvis, Madame Isobel, Otto Lucas și Neymar, aceasta își propune, de asemenea, să evidențieze contribuțiile unor persoane mai puțin cunoscute. Folosind evreitatea ca o lentilă prin care să privească moda londoneză, muzeul speră să dezvăluie impactul vast și divers al designerilor evrei asupra peisajului modei globale.

Recrearea trecutului: Atelier de croitorie și boutique pe Carnaby Street

Pe lângă expunerea articolelor vestimentare originale, expoziția „Fashion City” va prezenta recreări captivante ale unui atelier de croitorie din East End-ul Londrei și ale interiorului unui elegant boutique de pe Carnaby Street din anii 1960. Aceste instalații le vor oferi vizitatorilor un sentiment tangibil al epocii și al mediului creativ în care au prosperat designerii evrei.

Detalii despre expoziție

Expoziția „Fashion City: Cum au modelat londonezii evrei stilul global” va fi deschisă la Muzeul Docklands din Londra din 13 octombrie 2023 până în 14 aprilie 2024. Vizitatorii sunt încurajați să viziteze site-ul web al muzeului pentru mai multe informații și actualizări despre progresul expoziției.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail