Home Artă Sculptură
Category:

Sculptură

Sculptură

Narcisele #LEGO înfloresc în Hull, Marea Britanie, pentru a celebra Orașul Culturii

by Zuzana
written by Zuzana

În orașul Hull, Marea Britanie, înfloresc narcise Lego, pentru a sărbători Orașul Culturii

Expoziția florală a orașului Hull

Pe măsură ce primăvara își face simțită prezența, orașul Hull din Marea Britanie a dezvăluit o expoziție florală unică, care cu siguranță îi va încânta atât pe iubitorii de Lego, cât și pe pasionații de natură. Aproape 2.000 de narcise Lego au pus stăpânire pe piața orașului, creând un spectacol vibrant și plin de fantezie.

Expoziția este o sărbătoare a desemnării orașului Hull drept Orașul Culturii al Regatului Unit pentru 2017. Orașul, cunoscut și sub numele de Kingston upon Hull, este situat în Yorkshire, în nordul Angliei. Premiul Orașul Culturii este acordat o dată la patru ani pentru a recunoaște geografia, cultura și locuitorii unici ai unui oraș.

Pentru Hull, o parte din acea cultură este arta și comunitatea. Expoziția de narcise Lego este o dovadă a ambelor, aducând un sentiment de distracție și creativitate într-un spațiu public. Expoziția a fost creată de Duncan Titmarsh, un constructor profesionist de Lego, care este unul dintre puținii oameni certificați de compania daneză pentru a folosi cărămizi Lego pentru a crea arhitectură și sculpturi fanteziste.

Capodopera lui Titmarsh a folosit peste 146.000 de cărămizi pentru a construi expoziția cu 1.700 de flori. Narcisele galben-strălucitor sunt o priveliște binevenită în Piața King Edward, recent renovată, un spațiu public unde locuitorii orașului Hull se pot aduna și socializa.

Magia Lego

Cărămizile Lego au fost mult timp o jucărie îndrăgită atât de copii, cât și de adulți. Versatilitatea lor și posibilitățile nesfârșite de creativitate le-au făcut un mediu popular pentru artă și sculptură. În ultimii ani, constructorii profesioniști de Lego precum Titmarsh au împins limitele construcțiilor Lego, creând opere de artă uimitoare și complexe.

Expoziția de narcise Lego din Hull este un exemplu perfect al magiei care poate fi creată cu cărămizi Lego. Florile sunt complexe și realiste, surprinzând frumusețea delicată a celor reale. Expoziția a adus bucurie locuitorilor și vizitatorilor orașului Hull și cu siguranță va fi amintită ca unul dintre momentele importante ale anului în care orașul a fost Orașul Culturii.

O moștenire durabilă

Expoziția de narcise Lego nu este doar un spectacol temporar. Locuitorii orașului Hull vor avea ocazia să cumpere florile pe 18 aprilie, când expoziția va fi demontată. Veniturile din vânzări vor fi donate organizațiilor locale non-profit din Hull.

Aceasta este o modalitate minunată de a ne asigura că expoziția continuă să aducă beneficii comunității mult timp după ce va dispărea. Narcisele Lego nu vor aduce doar bucurie locuitorilor orașului Hull în timpul sezonului de primăvară, ci vor lăsa și o moștenire durabilă de sprijin pentru organizațiile caritabile locale.

Buzz în social media

Expoziția de narcise Lego a generat, de asemenea, multă vâlvă pe rețelele de socializare. Iubitorii de Lego și pasionații de primăvară deopotrivă au distribuit fotografii cu florile pe Twitter, Instagram și alte platforme. Expoziția a fost prezentată în articole din importante publicații de știri, inclusiv BBC și Mashable.

Atenția acordată pe rețelele de socializare este o dovadă a popularității expoziției și a atracției cărămizilor Lego. De asemenea, a contribuit la răspândirea veștii despre desemnarea orașului Hull drept Orașul Culturii și despre scena artistică și culturală vibrantă a orașului.

Spiritul creativ al orașului Hull

Expoziția de narcise Lego este doar un exemplu al spiritului creativ care înflorește în Hull. Orașul are o istorie bogată în artă și cultură și găzduiește o serie de muzee, galerii și teatre. Hull este, de asemenea, un oraș al Patrimoniului Mondial UNESCO, recunoscut pentru moștenirea sa maritimă unică.

Desemnarea drept Orașul Culturii este o dovadă a angajamentului orașului Hull față de artă și cultură. Orașul are un calendar plin de evenimente planificate pentru 2017, inclusiv festivaluri de muzică, expoziții de artă și producții de teatru.

Dacă sunteți în căutarea unui oraș cu o scenă artistică și culturală vibrantă și primitoare, Hull merită cu siguranță o vizită. Expoziția de narcise Lego este doar unul dintre multele motive pentru a explora această bijuterie ascunsă din nordul Angliei.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sculptură

Bodega Felt Food: O instalație artistică extravagantă de Lucy Sparrow

by Jasmine
written by Jasmine

Felt Food Bodega: O instalație artistică excentrică de Lucy Sparrow

Conceptul

Imaginează-ți o alimentară plină ochi cu produse alimentare, dar în loc să fie făcute din ingrediente comestibile, totul este meticulos lucrat din pâslă. Aceasta este creația fermecătoare a artistei Lucy Sparrow, care a transformat alimentele ambalate banale în opere de artă capricioase.

Artista

Lucy Sparrow este o artistă britanică cunoscută pentru creațiile sale unice și jucăușe. Expoziția ei anterioară, „The Cornershop”, a prezentat un magazin alimentar complet aprovizionat, realizat în întregime din pâslă. Pentru cel mai recent proiect al său, Sparrow și-a adus conceptul de hrană din pâslă în New York, deschizând o alimentară pop-up numită „8 Till Late”.

Alimentara

Situată în the Standard, High Line, „8 Till Late” seamănă cu o alimentară clasică, completă cu un tejghea falsă de carne și rafturi căptușite cu cutii și conserve familiare. Cu toate acestea, la o inspecție mai atentă, vizitatorii vor descoperi că totul în interior este confecționat din pâslă moale și colorată.

De la teste de sarcină la bomboane Tootsie Rolls, de la cereale la dulciuri, Sparrow a recreat cu meticulozitate o gamă largă de articole alimentare de zi cu zi. Atenția ei la detalii este remarcabilă, surprinzând brandingul iconic și ambalajul produselor cunoscute.

Inspirația

Inspirația lui Sparrow pentru creațiile sale de mâncare din pâslă provine din fascinația ei față de răspunsul emoțional evocat de bunurile ambalate. Ea crede că familiaritatea și nostalgia asociate cu aceste articole pot declanșa un sentiment de bucurie și confort.

Transformând aceste obiecte de zi cu zi în replici moi și jucăușe din pâslă, Sparrow le dezarmează aspectele „aspre și urâte” și îi invită pe spectatori să interacționeze cu ele într-un mod nou și neașteptat.

Experiența

A intra în „8 Till Late” este ca și cum ai păși într-o lume suprarealistă și excentrică. Vizitatorii se pot plimba prin culoare, admirând creațiile intricate din pâslă și minunându-se de volumul imens de articole expuse.

Sparrow va fi chiar de față pentru a prepara „sandvișuri” pentru vizitatori, folosind felii de pâine din pâslă, mezeluri și brânză. Aceste interacțiuni jucăușe adaugă un strat suplimentar de fantezie experienței.

Impactul

„8 Till Late” ne provoacă percepțiile asupra consumismului, artei și chiar a mâncării false. Ne invită să ne întrebăm despre natura relațiilor noastre cu obiectele de zi cu zi și să apreciem frumusețea și absurditatea lor ascunse.

Indiferent dacă ești pasionat de artă, pâslă sau pur și simplu te bucuri de neașteptat, „8 Till Late” este o expoziție de neratat. Cu,fundă-te într-o lume plină de pâslă și lasă creațiile capricioase ale lui Lucy Sparrow să-ți aprindă imaginația.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sculptură

Patrick Dougherty: Maestrul sculpturilor din nuiele

by Jasmine
written by Jasmine

Patrick Dougherty: Maestrul sculpturilor din nuiele

Introducere

Patrick Dougherty este un artist renumit, cunoscut pentru sculpturile sale extraordinare realizate integral din nuiele. Creațiile sale unice au împodobit spații publice și muzee din întreaga lume, captivând imaginația a nenumărați vizitatori.

Procesul artistic al lui Dougherty

Sculpturile lui Dougherty se nasc dintr-o legătură profundă cu natura și dintr-o fascinație față de potențialul materialelor organice. El selectează cu grijă nuiele de diferite dimensiuni și forme, transformându-le în forme complexe și fanteziste. Spre deosebire de sculpturile tradiționale, care utilizează elemente de feronerie sau adezivi, lucrările lui Dougherty se bazează exclusiv pe flexibilitatea și rezistența naturală a nuielelor. Răsucindu-le și împletindu-le, el creează structuri care stau drepte și sfidează gravitația.

Experiențe artistice interactive

Arta lui Dougherty nu se rezumă la obiecte statice, ci la experiențe imersive, care îi invită pe spectatori să interacționeze cu ele. Instalațiile sale prind adesea viață în spații publice, unde trecătorii pot asista la procesul creativ din prima linie. Dougherty întâmpină cu bucurie sugestiile vizitatorilor, încorporându-le ideile în designul în continuă evoluție al sculpturilor sale. Acest element interactiv încurajează un sentiment de apartenență la comunitate și îi determină pe spectatori să aprecieze natura efemeră a artei.

Capodopere temporare

Una dintre caracteristicile definitorii ale sculpturilor lui Dougherty este natura lor temporară. Spre deosebire de instalațiile permanente realizate din piatră sau metal, operele sale sunt menite să se întoarcă în pământ. Această efemeritate adaugă sculpturilor sale un strat emoționant, reamintindu-ne de frumusețea trecătoare și de caracterul impermanent al tuturor lucrurilor. Totuși, pe parcursul existenței lor scurte, sculpturile lui Dougherty servesc drept memento-uri puternice ale puterii transformatoare a imaginației și ale interconexiunii dintre natură și artă.

Instalația de la Smithsonian

În ianuarie 2023, Dougherty a primit însărcinarea de a crea o instalație specifică amplasamentului la Muzeul Național de Istorie Naturală al Smithsonian. Intitulată „Watchamacalit”, sculptura a prins contur pe unul dintre holurile aglomerate ale muzeului, oferind vizitatorilor ocazia de a cunoaște îndeaproape procesul artistic al lui Dougherty. Pe măsură ce oamenii intrau și ieșeau, ei au oferit sugestii, care au influențat forma în continuă evoluție a sculpturii. Atenția sporită a lui Dougherty acordată siguranței a asigurat faptul că instalația a rămas interactivă, păstrând în același timp integritatea structurii sale complexe.

Puterea imaginației

Sculpturile lui Dougherty stârnesc un sentiment de uimire și imaginație în rândul spectatorilor de toate vârstele. Abilitatea sa de a transforma nuieluele obișnuite în creații extraordinare ne provoacă preconcepțiile despre artă și ne inspiră să vedem potențialul de frumusețe în cele mai neașteptate locuri. Încurajându-ne să interacționăm cu lucrările sale, Dougherty ne invită să ne îmbrățișăm propria creativitate și să apreciem puterea transformatoare a imaginației.

Moștenire și impact

Sculpturile din nuiele ale lui Patrick Dougherty au lăsat o amprentă durabilă asupra lumii artei. Abordarea sa unică a sculpturii a câștigat recunoaștere internațională și a influențat nenumărați alți artiști. Prin intermediul instalațiilor sale interactive și al angajamentului său față de sustenabilitate, Dougherty a promovat o apreciere sporită pentru lumea naturală și importanța creativității în viețile noastre. Moștenirea sa ca maestru al sculpturilor din nuiele va continua să inspire generații de artiști și pasionați de artă.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sculptură

Statue of Liberty’s ‘Little Sister’ Embarks on Transatlantic Voyage of Friendship

by Jasmine
written by Jasmine

„Micuța soră” a Statuii Libertății pornește într-o călătorie spre SUA

Un simbol al prieteniei peste Atlantic

O replică a emblematicei Statui a Libertății, cunoscută cu afecțiune sub numele de „Micuța soră”, pornește într-o călătorie din Franța către Statele Unite. Această versiune mai mică a faimosului monument simbolizează prietenia de durată dintre cele două națiuni.

Ellis Island îi urează bun venit „Micuței surori”

Replica de 992 de lire și 9,3 metri înălțime va fi instalată pe Ellis Island, vizavi de statuia originală, în primele cinci zile din iulie. Această amplasare sugestivă evocă semnificația istorică a Ellis Island ca poartă de intrare pentru milioane de imigranți care căutau o viață nouă în America.

Un dar al bunăvoinței

Oficialii francezi speră că americanii vor vedea replica drept un gest de bunăvoință, care va inaugura o nouă eră de relații amicale între cele două țări. Sosirea statuii coincide cu cea de-a 77-a aniversare a Zilei Z, un moment crucial din cel de-al Doilea Război Mondial, care a marcat începutul sfârșitului ocupației naziste în Europa de Vest.

O replică cu semnificație istorică

Această replică este una dintre cele peste 100 răspândite în întreaga lume. A fost turnată în 2009 dintr-o scanare 3D a unui model al prototipului original din ipsos creat de sculptorul Frédéric-Auguste Bartholdi. Monumentul original cu o înălțime de 151 de picioare a fost conceput de istoricul francez Édouard de Laboulaye în 1865, după încheierea Războiului Civil American. De remarcat că lanțurile și cătușele rupte ale statuii simbolizează abolirea sclaviei, nu sosirea imigranților, așa cum se crede în mod obișnuit.

O dovadă a cooperării franco-americane

Statuia originală a Libertății a fost un efort comun între Franța și Statele Unite. Francezii au construit și finanțat statuia în sine, în timp ce americanii au strâns fonduri pentru piedestal. Această colaborare a marcat „primul mare proiect de finanțare colectivă al Americii”, subliniind puterea acțiunii colective.

Moștenirea durabilă a statuii

De la inaugurarea sa în 1886, Statuia Libertății a devenit un simbol durabil al libertății și democrației. Învelișul său de cupru, mai subțire decât doi bănuți stivuiți, este o dovadă a ingeniozității și perseverenței creatorilor săi.

O călătorie a prieteniei

Călătoria replicii din Franța către Statele Unite repune pe tapet pașii monumentului original. Este o reamintire a legăturilor adânc înrădăcinate dintre cele două națiuni și un simbol al prieteniei și cooperării lor continue.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sculptură

Ursula von Rydingsvard: Metafore sculptate în lemn

by Jasmine
written by Jasmine

Ursula von Rydingsvard: Sculptând metafore în lemn

Viața timpurie și influențe

Ursula von Rydingsvard s-a născut în Germania în 1942 și și-a petrecut copilăria timpurie în tabere de refugiați. În 1950, familia ei a emigrat în Statele Unite. A studiat sculptura la Universitatea Columbia cu Ronald Bladen, George Sugarman și Jean Linder.

Conținut autobiografic și ancestral

Lemnul a devenit materialul cheie pentru sculpturile Ursulei von Rydingsvard, care explorează adesea teme autobiografice și ancestrale. Lucrarea ei evocă amintiri ale obiectelor de zi cu zi și formelor arhitecturale, precum hambare, șoproane, barăci, bănci de biserică și altare. Prin aceste forme, ea explorează experiența umană a pierderii, strămutării și rezilienței.

Calități domestice și reconfortante

În ciuda calităților lor adesea sumbre și apăsătoare, sculpturile Ursulei von Rydingsvard posedă un aspect domestic și reconfortant. Sunt mari și monumentale, dar evocă și un sentiment de familiaritate și intimitate. Folosirea lemnului, cu căldura și textura sa naturală, contribuie la acest sentiment de confort.

Metafore ale efortului și nevoii umane

Sculpturile Ursulei von Rydingsvard funcționează adesea ca metafore pentru efortul și nevoia umană. Folosirea oaselor, grinzilor și căpriorilor sugerează luptele fizice și emoționale pe care oamenii le îndură. Prin munca ei, ea explorează capacitatea umană de rezistență și modurile în care ne construim și ne susținem unii pe alții.

Recunoaștere și moștenire

Sculptura Ursulei von Rydingsvard a început să câștige recunoaștere în urmă cu aproximativ un deceniu. Lucrarea ei a fost achiziționată de muzee importante precum Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum of American Art și Walker Art Center. Colecționari privați și corporații, inclusiv Microsoft, au comandat, de asemenea, piese în aer liber.

Restaurarea simțului meșteșugului în sculptură

Martin Friedman, director emerit al Walker Art Center, a lăudat-o pe Ursula von Rydingsvard pentru că a restaurat simțul meșteșugului în sculptură. Atenția ei meticuloasă la detalii și utilizarea tehnicilor tradiționale de prelucrare a lemnului demonstrează angajamentul ei față de măiestrie și fizicalitatea mediului ei.

Expoziții viitoare

O expoziție a sculpturii de interior a Ursulei von Rydingsvard, organizată de Madison Art Center, se află în prezent într-un turneu în patru orașe. O expoziție a sculpturii ei în aer liber se va deschide la Nelson-Atkins Museum of Art din Kansas City pe 9 mai. Aceste expoziții oferă o oportunitate de a experimenta puterea și rezonanța muncii ei direct.

Concluzie

Ursula von Rydingsvard este o sculptoriță renumită a cărei operă explorează temele memoriei, identității și condiției umane. Prin utilizarea evocatoare a lemnului și măiestria ei, ea creează sculpturi care sunt atât tulburătoare, cât și reconfortante, provocându-ne să reflectăm asupra propriilor noastre experiențe și asupra rezistenței spiritului uman.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sculptură

Statuile lui Lucille Ball: Un omagiu adus unei legende a comediei

by Jasmine
written by Jasmine

Statuile Lucille Ball: Povestea a două Lucy

Dezvelirea „Noii Lucy”

În pitorescul oraș Celoron, New York, unde Lucille Ball și-a petrecut copilăria, o nouă statuie a apărut pentru a o onora pe îndrăgita comediantă. Sculptată de artista Carolyn Palmer, „Noua Lucy” stă mândră în Parcul Memorial Lucille Ball, surprinzând esența lui Ball în stilul ei iconic. Îmbrăcată într-o rochie cu buline, tocuri înalte, colier de perle și păr perfect coafat, statuia emană farmecul și spiritul care au făcut din Ball un nume cunoscut.

Controversa „Scary Lucy”

În 2009, o altă statuie a lui Lucille Ball, poreclită „Scary Lucy”, a fost dezvelită în Celoron. Creată de artistul Dave Poulin, sculptura de bronz o înfățișa pe Ball ținând o sticlă din fictivul supliment de sănătate Vitameatavegamin, o aluzie la un episod clasic din „I Love Lucy”. Cu toate acestea, înfățișarea grotescă a statuii, completată de o grimasă distorsionată, a atras critici pe scară largă. Localnicii și fanii deopotrivă au cerut îndepărtarea ei, iar însuși Poulin și-a exprimat mai târziu nemulțumirea față de rezultat.

Răspunsul publicului

Dezvelirea „Scary Lucy” a stârnit o dezbatere aprinsă în Celoron. Locuitorii s-au organizat pentru a îndepărta statuia, în timp ce alții i-au apărat meritul artistic. Statuia a devenit o sursă atât de fascinație, cât și de batjocură, atrăgând mii de vizitatori dornici să vadă ciudata creație. În ciuda controversei, „Scary Lucy” a rămas în parc ani de zile, o dovadă a puterii durabile a opiniei publice.

Evoluția statuilor Lucille Ball

Estetica contrastantă a „Noii Lucy” și „Scary Lucy” subliniază evoluția statuilor Lucille Ball în Celoron. „Noua Lucy” reprezintă o abordare mai tradițională, surprinzând asemănarea lui Ball într-o manieră măgulitoare și idealizată. „Scary Lucy”, pe de altă parte, reflectă o interpretare mai neconvențională și umoristică a moștenirii comédiantei. Cele două statui oferă vizitatorilor o oportunitate unică de a explora diferite fațete ale personalității lui Ball.

Semnificația artei publice

Dezbaterea din jurul statuilor lui Lucille Ball din Celoron subliniază importanța artei publice în modelarea peisajului cultural al unei comunități. Statuile și alte forme de artă publică servesc drept simboluri ale valorilor comune, evenimentelor istorice și figurilor influente. Ele pot inspira mândrie, pot promova dialogul și pot atrage vizitatori de pretutindeni.

Moștenirea lui Lucille Ball

Atât „Noua Lucy”, cât și „Scary Lucy” aduc un omagiu moștenirii durabile a lui Lucille Ball ca una dintre cele mai inovatoare femei din comedia americană. Capacitatea ei de a-i face pe spectatori să râdă și să se identifice cu personajele ei a lăsat o amprentă de neșters în cultura populară. Statuile din Celoron servesc drept memento-uri ale strălucirii lui Ball, impactul ei asupra lumii și legătura ei specială cu orașul în care a crescut.

Un pelerinaj pentru fani

Pentru fanii lui Lucille Ball, o vizită la Celoron este o necesitate. Prezența atât a „Noii Lucy”, cât și a „Scary Lucy” oferă o privire asupra personalității multifațetate a lui Ball și asupra puterii durabile a moștenirii sale. Fie că aleg să o admire pe mai convenționala „Noua Lucy” sau pe ciudata „Scary Lucy”, vizitatorii vor pleca cu o apreciere mai profundă pentru comediantul care a adus atât de multă bucurie lumii.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sculptură

Arthur Ganson: Maestrul sculpturii cinetice

by Kim
written by Kim

Arthur Ganson: Maestrul sculpturii cinetice

Viața timpurie și influențele

Arthur Ganson, un renumit sculptor MIT, și-a dedicat cariera creării de mașini cinetice complexe care sfidează limitele dintre artă și inginerie. Inspirat de lucrările sculptorului cinetic elvețian Jean Tinguely și ale pictorului Bauhaus Paul Klee, mașinile lui Ganson au o abilitate unică de a transcende natura lor mecanică și de a evoca un sentiment de fantezie și uimire.

Sculpturi cinetice

Sculpturile cinetice ale lui Ganson sunt un testament al măiestriei sale în mecanică și al ochiului său ager pentru detalii. Mașinile sale sunt realizate cu meticulozitate dintr-o varietate de materiale, inclusiv metal, lemn și obiecte găsite. Ele bâzâie, clănțănesc și se mișcă în moduri imprevizibile, părând să prindă viață.

Una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Ganson, „Mașina cu scaun”, este un behemoth masiv de 800 de lire sterline care se rostogolește de-a lungul unei șine. În timp ce se mișcă, ea ia un scaun îndoit din calea sa, îl ridică și îl întoarce cu o înflorire și îl așază în siguranță în spatele său. Această acțiune aparent simplă este executată cu o grație și o precizie care sfidează aspectul industrial al mașinii.

Funcționalitate neconvențională

Mașinile lui Ganson nu sunt proiectate să îndeplinească sarcini practice. În schimb, ele există doar de dragul artei. Nu fac nimic altceva decât să funcționeze extraordinar de bine, în special în a-i face pe oameni să râdă. După cum a remarcat un observator perspicace: „Oricine poate construi o mașină care să facă cu mâna. Arthur știe să facă o mașină care să facă cu mâna la revedere.”

Creații din altă lume

În plus față de sculpturile sale cinetice de mari dimensiuni, Ganson a creat și o linie de jucării numite Toobers and Zots. Aceste tuburi colorate din spumă și piese de diferite forme le permit copiilor să își dea frâu liber imaginației și să creeze creaturi și structuri din altă lume.

Recunoaștere și moștenire

Abordarea unică și inovatoare a lui Ganson asupra artei i-a adus recunoaștere și apreciere pe scară largă. Lucrările sale au fost expuse în muzee și galerii din întreaga lume, iar el a primit numeroase premii pentru contribuțiile sale în domeniul sculpturii cinetice.

Mașinile lui Ganson continuă să captiveze publicul prin abilitatea lor de a estompa granițele dintre artă și inginerie. Ele sunt un testament al creativității sale fără margini și al angajamentului său neclintit de a împinge limitele expresiei artistice.

Procesul artistic al lui Ganson

Ganson nu este genul de persoană căreia îi place să vorbească mult despre teoria și istoria artei. Cu toate acestea, lucrările sale reflectă în mod clar influența constructivismului, dadaismului și suprarealismului. Aceste mișcări artistice au pus accent pe utilizarea obiectelor de zi cu zi, respingerea formelor tradiționale și explorarea subconștientului.

Inspirație din viața de zi cu zi

Ganson găsește adesea inspirație pentru mașinile sale în obiectele de zi cu zi care îl înconjoară. El vede frumusețe în banal și transformă materiale obișnuite în opere de artă extraordinare. De exemplu, „Mașina sa cu 22 de bucăți de hârtie” constă dintr-un cadru simplu din lemn și o colecție de bucăți de hârtie aruncate. Pe măsură ce mașina se mișcă, bucățile de hârtie flutură și dansează, creând un afișaj fascinant de lumină și umbră.

Colaborare și experimentare

Ganson nu se teme să colaboreze cu alți artiști și să experimenteze cu noi materiale și tehnici. A lucrat cu ingineri, muzicieni și chiar cu păpușari pentru a da viață mașinilor sale. Această deschidere spre colaborare și experimentare i-a permis să creeze o serie diversă și în continuă evoluție de lucrări.

Farmecul durabil al mașinilor lui Ganson

Mașinile lui Ganson continuă să captiveze publicul de toate vârstele. Ele sunt un testament al creativității sale fără margini și al abilității sale de a evoca un sentiment de minune și imaginație. Fie că este vorba de năzbâtiile jucăușe ale „Mașinii cu scaun” sau de creațiile din altă lume ale Toobers and Zots, mașinile lui Ganson ne amintesc că arta poate fi atât frumoasă, cât și incitantă.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sculptură

Arta monumentală a lui Claes Oldenburg: Transformarea obișnuitului în extraordinar

by Jasmine
written by Jasmine

Arta monumentală a lui Claes Oldenburg: Transformarea obișnuitului în extraordinar

Introducere

Claes Oldenburg, un pionier al artei Pop, și-a făcut un nume creând sculpturi colosale care transformă obiecte de zi cu zi în lucrări de artă monumentale. De la o lingură lungă de 51 de picioare până la o lanternă înaltă de 38 de picioare, sculpturile lui Oldenburg aduc o notă de umor și absurd în spațiile publice din întreaga lume.

Transformarea obișnuitului în monumental

Arta lui Oldenburg se concentrează în jurul conceptului de a lua obiecte banale și de a le mări la proporții extraordinare. Făcând acest lucru, el ne provoacă percepția despre ce constituie arta și ne invită să vedem familiarul într-o lumină nouă. Sculpturile sale evocă adesea un sentiment de joacă și uimire, amintindu-ne că până și cele mai obișnuite lucruri pot fi extraordinare atunci când sunt privite prin prisma artei.

Arta publică și colaborarea

Sculpturile de mari dimensiuni ale lui Oldenburg sunt adesea instalate în spații publice, unde interacționează cu mediul înconjurător și invită publicul să interacționeze cu ele. El colaborează frecvent cu soția sa, Coosje van Bruggen, care își aduce expertiza ca istoric de artă și artistă la proiectele lor comune. Împreună, au creat sculpturi iconice care au devenit repere în orașe din întreaga lume.

Sculpturi nerealizabile și limitele imaginației

În plus față de sculpturile sale monumentale, Oldenburg a produs, de asemenea, numeroase desene ale așa-numitelor sale sculpturi „nerealizabile”. Acestea sunt concepte ambițioase care, deși intrigante, nu sunt practice de construit. Prin aceste desene, Oldenburg explorează limitele imaginației sale și împinge limitele a ceea ce este posibil în artă.

Impactul artei lui Oldenburg

Sculpturile lui Oldenburg au stârnit atât fascinație, cât și controverse. Unii critici au respins munca sa ca fiind doar kitsch, în timp ce alții au salutat-o ca o contribuție inovatoare la arta contemporană. Indiferent de opinie, nu se poate nega faptul că arta lui Oldenburg a avut un impact profund asupra conștiinței publice. Sculpturile sale au adus bucurie milioane de oameni și au contestat presupunerile noastre despre ce poate și ar trebui să fie arta.

Moștenire și influență

Moștenirea lui Claes Oldenburg ca artist pionier este asigurată. Sculpturile sale monumentale continuă să inspire și să provoace, amintindu-ne că arta poate fi atât ludică, cât și profundă. Munca sa a influențat nenumărați alți artiști și a contribuit la modelarea peisajului artei contemporane.

Exemple de sculpturi iconice ale lui Oldenburg

  • Spoonbridge and Cherry: O lingură din oțel inoxidabil de 51 de picioare care leagănă o cireșă maraschino de 1.200 de lire în Grădina de Sculptură din Minneapolis.
  • Flashlight: O lanternă din aluminiu de 38 de picioare înălțime care se ridică deasupra campusului Universității din Nevada din Las Vegas.
  • Clothespin: Un clește de rufe din aluminiu de 45 de picioare înălțime situat în centrul orașului Philadelphia.
  • Typewriter Eraser, Scale X: O gumă de șters monumentală, mărită la dimensiunea unei clădiri mici, expusă la Muzeul de Artă Modernă din New York.

Concluzie

Sculpturile monumentale ale lui Claes Oldenburg au lăsat o amprentă de neșters în lumea artei. Transformând obiecte obișnuite în opere de artă extraordinare, el și-a provocat percepțiile, și-a stimulat imaginația și a adus bucurie nenumăraților oameni din întreaga lume.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sculptură

Origami: Unde arta întâlnește matematica

by Kim
written by Kim

Origami: Unde sculptura întâlnește matematica

Origami matematic: Defiază imposibilul

Teoreticianul origamiului computațional Erik Demaine a împins limitele origamiului, creând sculpturi care sfidează înțelegerea tradițională a ceea ce este posibil cu plierea hârtiei. Alternând pliuri munte și vale în pătrate concentrice, Demaine a realizat ceea ce era anterior imposibil: paraboloizi hiperbolici, o formă care se credea a fi de neatins în origami.

Secretul constă în modelele complexe de cute pe care le creează Demaine, rezultând în structuri care „sar într-o formă de șa” asemănătoare cu un Pringle. Sculpturile lui Demaine nu sunt doar uimitoare din punct de vedere vizual, ci ridică și întrebări fundamentale despre mecanica plierii hârtiei.

Istoria origami

Originile origami pot fi urmărite până în 1797 în Japonia, odată cu publicarea cărții „Sembazuru Orikata” a lui Akisato Rito. În anii 1800, origami a devenit o activitate populară în sălile de clasă din Europa, iar în anii 1950 a apărut ca o formă de artă modernă sub îndrumarea artistului japonez Akira Yoshizawa.

Artiști contemporani de origami precum Eric Joisel și Robert Lang au împins și mai departe limitele, creând figuri vii de animale și oameni și compoziții complexe care au fost prezentate în instituții prestigioase precum Luvru și Museum of Modern Art.

Origami și matematică

Origami are o legătură strânsă cu matematica, în special cu geometria. Problema plierii și tăierii, pusă pentru prima dată într-o carte japoneză în 1721, întreabă câte forme diferite pot fi create prin plierea unei bucăți dreptunghiulare de hârtie și prin efectuarea unei singure tăieturi. Soluția lui Demaine la această problemă veche de secole a demonstrat că orice formă este posibilă, având planul geometric corect.

Origami computațional

Programele de calculator au revoluționat domeniul origami. Software-uri precum TreeMaker și Origamizer permit utilizatorilor să proiecteze și să exploreze modele complexe de cute, permițând crearea de forme complexe și inovatoare.

Origami în aplicații practice

Dincolo de valoarea sa artistică, origami a găsit aplicații practice în diverse domenii. Producătorii de automobile folosesc matematica origami pentru a proiecta airbag-uri care se pliază eficient. Inginerii explorează utilizarea structurilor origami în nanofabricație, creând obiecte plate care se pot transforma în forme 3D. În plus, principiile origami ar putea ajuta la proiectarea proteinelor sintetice care luptă împotriva virusurilor.

Duo tată-fiu

Erik Demaine și tatăl său, Martin, au colaborat pentru a crea sculpturi de origami fascinante. Lucrările lor au fost prezentate la Renwick Gallery din Smithsonian, prezentând intersecția dintre artă și matematică.

Atracția origami

Origami continuă să captiveze artiștii și matematicienii deopotrivă, oferind un amestec unic de creativitate, precizie și rezolvare de probleme. După cum spune Demaine pe bună dreptate: „Am venit cu o problemă de matematică care inspiră o nouă artă și o problemă de artă care inspiră noi matematică”.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sculptură

Danielle Rose Byrd: Sculptorul și cioplitorul care îmbrățișează eșecul

by Jasmine
written by Jasmine

Descoperiți-o pe Danielle Rose Byrd: Sculptorul și cioplitorul care îmbrățișează eșecul

Influențe timpurii și călătorie artistică

Pasiunea lui Danielle Rose Byrd pentru prelucrarea lemnului a apărut în timpul petrecut la un mic colegiu de arte liberale din Maine. Inspirată de materialele naturale din jurul său, ea a început să experimenteze sculptura și crearea de obiecte complicate din lemn de esență și alte materiale găsite.

Educație și evoluție

Deși colegiul ei nu avea un atelier de tâmplărie dedicat, Byrd și-a găsit un loc printre echipa de la sol, care a învățat-o elementele de bază ale lucrului cu unelte. De asemenea, s-a inspirat din accentul pus de colegiu pe sustenabilitate și gândire critică, care i-au modelat abordarea față de artă.

Prelucrarea lemnului ca ambarcațiune și conversație

Byrd vede prelucrarea lemnului atât ca o meserie, cât și ca o conversație cu materialul în sine. Ea îmbrățișează imprevizibilitatea lemnului, permițându-i să-i ghideze designurile și să-i influențeze procesul creativ. Această abordare a dus la unele dintre cele mai de succes și inovatoare piese ale sale.

De la linguri la sculpturi

Călătoria artistică a lui Byrd a început cu sculptarea lingurilor, dar și-a extins treptat repertoriul pentru a include obiecte funcționale, sculpturi și chiar instalații la scară largă. Lucrările sale se caracterizează prin formele sale organice, texturi complexe și o legătură profundă cu lumea naturală.

Eșecul ca un catalizator pentru creștere

Byrd salută eșecul ca parte esențială a procesului ei creativ. Ea îl vede ca pe o oportunitate de a învăța, de a se adapta și de a descoperi noi posibilități. Îmbrățișând neașteptatul și renunțând la perfecțiune, ea a deblocat unele dintre cele mai inovatoare modele ale sale.

Importanța echilibrului

În timp ce Byrd adoră să exploreze latura sculpturală a prelucrării lemnului, ea apreciază și echilibrul dintre funcție și estetică. Ea creează atât obiecte funcționale, precum boluri și linguri, cât și piese pur sculpturale care invită la contemplare și inspiră imaginația.

Provocări și recompense

Una dintre cele mai mari provocări în prelucrarea lemnului, potrivit lui Byrd, este investiția financiară și de timp necesară. Cu toate acestea, recompensele depășesc cu mult costurile. Ea găsește o satisfacție imensă în procesul creativ, în conexiunea cu materialul și în capacitatea de a crea obiecte care aduc bucurie altora.

Sfaturi pentru aspiranții la prelucrarea lemnului

Byrd îi încurajează pe aspiranții la prelucrarea lemnului să îmbrățișeze procesul de învățare și să nu se teamă să facă greșeli. Ea subliniază importanța de a găsi inspirație în materialele în sine și de a lăsa procesul creativ să curgă în mod natural.

Q&A rapid

  • Lemnul preferat: Lemn gratuit!
  • Unelte preferate: Toate, inclusiv unelte de mână, electrice și topoare electrice de sculptat.
  • Piesa preferată din ultima lună: O sculptură murală foarte texturată care există doar în mintea ei.
  • Cel mai mare obiectiv: Mai multe sculpturi.
  • Accesoriul preferat pentru atelier: Depinde de proiect.
  • Muzică pornită sau oprită: Filme pe fundal, de obicei filme proaste din anii ’90 sau comedii romantice.
  • Pasul preferat din proces: Conceptualizarea.
  • Asistentul preferat: Teddy, pisica ei.
0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail