Tendências de cores para 2024: guia dos tons mais badalados
Brancos quentes
Verde oliva e verde escuro
Marrom
Azul
Tons escuros
Vermelhos e rosas
Paletas de cores para 2024
- Santuário:
- Intriga:
- Bússola:
- Refúgio:
Tipos de máquinas de costura: um guia completo
Máquinas de costura computadorizadas x mecânicas
As máquinas de costura computadorizadas oferecem praticidade com recursos automáticos como ajuste de tensão da linha e configurações predefinidas de pontos. São ideais para usuários avançados que priorizam eficiência e uma ampla gama de opções.
As máquinas de costura mecânicas, por outro lado, são mais adequadas para iniciantes. Elas exigem ajustes manuais de tensão e seleção de pontos, proporcionando uma experiência de aprendizado mais prática.
Recursos automáticos
Passador de linha: Esse recurso simplifica a tarefa tediosa de passar a linha na agulha, economizando tempo e esforço.
Cortador de linha: Cortadores de linha embutidos permitem um corte rápido e fácil da linha sem a necessidade de tesoura.
Tipos de máquinas de costura
Overlock: Uma overlock é uma máquina de costura especializada projetada para finalizar as bordas do tecido, evitando que desfiem. É essencial para trabalhar com materiais elásticos ou delicados como malhas.
Máquina de costura resistente: As máquinas resistentes são desenvolvidas para lidar com tecidos grossos e duráveis como jeans e couro. Geralmente apresentam uma garganta mais larga, mesa extensora e agulhas mais robustas para projetos maiores.
Máquina de bordar: Essas máquinas combinam recursos de costura e bordado, permitindo que os usuários criem desenhos complexos no tecido. Elas vêm com uma variedade de bastidores de bordado e software para personalizar padrões.
Recursos para iniciantes
Grande variedade de pontos: Uma ampla gama de pontos oferece versatilidade para diferentes projetos, de costuras básicas a enfeites decorativos.
Vários calcadores: Calcadores são acessórios que ajudam em tarefas específicas de costura. Iniciantes devem procurar máquinas com pelo menos um calcador universal, um calcador para zíper e um calcador para casas de botão.
Peso e durabilidade da máquina
Máquinas leves: As máquinas compactas são fáceis de transportar e guardar, o que as torna ideais para quem tem espaço limitado ou precisa transportar a máquina com frequência.
Máquinas resistentes: Embora mais pesadas, essas máquinas oferecem durabilidade superior e podem lidar com tecidos mais resistentes. São recomendadas para usuários avançados ou para aqueles que trabalham em projetos de larga escala.
Recursos de destaque
Calcador andante: Esse acessório garante alimentação uniforme de ambas as camadas de tecido, evitando franzidos. É essencial para quilting e trabalhos com tecidos grossos.
Opções de manutenção local
Manutenção regular é crucial para o desempenho ideal da máquina de costura. Considere a disponibilidade de serviços de manutenção autorizados em sua área antes de comprar uma máquina.
Conteúdo com foco em palavras-chave de cauda longa
Melhor máquina de costura para tecidos grossos: Escolha uma máquina resistente com um sistema de agulhas robusto e uma garganta larga para manusear materiais grossos.
Máquina de bordar com um grande espaço de trabalho: Procure uma máquina de bordar com um aro de tamanho grande para acomodar desenhos maiores e reduzir a necessidade de vários reposicionamentos.
Máquina de costura com calcador andante para quilting: Invista em uma máquina com um acessório de calcador andante para costura precisa e uniforme em várias camadas de tecido.
Melhor máquina de costura para iniciantes com uma grande variedade de pontos: Explore máquinas com uma ampla gama de pontos, incluindo pontos básicos, decorativos e especializados, para dar suporte a vários projetos e níveis de habilidade.
Máquina de costura computadorizada leve com garganta larga: Considere uma máquina computadorizada leve com garganta larga para facilitar a manobra de peças maiores de tecido sem sacrificar a praticidade.
Mural “Trabalho Escravo” de Banksy: A quem pertence a arte pública em propriedade privada?
Antecedentes
Banksy, o conhecido artista de rua, criou um mural intitulado “Trabalho Escravo” em 2012. O mural, que representa um jovem ajoelhado em uma máquina de costura com flâmulas da Union Jack, apareceu na parede externa de uma loja Poundland no norte de Londres. O mural se tornou um ponto focal de controvérsia em 2010, quando a Poundland foi acusada de vender produtos feitos por trabalhadores indianos menores de idade.
Disputa de propriedade
Nos últimos anos, a propriedade do mural “Trabalho Escravo” de Banksy se tornou um assunto de debate. O mural foi cortado da parede e enviado para uma casa de leilões em Miami, onde deveria render entre US$ 500.000 e US$ 700.000. No entanto, o leilão foi cancelado em meio à controvérsia pública sobre a legalidade e a ética de remover e vender arte pública.
A casa de leilões afirmou que o mural foi adquirido legalmente do proprietário do muro privado no qual foi pintado. No entanto, alguns argumentam que a arte pública, mesmo que criada em propriedade privada, deve permanecer acessível ao público.
Considerações legais
A estrutura legal que envolve a propriedade da arte pública em propriedade privada é complexa e varia dependendo da jurisdição. Em geral, o proprietário da propriedade detém o título legal de quaisquer objetos fixos anexados a ela, incluindo murais. No entanto, pode haver exceções ou limitações impostas por regulamentos locais ou jurisprudência.
No caso do mural “Trabalho Escravo” de Banksy, o conselho local expressou sua intenção de devolver a obra de arte à comunidade. Isso sugere que o conselho pode ter legitimidade para reivindicar o mural com base em suas políticas de proteção à arte pública.
Implicações éticas
Além das considerações legais, a venda de arte pública levanta preocupações éticas. Os críticos argumentam que remover e vender arte de rua priva o público de seu usufruto e mina a intenção original do artista. Eles argumentam que a arte pública deve ser preservada em seu contexto original e acessível a todos.
Impacto potencial no mercado de arte de rua
A venda do mural “Trabalho Escravo” de Banksy gerou preocupações sobre o impacto potencial no mercado de arte de rua. Se a arte pública puder ser legalmente removida e vendida com fins lucrativos, isso poderá levar a uma tendência de colecionadores privados que adquirem e mercantilizam a arte de rua, privando o público de seu acesso a essas obras.
Importância histórica e cultural
O mural “Trabalho Escravo” de Banksy não é apenas uma valiosa obra de arte, mas também tem importância histórica e cultural. Ele serve como um comentário sobre a exploração do trabalho e o papel das corporações na perpetuação da desigualdade social. O mural se tornou um símbolo de resistência e um lembrete da importância de proteger a arte pública.
Conclusão
A propriedade e a venda do mural “Trabalho Escravo” de Banksy desencadearam um debate complexo envolvendo considerações legais, éticas e culturais. O resultado deste caso terá implicações para o futuro da arte pública e os direitos tanto dos artistas quanto do público.
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Jessye Norman: Uma soprano pioneira que abraçou a diversidade e a excelência vocal
Início da vida e educação
Jessye Norman, uma soprano de renome mundial, nasceu em uma sociedade segregada na Geórgia. Apesar dos desafios de sua criação, ela perseguiu sua paixão pela música, frequentando a Universidade Howard com uma bolsa integral. Mais tarde, ela estudou na Universidade de Michigan, Ann Arbor, e no Conservatório Peabody.
Estreia profissional e ascensão ao estrelato
Norman fez sua estreia profissional em 1969 em Berlim, cativando o público com sua extraordinária extensão vocal e versatilidade. Ela rapidamente se tornou uma estrela em ascensão, se apresentando nas principais casas de ópera do mundo, incluindo o Teatro alla Scala de Milão e a Royal Opera House de Londres. Em 1983, ela fez sua aclamada estreia no Met como Cassandra em Les Troyens de Berlioz.
Abraçando a diversidade e o engajamento social
Ao longo de sua carreira, Norman foi uma defensora veemente da diversidade e da inclusão nas artes. Ela creditou predecessoras afro-americanas como Marian Anderson e Dorothy Maynor por pavimentar o caminho para seu sucesso. Norman também buscou projetos de engajamento social, como a Jessye Norman School of the Arts, um programa gratuito de belas artes após a escola em sua cidade natal.
Excelência vocal e elogios
A voz de Norman foi descrita como “uma grande mansão de som” pelo crítico Edward Rothstein. Ela possuía uma extensão extraordinária e uma presença cativante que preenchia cada espaço em que se apresentava. Sua arte lhe rendeu vários elogios, incluindo cinco prêmios Grammy, a Medalha Nacional de Artes e as honras do Kennedy Center.
Influências e legado
A versatilidade vocal de Norman permitiu que ela se sobressaísse em uma ampla gama de papéis, da ópera clássica ao jazz e aos spirituals. Ela era particularmente conhecida por suas interpretações de Aida, Carmen e Isolde em Tristan und Isolde. Seu legado continua a inspirar jovens músicos e amantes da ópera em todo o mundo.
Desafios e realizações
Como uma soprano afro-americana, Norman enfrentou desafios e barreiras ao longo de sua carreira. No entanto, ela permaneceu firme em sua crença de que as barreiras raciais nas artes deveriam ser derrubadas. Ela usou sua plataforma para promover a diversidade e criar oportunidades para vozes sub-representadas.
Vida pessoal e inspiração
Fora de sua carreira musical, Norman era uma pessoa reservada que valorizava sua família e amigos. Ela era conhecida por seu calor, inteligência e espírito inabalável. Sua amizade com o escritor de opinião Jonathan Capehart destacou sua conexão genuína com pessoas de todas as esferas da vida.
Últimos anos e legado
Norman continuou a se apresentar e defender as artes até seu falecimento prematuro em 2022, aos 74 anos. Sua causa de morte foi choque séptico e falência múltipla de órgãos após uma lesão na medula espinhal em 2015. Apesar dos desafios que enfrentou, o legado de Norman como uma soprano inovadora e uma defensora da diversidade continua vivo.
As estátuas de Lucille Ball: a história de duas Lucys
A inauguração da “Nova Lucy”
Na pitoresca cidade de Celoron, Nova York, onde Lucille Ball passou sua infância, uma nova estátua surgiu para homenagear a querida comediante. Esculpida pela artista Carolyn Palmer, “Nova Lucy” se ergue orgulhosamente no Parque Memorial Lucille Ball, capturando a essência de Ball em seu estilo icônico. Vestida com um vestido de bolinhas, salto alto, colar de pérolas e cabelo perfeitamente penteado, a estátua exala o glamour e o espírito que fizeram de Ball um nome familiar.
A controvérsia da “Lucy assustadora”
Em 2009, outra estátua de Lucille Ball, apelidada de “Lucy assustadora”, foi inaugurada em Celoron. Criada pelo artista Dave Poulin, a escultura de bronze mostrava Ball segurando uma garrafa do suplemento alimentar fictício Vitameatavegamin, uma referência a um episódio clássico de “I Love Lucy”. No entanto, a aparência grotesca da estátua, com uma careta distorcida, gerou muitas críticas. Moradores e fãs pediram sua remoção, e o próprio Poulin mais tarde expressou sua insatisfação com o resultado.
A resposta do público
A apresentação de “Lucy assustadora” desencadeou um debate acalorado em Celoron. Os moradores se organizaram para que a estátua fosse removida, enquanto outros defendiam seu mérito artístico. A estátua se tornou fonte de fascínio e zombaria, atraindo milhares de visitantes ansiosos para ver a estranha criação. Apesar da controvérsia, “Lucy assustadora” permaneceu no parque por anos, um testemunho do poder duradouro da opinião pública.
A evolução das estátuas de Lucille Ball
A estética contrastante de “Nova Lucy” e “Lucy assustadora” destaca a evolução das estátuas de Lucille Ball em Celoron. “Nova Lucy” representa uma abordagem mais tradicional, capturando a imagem de Ball de uma forma lisonjeira e idealizada. “Lucy assustadora”, por outro lado, reflete uma interpretação mais original e bem-humorada do legado da comediante. As duas estátuas oferecem aos visitantes uma oportunidade única de explorar diferentes facetas da personalidade de Ball.
A importância da arte pública
O debate em torno das estátuas de Lucille Ball em Celoron enfatiza a importância da arte pública para moldar o cenário cultural de uma comunidade. As estátuas e outras formas de arte pública servem como símbolos de valores compartilhados, eventos históricos e figuras influentes. Elas podem inspirar orgulho, fomentar o diálogo e atrair visitantes de todas as partes.
O legado de Lucille Ball
Tanto “Nova Lucy” quanto “Lucy assustadora” homenageiam o legado duradouro de Lucille Ball como uma das mulheres mais inovadoras da comédia americana. Sua capacidade de fazer o público rir e se conectar com seus personagens deixou uma marca indelével na cultura popular. As estátuas de Celoron são um lembrete do talento de Ball, seu impacto no mundo e sua conexão especial com a cidade onde cresceu.
Uma peregrinação para os fãs
Para os fãs de Lucille Ball, uma visita a Celoron é essencial. A presença de “Nova Lucy” e “Lucy assustadora” oferece um vislumbre da personalidade multifacetada de Ball e do poder duradouro de seu legado. Quer optem por admirar a “Nova Lucy” mais convencional ou a peculiar “Lucy assustadora”, os visitantes sairão com uma apreciação mais profunda pela comediante que trouxe tanta alegria ao mundo.
John Krasinski’s Masterful Creation: ‘A Quiet Place’
Crafting a Genre-Bending Horror Masterpiece
John Krasinski, o amado ator que se tornou diretor, embarcou em uma ousada jornada cinematográfica com “A Quiet Place”, um filme de terror inovador que quebrou as convenções do gênero. Partindo da dependência tradicional de sangue, Krasinski empregou o silêncio como um instrumento arrepiante de suspense, amplificando o medo primitivo de proteger os entes queridos em um mundo perigoso.
A Personal Connection to the Story
O roteiro, escrito por Bryan Woods e Scott Beck, ressoou profundamente com Krasinski, um novo pai assombrado pelo medo de não proteger seus filhos. Ele viu o potencial para uma história de terror envolvente enraizada nessa ansiedade parental universal. Ele revisou meticulosamente o roteiro para sublinhar a situação de uma família lutando pela sobrevivência em um ambiente hostil habitado por criaturas alienígenas com audição aguçada.
Directing with Confidence and Innovation
Pela primeira vez, Krasinski assumiu o papel de diretor com confiança inabalável. Ele estudou meticulosamente filmes de terror clássicos, analisando cada elemento que havia incutido medo nele como espectador. Inspirado pelo poder do silêncio em filmes como “There Will Be Blood” e “No Country for Old Men”, ele ousadamente criou um roteiro com apenas 90 linhas de diálogo, permitindo que os silêncios amplificassem a tensão e o pavor.
Meticulous Attention to Detail
O compromisso de Krasinski em criar uma experiência profundamente imersiva se estendeu além do roteiro. Ele vasculhou meticulosamente listagens de imóveis para encontrar o cenário perfeito para uma fazenda no interior do estado de Nova York, imbuindo o filme com uma sensação palpável de autenticidade. Ele adornou a casa com fotografias pessoais de sua família, borrando ainda mais a linha entre ficção e realidade.
Innovative Cinematography and Production Techniques
Krasinski empregou cinematografia e técnicas de produção inovadoras para aprimorar o impacto visceral do filme. Ele recriou um sistema de alerta medieval amarrando luzes pela propriedade, simulando o método primitivo de alerta contra ameaças que se aproximam. Ele até mesmo representou fisicamente as criaturas alienígenas no set, ajudando seus jovens colegas de elenco, Noah Jupe e Millicent Simmonds, a reagir autenticamente aos seus adversários invisíveis.
Critical Acclaim and Audience Adoration
“A Quiet Place” estreou com aplausos estrondosos e aclamação da crítica. O público ficou cativado por sua premissa única e aterrorizante, elogiando sua narrativa magistral e execução cheia de suspense. O sucesso de bilheteria do filme, arrecadando mais de US$ 300 milhões com um orçamento modesto de US$ 17 milhões, solidificou ainda mais seu status como um triunfo cinematográfico.
A Personal and Professional Journey
Para Krasinski, “A Quiet Place” representou mais do que apenas um filme; foi um esforço profundamente pessoal e profissional. Ele expressou sua gratidão pelo apoio irrestrito dos fãs que abraçaram o retrato íntimo e humanizador do filme dos laços familiares. Desde seu lançamento, ele continuou a ultrapassar os limites da produção cinematográfica, produzindo projetos premiados e estrelando o emocionante thriller político da Amazon “Tom Clancy’s Jack Ryan”.
Anticipation for the Sequel
Enquanto Krasinski se prepara para a produção da tão esperada sequência de “A Quiet Place”, ele promete permanecer fiel ao espírito do original enquanto explora novas dimensões da história. Ele vê a sequência não como uma mera decisão de negócios, mas como uma extensão de sua jornada artística e uma prova do poder duradouro dos temas do filme.
Título: EMP de Seattle: uma jornada interativa pelo mundo da música pop
História e visão
O Experience Music Project (EMP) de Seattle é um museu inovador que celebra e explora a rica história da música pop americana. Fundado pelo cofundador da Microsoft, Paul G. Allen, e sua irmã Jody Allen Patton, o EMP abriu suas portas em 2000 como um testemunho do poder transformador da música.
Inspirado pelo legado de Jimi Hendrix, natural de Seattle, a missão do EMP é proporcionar aos visitantes uma experiência imersiva e interativa que desmistifica a criatividade musical e incentiva a participação.
Maravilha arquitetônica
O edifício do EMP, projetado pelo renomado arquiteto Frank Gehry, é uma obra de arte por si só. Seu exterior brilhante e colorido, inspirado nos acabamentos vibrantes das guitarras, domina a paisagem do Seattle Center.
No interior, os visitantes são recebidos por um ambiente dinâmico e interativo. Tecnologia de ponta e exposições inovadoras convidam os visitantes a explorar a história da música rock, aprender sobre os instrumentos e técnicas que moldam seu som e até mesmo criar sua própria música.
Exposições interativas
As exposições interativas do EMP oferecem uma maneira única e envolvente de vivenciar a música. Os visitantes podem:
- Subir ao palco na exposição “On Stage” e tocar ao lado de estrelas do rock virtuais, graças a instrumentos e vocais gerados por computador.
- Traçar a evolução da música rock, de suas raízes no blues ao hip-hop e ao punk, na exposição “Roots of Rock”.
- Conhecer as guitarras icônicas de Jimi Hendrix, Roger McGuinn e outros músicos lendários na “Guitar Gallery”.
- Explorar o processo criativo por trás da composição e produção de músicas na exposição “Studio Experience”.
Artefatos e coleções raras
O EMP abriga uma vasta coleção de artefatos raros e icônicos que contam a história da música pop americana. Os visitantes podem ver:
- Letras manuscritas originais e partituras de músicos lendários.
- Instrumentos antigos e figurinos de palco que enfeitaram os palcos mais famosos do mundo.
- Lembranças pessoais e imagens dos bastidores dos artistas mais influentes da história da música.
Educação e divulgação
O EMP não é apenas um museu, mas também um centro vibrante de educação musical e divulgação. O museu oferece uma variedade de programas e oficinas para estudantes, educadores e o público em geral.
- Aulas e oficinas com músicos renomados e profissionais da indústria.
- Visitas de escolas e programas educacionais que se alinham aos currículos de música.
- Iniciativas de divulgação comunitária que levam educação musical e experiências a comunidades carentes.
Música ao vivo e eventos
O Sky Church do EMP, um teatro de última geração, recebe uma ampla gama de apresentações musicais ao vivo, de sets acústicos intimistas a shows de rock enérgicos. O museu também possui uma casa noturna que apresenta bandas locais e em turnê.
A jornada do artista
Uma das exposições mais exclusivas e envolventes do EMP é “Artist’s Journey”. Essa experiência de realidade virtual coloca os visitantes no meio de uma festa de rua filmada com James Brown. Os visitantes podem interagir com o ambiente virtual, dançar com Brown e vivenciar a emoção de uma apresentação ao vivo.
Um legado de inovação
Desde sua inauguração, o EMP continuou a evoluir e inovar, oferecendo aos visitantes novas e empolgantes maneiras de se envolver com a música. O compromisso do museu com a interatividade, a educação e a celebração da criatividade musical o tornou um destino querido por amantes da música de todas as idades.
A pintura mais cara já vendida: “Nafea Faa Ipoipo” de Gauguin
Contexto
O mundo das artes testemunhou uma venda recorde esta semana, quando uma pintura de Gauguin foi vendida por quase US$ 300 milhões, superando o recorde anterior em 25%. Esta aquisição destaca os preços crescentes e a intensa competição no mercado de colecionismo de arte.
A pintura e sua história
A obra de arte em questão é “Nafea Faa Ipoipo (Com quem você vai se casar?)” de Gauguin, um retrato com um passado complexo. Ela já fez parte da renomada coleção de Rudolf Staechelin, ex-executivo da Sotheby’s. Staechelin havia emprestado generosamente a pintura ao Kunstmuseum Basel por quase cinco décadas.
No entanto, uma disputa entre Staechelin e a administração do museu sobre os termos do empréstimo o levou a retirar toda a coleção.
A venda e especulações
A identidade do comprador que pagou o preço astronômico pelo Gauguin permanece não confirmada. Rumores sugerem que seja um museu no Catar, conhecido por suas aquisições agressivas de obras de arte caras. Nem o vendedor nem o museu divulgaram oficialmente o destino da pintura.
Impacto em Basileia
A venda de “Nafea Faa Ipoipo” deixou um vazio em Basileia, onde esteve em exibição por meio século. Os moradores da cidade estão profundamente tristes com a perda de uma obra tão apreciada. O incidente serve como um duro lembrete de que mesmo empréstimos permanentes são, em última análise, temporários.
Tendências do mercado de arte
A venda da obra-prima de Gauguin reflete os preços crescentes no mercado de arte. Os colecionadores estão ansiosos para adquirir obras valiosas, ampliando os limites do que é considerado financeiramente viável.
Museus e a ascensão dos paus de selfie
À medida que o mercado de arte floresce, os museus enfrentam novos desafios. A proliferação de paus de selfie gerou preocupações sobre a preservação de coleções inestimáveis. Muitos museus implementaram proibições para proteger seus artefatos de possíveis danos.
Contexto histórico
“Nafea Faa Ipoipo” de Gauguin é uma prova do poder duradouro do impressionismo e do pós-impressionismo. Esses movimentos artísticos revolucionaram a maneira como os artistas representavam luz e cor, deixando um legado duradouro no mundo da arte.
A importância das coleções particulares
As coleções particulares desempenham um papel fundamental na preservação e apreciação da arte. Elas geralmente abrigam obras-primas que, de outra forma, permaneceriam inacessíveis ao público. No entanto, a venda de “Nafea Faa Ipoipo” ressalta a natureza transitória das coleções particulares.
Conclusão
A venda de “Nafea Faa Ipoipo” de Gauguin é um momento decisivo no mundo da arte. Ela destaca a demanda insaciável por obras-primas, os desafios enfrentados pelos museus e o legado duradouro de movimentos artísticos influentes.
The Weed Show: Celebrando a beleza das ervas daninhas do deserto
A exposição de flores única onde as ervas daninhas são as estrelas
Na pequena cidade desértica de Twentynine Palms, Califórnia, há uma exposição floral única que celebra a beleza das ervas daninhas. A Exposição de Ervas Daninhas de Twentynine Palms, que já está em seu 75º ano, é um testemunho da criatividade e engenhosidade dos moradores da cidade.
Origens da Exposição de Ervas Daninhas
A Exposição de Ervas Daninhas nasceu na década de 1930, quando as esposas dos veteranos da Primeira Guerra Mundial que sofriam de doenças cardíacas e pulmonares chegaram a Twentynine Palms. A altitude moderada da área e o ar limpo e seco eram benéficos para sua saúde, mas a paisagem acidentada não tinha as comodidades da sociedade civilizada.
Em um esforço para manter alguma aparência de cultura, as senhoras formaram o Clube das Mulheres de 29 Palms e organizaram uma série mensal de palestras. Em 1940, elas receberam a aclamada artista de gravura Mildred Bryant Brooks. Como era julho e as flores frescas eram escassas, as senhoras se desculparam por não terem nenhuma para recebê-la.
Diz a lenda que Brooks respondeu: “Mas por que vocês precisam de flores frescas quando têm tantas ervas daninhas bonitas?” E com isso, nasceu a Exposição de Ervas Daninhas.
Composições artísticas de vegetação seca
A Exposição de Ervas Daninhas é como uma exposição floral tradicional, mas em vez de rosas ou orquídeas, os participantes criam composições artísticas a partir de vegetação seca. Eles podem inscrever suas criações em 12 categorias diferentes, incluindo uma para ervas daninhas frescas.
Os concorrentes usam uma variedade de materiais naturais encontrados no deserto, como plantas secas, telhas desgastadas, vidro quebrado e latas enferrujadas. Eles complementam suas composições com ferramentas enferrujadas, madeira podre e outros objetos encontrados.
Regras e regulamentos
Embora a Exposição de Ervas Daninhas incentive a criatividade, há algumas regras que os participantes devem seguir. Por exemplo, animais e partes de animais são proibidos, assim como plantas venenosas como a datura. Além disso, apenas adesivos naturais, como lama, seiva e argila, podem ser usados para unir as peças.
Preparação e competição
Os concorrentes sérios participam do Workshop da Exposição de Ervas Daninhas realizado um mês antes do evento principal. Eles trocam dicas e truques e garantem que suas ideias estejam de acordo com as regras da exposição. O workshop também oferece a oportunidade de aprender com “daninheiros” experientes.
Nos dias que antecedem a exposição, os participantes trabalham incansavelmente para aperfeiçoar suas inscrições. Eles reúnem materiais, organizam-nos em composições artísticas e garantem que atendam a todos os requisitos.
Celebrando a sobrevivência
A Exposição de Ervas Daninhas é mais do que apenas uma competição. É uma celebração da beleza única do deserto e da resiliência de seus habitantes. Em uma paisagem onde a sobrevivência é um desafio constante, a Exposição de Ervas Daninhas homenageia as coisas que perduram.
Como diz Pat Rimmington, um dos organizadores da exposição: “A Exposição de Ervas Daninhas é como o deserto. Você não vê nada de especial até começar a procurar”.
Detalhes da Exposição de Ervas Daninhas de 2023
A Exposição de Ervas Daninhas de 2023 será realizada nos dias 7 e 8 de novembro no Old Schoolhouse Museum em Twentynine Palms, Califórnia. A exposição é gratuita e aberta ao público das 12h às 16h no dia 7 de novembro e das 10h às 16h no dia 8 de novembro.