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Câmera Lytro: o futuro da fotografia?

by Jasmine
written by Jasmine

Câmera Lytro: o futuro da fotografia?

Revolucionando o foco e a interatividade

A câmera Lytro é uma invenção inovadora que visa transformar a maneira como capturamos e vivenciamos imagens. Ao contrário das câmeras tradicionais, a Lytro elimina a necessidade de foco manual e introduz um novo patamar de interatividade à fotografia.

Como a câmera Lytro funciona

A câmera Lytro captura muito mais dados do que as câmeras convencionais, incluindo direção e ângulos de luz. Esses dados são armazenados dentro da foto, permitindo que os usuários ajustem o foco após a imagem ter sido tirada. Isso elimina a frustração de fotos borradas ou fora de foco.

Fotos interativas

Um dos recursos mais interessantes da câmera Lytro é sua capacidade de criar fotos interativas. Quando visualizadas em determinadas plataformas, como Facebook ou Flickr, essas fotos permitem que os usuários alterem o foco, criando uma experiência única e envolvente. Isso abre novas possibilidades para contar histórias e expressão artística.

Benefícios da câmera Lytro

  • Criatividade aprimorada: A capacidade de ajustar o foco posteriormente concede aos fotógrafos mais liberdade criativa para explorar diferentes composições e perspectivas.
  • Qualidade de imagem aprimorada: A avançada tecnologia da câmera Lytro captura mais luz e detalhes, resultando em imagens mais nítidas e vibrantes.
  • Facilidade de uso: Com sua simplicidade de apontar e disparar, a câmera Lytro é perfeita tanto para fotógrafos iniciantes quanto experientes.

Limitações da câmera Lytro

  • Modelos iniciais: Os modelos atuais da Lytro possuem capacidade de armazenamento limitada e não podem gravar vídeos.
  • Problemas de compatibilidade: No momento, as imagens da Lytro só podem ser carregadas em Macs.
  • Opções de edição limitadas: Os recursos de edição de fotos ainda são limitados e não há opção de transferência sem fio para imagens.

Aplicativos de edição de fotos para dispositivos móveis

Para aprimorar a experiência Lytro, considere usar aplicativos de edição de fotos para dispositivos móveis como o Snapseed. Esses aplicativos oferecem uma variedade de recursos, de ajustes básicos a efeitos especiais, permitindo que os usuários refinem e personalizem ainda mais suas fotos Lytro.

Outras notícias sobre câmeras e fotos

  • Câmera em pílula para o sistema digestivo: Pesquisadores desenvolveram uma câmera em pílula que pode ser direcionada pelo sistema digestivo para imagens médicas.
  • Câmeras Wi-Fi da Samsung: A Samsung lançou uma linha impressionante de câmeras Wi-Fi na Consumer Electronics Show.
  • Câmera de vídeo HD GoBandit: Esta pequena câmera combina gravação de vídeo com dados de GPS e altímetro, tornando-a ideal para capturar aventuras cheias de ação.
  • Monitoramento de bebês com Wi-Fi: Os monitores de bebê de última geração da BabyPing permitem que os pais monitorem seus bebês remotamente via iPhone, iPad ou iPod Touch.

Demonstração da Lytro pela CNET

Para uma visão prática da câmera Lytro, confira a demonstração de Brian Tong da CNET. Ele mostra como usar a câmera para capturar imagens impressionantes, até mesmo de dinossauros!

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Escultura

Origami: Onde Escultura Encontra Matemática

by Kim
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Origami: Onde Escultura Encontra Matemática

Origami Matemático: Desafiando o Impossível

O teórico do origami computacional Erik Demaine expandiu os limites do origami, criando esculturas que desafiam a compreensão tradicional do que é possível com a dobradura de papel. Alternando dobras de montanha e vale em quadrados concêntricos, Demaine alcançou o antes impossível: paraboloides hiperbólicos, uma forma que era considerada inatingível em origami.

O segredo está nos intrincados padrões de vinco que Demaine cria, resultando em estruturas que “saltam em forma de sela”, parecendo um Pringles. As esculturas de Demaine não são apenas visualmente impressionantes, mas também levantam questões fundamentais sobre a mecânica da dobradura de papel.

A História do Origami

As origens do origami podem ser rastreadas até 1797 no Japão, com a publicação do livro de Akisato Rito “Sembazuru Orikata”. No século XIX, o origami se tornou uma atividade popular em sala de aula na Europa e, na década de 1950, surgiu como uma forma de arte moderna sob a orientação do artista japonês Akira Yoshizawa.

Artistas contemporâneos de origami como Eric Joisel e Robert Lang levaram os limites ainda mais longe, criando figuras humanas e animais realistas e composições complexas que foram exibidas em instituições de prestígio como o Louvre e o Museu de Arte Moderna.

Origami e Matemática

Origami tem uma profunda conexão com a matemática, particularmente com a geometria. O problema de dobra e corte, proposto pela primeira vez em um livro japonês em 1721, pergunta quantas formas diferentes podem ser criadas dobrando um pedaço retangular de papel e fazendo um único corte. A solução de Demaine para este problema secular demonstrou que qualquer forma é possível, dado o projeto geométrico correto.

Origami Computacional

Programas de computador revolucionaram o campo do origami. Softwares como TreeMaker e Origamizer permitem que os usuários projetem e explorem padrões complexos de vinco, possibilitando a criação de formas intrincadas e inovadoras.

Origami em Aplicações Práticas

Além de seu valor artístico, o origami encontrou aplicações práticas em vários campos. As montadoras utilizam a matemática do origami para projetar airbags que se dobram com eficiência. Engenheiros estão explorando o uso de estruturas de origami na nanofabricação, criando objetos planos que podem se transformar em formas 3D. Além disso, os princípios do origami podem auxiliar no projeto de proteínas sintéticas de combate a vírus.

A Dupla Pai e Filho

Erik Demaine e seu pai, Martin, colaboraram para criar esculturas de origami fascinantes. Seu trabalho foi exibido na Galeria Renwick do Smithsonian, demonstrando a intersecção da arte e da matemática.

O Fascínio do Origami

Origami continua cativando artistas e matemáticos, oferecendo uma mistura única de criatividade, precisão e resolução de problemas. Como Demaine diz apropriadamente: “Nós encontramos um problema matemático que inspira uma nova arte e um problema artístico que inspira uma nova matemática.”

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Retrato

Galeria Nacional de Retratos: Uma jornada por novos rostos e novas histórias

by Kim
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Galeria Nacional de Retratos: Uma jornada por novos rostos e novas histórias

Concurso de Retratos Outwin Boochever: Uma plataforma para artistas emergentes

A Galeria Nacional de Retratos (NPG) é reconhecida por sua coleção de retratos que capturam a essência da história e da cultura americana. Em 2006, a NPG lançou o Concurso de Retratos Outwin Boochever, um evento trienal que oferece uma plataforma para artistas emergentes e consagrados exibirem seus talentos e contribuírem para a estimada coleção da galeria.

O concurso, que leva o nome de sua generosa benfeitora Virginia Outwin Boochever, é aberto a artistas de todas as esferas da vida, oferecendo prêmios em dinheiro significativos e a prestigiosa oportunidade de exibir seus trabalhos na principal exposição da NPG. O concurso inaugural focou em retratos pintados e esculpidos, enquanto os futuros concursos se expandirão para incluir desenhos, aquarelas, fotografias, filmes e até mesmo obras digitais e eletrônicas.

O papel do retrato na preservação da história e da cultura

O retrato desempenha há muito tempo um papel vital na preservação da história dos Estados Unidos, oferecendo vislumbres íntimos das vidas e personalidades das principais figuras de nossa nação. De políticos e empresários a cientistas e artistas, a coleção da NPG conta a história da América através dos rostos de seu povo.

Além de sua importância histórica, o retrato também serve como uma forma vibrante de expressão artística. Os retratos permitem que os artistas explorem suas perspectivas únicas e capturem a essência de um indivíduo. O Concurso Outwin Boochever incentiva essa criatividade, promovendo um diálogo entre artistas e espectadores sobre a experiência humana.

Uma jornada por novos rostos e novas histórias

A busca contínua da NPG por novos retratos reflete a natureza dinâmica da sociedade americana e as histórias em constante evolução que precisam ser contadas. A galeria busca encomendar novos retratos de americanos vivos, capturando a diversidade e a riqueza do presente e do futuro de nossa nação.

Por meio dessas novas aquisições, a NPG visa continuar sua missão de preservar a história dos Estados Unidos e, ao mesmo tempo, apoiar artistas jovens talentosos e criativos. O Concurso Outwin Boochever oferece uma plataforma vital para que artistas emergentes ganhem reconhecimento e compartilhem suas visões únicas com o mundo.

Os concorrentes do Outwin Boochever: Uma vitrine de diversas perspectivas

O Concurso Outwin Boochever atrai artistas de diversas origens e estilos artísticos. Artistas emergentes trazem novas perspectivas e técnicas inovadoras, enquanto artistas consagrados emprestam sua expertise e experiência ao concurso.

A variedade de inscrições garante uma exposição diversificada e envolvente que mostra a amplitude e a profundidade do retrato contemporâneo. Os visitantes da NPG podem esperar encontrar uma ampla gama de abordagens artísticas, desde pinturas a óleo tradicionais até obras digitais de vanguarda.

Galeria Nacional de Retratos do Smithsonian: Um destino para arte e história

A NPG é um destino imperdível para quem se interessa por arte, história e cultura. Sua coleção de retratos, que abrange séculos e representa diversos temas, oferece uma janela única para a experiência americana.

O Concurso de Retratos Outwin Boochever se soma ao rico legado da NPG, fornecendo uma plataforma para artistas emergentes e enriquecendo a coleção da galeria com novos rostos e novas histórias. Os visitantes podem explorar a exposição e descobrir os diversos talentos dos artistas de retrato contemporâneos, ao mesmo tempo em que obtêm uma compreensão mais profunda do papel do retrato na preservação da história e na inspiração da criatividade.

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Música

Evolução da música em videogames: de Tetris às vozes humanas

by Kim
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A evolução da música em videogames: como Tetris e Super Mario Land foram pioneiros em melodias icônicas

Primeiras tecnologias de som e surgimento das placas de som

Na era de ouro dos games, antes do advento de sistemas de som sofisticados, as melodias icônicas de Tetris e Super Mario Land cativaram toda uma geração de jogadores. Mas como esses primeiros videogames criaram trilhas sonoras tão lendárias?

A resposta está nas primitivas capacidades sonoras dos primeiros computadores domésticos. Seus “alto-falantes de bipe” integrados só podiam produzir uma gama limitada de sons, consumindo excessivo poder de processamento. Para superar essa limitação, os programadores desenvolveram placas de som, dispositivos de hardware que podiam ser conectados à placa-mãe de um computador, liberando a CPU para outras tarefas.

O alvorecer dos canais de áudio e “vozes”

Embora rudimentares, essas primeiras placas de som permitiam que compositores de videogames criassem música acessando diferentes canais de áudio ou “vozes”. Cada voz era programada para produzir sons específicos, semelhantes aos instrumentos de uma banda.

Diferentes consoles tinham configurações únicas de placas de som, resultando em paisagens sonoras distintas. Por exemplo, o Nintendo Entertainment System (NES) dedicava cada canal a um tipo específico de som, como baixo, melodia ou percussão.

Commodore 64: uma tela musical versátil

Em contraste, o Commodore 64 tinha menos canais de áudio, mas oferecia maior flexibilidade. Seus canais não eram designados para sons específicos, o que permitia aos compositores criar trilhas de áudio mais ricas e complexas. Essa versatilidade fez do Commodore 64 uma plataforma favorita para músicos de jogos.

Sega Genesis: imitando vozes humanas

O Sega Genesis levou ainda mais longe os limites da tecnologia de som, introduzindo a capacidade de imitar vozes humanas. Esse avanço, exibido no icônico jogo Sonic the Hedgehog, ocupava supostamente uma parte significativa do espaço de armazenamento do cartucho.

O impacto do som nos primeiros videogames

As trilhas sonoras dos primeiros videogames não apenas aprimoraram a experiência de jogo, mas também desempenharam um papel crucial na formação da identidade de cada sistema. Assim como o estilo único de um músico, cada console tinha sua própria assinatura sonora.

As limitações das primeiras placas de som forçaram os compositores a serem criativos e engenhosos, resultando em melodias memoráveis e duradouras. Essas trilhas sonoras icônicas continuam inspirando e influenciando a música de videogames modernos, nos lembrando das origens humildes desse aspecto essencial dos jogos.

Uma jornada pela história das trilhas sonoras de videogames

Para se aprofundar na fascinante história das trilhas sonoras de videogames, explore os seguintes recursos:

  • Vídeo ensaio de 8-Bit Guy sobre a música dos primeiros videogames
  • Artigo da Motherboard sobre o papel das placas de som nos jogos
  • Exploração das capacidades de som do Commodore 64 pela Popular Mechanics
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filme

O beisebol nas telas: uma jornada cinematográfica

by Zuzana
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O beisebol nas telas: uma história cinematográfica

Beisebol e cinema: uma relação de longa data

O beisebol e o cinema têm uma longa e intrincada história, que remonta aos primórdios do esporte. De fato, o beisebol foi retratado no cinema já em 1899, poucos anos após a invenção das imagens em movimento.

Embora o beisebol tenha sido inicialmente usado como pano de fundo ou cenário em filmes, gradualmente se tornou um tema central, especialmente durante a “era da bola morta” do início dos anos 1900. Esse período testemunhou um aumento na popularidade do beisebol, que foi acompanhado por um aumento na popularidade dos filmes.

O beisebol como metáfora

Como o futebol americano, o beisebol se tornou uma metáfora universal nos filmes, uma forma de examinar personagens, refletir sobre a sociedade e questionar a autoridade. Por exemplo, o filme de 1909 “His Last Game” explorou os temas de jogos de azar ilegais, alcoolismo e pena de morte por meio da história de um jogador de beisebol choctaw forçado a perder um jogo.

Lendas do beisebol no cinema

Lendas do beisebol da vida real também chegaram à tela grande. Babe Ruth, por exemplo, apareceu como ele mesmo no filme de 1920 “Headin’ Home”. Outras estrelas do beisebol fizeram participações especiais em filmes, incluindo Tris Speaker em “Heroes All” e Mickey Mantle e Roger Maris em “That Touch of Mink”.

Beisebol na comédia

O beisebol também tem sido um tema popular para filmes de comédia. Comediantes como John Bunny e Buster Keaton incorporaram piadas de beisebol em seus filmes. Keaton, em particular, adorava beisebol e até interpretou uma versão pré-histórica do jogo em “The Three Ages”.

Beisebol em desenhos animados

Desenhos animados também tiveram muito sucesso com o beisebol. Felix, o Gato, salva o dia em “Felix Saves the Day” (1922), enquanto Popeye e Brutus lutam no diamante em “The Twisker Pitcher” (1937). Pernalonga até enfrenta os Gorilas Gas-House sozinho em “Baseball Bugs” (1946).

Filmes de beisebol de fantasia

A fantasia tem sido um gênero popular para filmes de beisebol, com histórias que geralmente transmitem uma mensagem moral. Em “It Happens Every Spring” (1949), um professor universitário descobre um composto que repele madeira, permitindo que ele se torne um arremessador da liga principal de beisebol. No entanto, ele aprende que deve contar consigo mesmo, e não com poções, para ter sucesso.

O ápice: Campo dos Sonhos

O melhor filme de fantasia de beisebol é sem dúvida “Campo dos Sonhos” (1989), baseado no romance “Shoeless Joe” de W.P. Kinsella. O filme conta a história de um fazendeiro problemático que constrói um campo de beisebol em seu milharal, atraindo os fantasmas de jogadores lendários de beisebol. “Campo dos Sonhos” é um filme comovente e reconfortante que explora os temas de perda, redenção e o poder dos sonhos.

Filmes de beisebol: um reflexo da sociedade

Os filmes de beisebol não apenas entretiveram o público, mas também refletiram as mudanças sociais e culturais de sua época. Dos escândalos do início dos anos 1900 à ascensão da fantasia em meados do século 20, os filmes de beisebol capturaram o espírito de seu tempo.

Se você é fã de beisebol ou simplesmente gosta de um bom filme, certamente haverá um filme de beisebol que agradará a você. Então pegue um pouco de pipoca, sente-se e aproveite o show!

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Música

O Legado Duradouro da Música Nativa Americana na Cultura Popular

by Kim
written by Kim

O Legado Duradouro da Música Nativa Americana na Cultura Popular

Influenciando a Trilha Sonora do Século XX

Das baladas comoventes da música country aos acordes de poder eletrizantes do rock, os músicos nativos americanos deixaram uma marca indelével na tapeçaria da música americana. Seus ritmos e perspectivas únicos moldaram gêneros, inspiraram inúmeros artistas e continuam a ressoar com o público hoje.

Fio Condutor Rítmico

De acordo com o guitarrista apache Stevie Salas, os músicos nativos americanos geralmente compartilham um fio condutor rítmico distinto que permeia sua música, independentemente do gênero. Essa semelhança lhes permitiu se misturar perfeitamente com diversos estilos musicais, do pop e rock ao R&B e country.

Contribuições para a Cultura Popular

Músicos nativos americanos desempenharam um papel fundamental em moldar a cultura popular. Jesse Ed Davis, um renomado guitarrista de sessão, apoiou artistas lendários como Eric Clapton, Rod Stewart e Jackson Browne. Link Wray, um guitarrista shawnee, inventou o acorde de poder reverberante, um som definidor para bandas como Led Zeppelin e The Who.

Raízes Indígenas na Música Contemporânea

Embora alguns músicos nativos americanos tenham alcançado o estrelato sem divulgar sua herança, outros encontraram inspiração em suas raízes indígenas. Pete Seeger, um cantor folk descendente de Narragansett, compôs canções que abordavam as lutas contemporâneas dos nativos americanos. Buffy Sainte-Marie, uma cantora e compositora cree, ganhou um Oscar por sua canção “Up Where We Belong”, que reflete seu compromisso com a educação e a justiça social dos nativos americanos.

O Impacto das Perspectivas Indígenas

As contribuições dos músicos nativos americanos vão além de suas habilidades técnicas. Eles trouxeram perspectivas culturais únicas para a música popular, enriquecendo seus temas e mensagens. Johnny Cash, um artista não nativo americano, gravou um álbum de baladas de protesto de nativos americanos, destacando a situação dos povos indígenas.

Sucesso e Inspiração Global

Apesar de enfrentarem desafios e estereótipos, os músicos nativos americanos alcançaram sucesso global. Stevie Salas colaborou com diversos artistas como Justin Timberlake, Rod Stewart e George Clinton. Ele enfatiza a importância da versatilidade e de abraçar a própria herança enquanto busca uma carreira global.

Ritmo, Cultura e Influência Global

O fio condutor rítmico que percorre a música nativa americana reflete não apenas suas experiências compartilhadas, mas também sua profunda conexão com sua cultura. Este ritmo influenciou o som da música popular em todo o mundo, demonstrando o legado duradouro dos músicos nativos americanos.

Inspirando as Gerações Futuras

Salas espera que a exposição “Up Where We Belong” no Museu Nacional do Índio Americano inspire uma nova geração de músicos nativos a abraçar sua herança e perseguir seus sonhos. Ele encoraja jovens artistas a superar obstáculos e buscar seus próprios caminhos únicos para o sucesso global.

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Arte Antiga

As cores escondidas da Grécia Antiga: uma viagem no tempo

by Kim
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Devolvendo cor à Grécia Antiga: O vibrante mundo da escultura grega

No reino da arte e da história, as estátuas de mármore branco da Grécia Antiga há muito ocupam um lugar de reverência. No entanto, pesquisas modernas desafiam essa percepção tradicional, revelando que essas esculturas já foram adornadas com pigmentos chamativos, transformando sua aparência e imbuindo-as de um significado mais profundo.

Cor e forma: uma dupla dinâmica

Os escultores gregos antigos eram mestres tanto da forma quanto da cor. Eles entendiam o poder da cor para realçar o impacto emocional e a narrativa de suas obras. A união da cor e da forma criou uma experiência dinâmica e envolvente para os espectadores, trazendo os deuses e deusas à vida de uma forma que o mármore branco sozinho não poderia alcançar.

Afrodite: uma deusa em cores vivas

Afrodite, a deusa do amor, da beleza e do prazer sexual, era um tema popular para os artistas gregos. Suas estátuas, frequentemente retratadas em forma nua idealizada, tornaram-se símbolos icônicos da arte clássica. No entanto, as versões em mármore branco que conhecemos hoje estão muito distantes de sua aparência original.

Vinzenz Brinkmann, um arqueólogo alemão e pioneiro em técnicas de restauração de cores, criou uma reconstrução fotomecânica da Vênus de Lovatelli romana do século I d.C., uma estátua de Afrodite escavada em Pompeia. Esta reconstrução, baseada em uma análise meticulosa de vestígios de tinta sobreviventes, revela uma deusa incrivelmente vibrante e colorida.

A Vênus de Lovatelli mostra a sinergia entre forma e cor. A borda pesada e ricamente colorida de seu manto enfatiza a antecipação de sua iminente despir, adicionando uma camada narrativa à escultura.

Cor e significado na arte grega

Além de seu apelo estético, a cor desempenhou um papel significativo no simbolismo e no significado da arte grega. Susanne Ebbinghaus, historiadora da arte de Harvard, aponta para uma passagem em “Helena” de Eurípides, onde a arrependida Helena lamenta seu papel em desencadear a Guerra de Troia. Ela expressa o desejo de se desfazer de sua beleza, “como você limparia a cor de uma estátua”.

Essa passagem destaca a natureza dual da cor na arte grega. Por um lado, poderia ser facilmente removida, simbolizando a natureza superficial e transitória da beleza. Por outro lado, a cor também era vista como a essência de uma imagem, incorporando sua beleza e poder.

A Vênus de Lovatelli: um tesouro privado

A Vênus de Lovatelli não é apenas uma obra-prima artística, mas também uma prova da tendência crescente de colecionismo privado de arte na Grécia Antiga. Esta estátua, com suas cores vibrantes e floreios decorativos, adicionou um toque de opulência a uma casa abastada.

Restauração da cor: revelando o passado

As técnicas de restauração de cor de Vinzenz Brinkmann revolucionaram nossa compreensão da escultura grega antiga. Ao analisar vestígios de tinta sobreviventes usando métodos não invasivos, como espectroscopia de absorção UV-Vis, Brinkmann conseguiu recriar fielmente as cores originais dessas obras icônicas.

Este processo de restauração de cor nos permite experimentar a arte grega antiga de uma forma que antes era impossível. Ele traz as esculturas à vida, revelando o mundo vibrante de cores que outrora as adornou e aprofundando nossa apreciação pela arte e significado cultural desta notável civilização.

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Arte Asiático

Uma joia budista coreana do passado revelada na Galeria Sackler

by Zuzana
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Uma rara e antiga obra-prima budista coreana revelada

Um tesouro com séculos de existência

Uma notável escultura budista coreana, que remonta à Dinastia Goryeo (918-1392), está em exibição na Galeria de Arte Arthur M. Sackler em Washington, D.C. Esta requintada figura dourada de madeira de Gwaneum, o bodhisattva da compaixão, é a escultura mais antiga de seu tipo preservada na Coreia.

O compassivo Bodhisattva

Bodhisattvas são seres iluminados que optam por permanecer conectados ao mundo material para ajudar a humanidade. Gwaneum, também conhecido como Avalokiteshvara em sânscrito, é o bodhisattva mais popular no Leste Asiático. As pessoas costumam recorrer a Gwaneum em busca de cuidado, bondade e proteção.

Artesanato excepcional

O período Goryeo foi uma época de grandes realizações artísticas na Coreia. A escultura de Gwaneum na Galeria Sackler é um testemunho da habilidade e do talento dos entalhadores e douradores de madeira da época. A figura tem dois pés de altura e é construída com 15 peças de pinho, unidas por grampos e pregos. Ela usa uma elaborada coroa de metal e ostenta uma urna de cristal na testa, representando o terceiro olho ou a visão do mundo divino.

Dedicação sagrada

Quando a escultura de Gwaneum foi concluída no século XIII, ela foi preenchida com textos sagrados e objetos simbólicos, tanto em sua cabeça quanto em seu corpo. Este ato de dedicação deu à escultura vida espiritual para os fiéis. Os materiais a transformaram de um mero pedaço de madeira entalhada em uma representação da presença divina.

Contexto histórico

O budismo chegou à Coreia no século IV e já era amplamente praticado quando a escultura de Gwaneum foi criada. Os materiais ricos e o artesanato elaborado da escultura sugerem que ela foi encomendada por um patrono abastado, provavelmente um membro da corte real.

Durante o período Goryeo, a Coreia sofreu invasões e ocupações, o que levou à destruição de grande parte de sua cultura material, incluindo esculturas budistas. A sobrevivência desta escultura de Gwaneum é um testemunho de sua importância duradoura para o povo coreano.

Significado contemporâneo

A exposição da escultura de Gwaneum na Galeria Sackler não é apenas uma oportunidade de admirar uma rara obra de arte, mas também uma chance de aprender sobre a história e o significado do budismo na Coreia. A escultura é complementada por um pergaminho da coleção Freer|Sackler, retratando Gwaneum em sua morada nas rochas acima das ondas do mar.

A justaposição dessas duas representações de Gwaneum, feitas com um século de diferença, oferece aos visitantes um vislumbre único do apelo duradouro e do poder transformador deste compassivo bodhisattva.

Destaques adicionais

  • Pesquisas recentes, incluindo raios-X e análise de materiais, revelaram que a escultura contém conteúdos de diferentes períodos de tempo, indicando que ela foi aberta e rededicada pelo menos uma vez.
  • Uma varredura 3D da escultura permite que os espectadores visualizem sua construção e a colocação original dos materiais de dedicação.
  • Junto com a exposição, monges budistas coreanos demonstrarão um ritual de dedicação contemporâneo, oferecendo aos visitantes insights sobre as tradições vivas do budismo.

“Dedicação Sagrada: Uma Obra-Prima Budista Coreana” está em exibição na Galeria de Arte Arthur M. Sackler até 22 de março de 2020.

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Design gráfico

The Enduring Legacy of the ‘Keep Calm and Carry On’ Poster: A Symbol of Resilience and Austerity

by Kim
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A História e o Impacto do Icônico Cartaz “Keep Calm and Carry On”

Origens e Design

Durante o período tumultuado da Segunda Guerra Mundial, o governo britânico encomendou uma série de cartazes de propaganda para impulsionar o moral público. Entre eles estava o agora icônico cartaz “Keep Calm and Carry On”, criado em 1939. Ele apresentava uma tipografia sem serifa distinta em um fundo de cor sólida, encimada por uma coroa.

Distribuição Inicial e Destino

O cartaz “Keep Calm” foi destinado à distribuição em massa após a eclosão da guerra. No entanto, foi considerado muito brando e pouco inspirador, e seu lançamento foi adiado. Apenas um pequeno número de exemplares foi impresso, e a maioria foi posteriormente descartada devido à escassez de papel em tempo de guerra.

Redescoberta e Revitalização

Em 2000, Stuart e Mary Manley, proprietários da Barter Books em Northumberland, encontraram um exemplar do cartaz “Keep Calm” em uma caixa de livros usados. Eles o emolduraram e exibiram em sua loja, onde rapidamente ganhou popularidade. Ao longo da década seguinte, a imagem do cartaz se espalhou por meio de cópias e paródias, tornando-se um dos memes mais reconhecíveis do século XXI.

Nostalgia da Austeridade e Significado Cultural

O ressurgimento do cartaz “Keep Calm” foi atribuído ao conceito de “nostalgia da austeridade”. Em tempos de crise econômica, como a crise do crédito de 2008 e o referendo do Brexit, as pessoas tendem a buscar conforto em símbolos nostálgicos de um tempo mais simples. A mensagem de resiliência e estoicismo do cartaz ressoou com pessoas que enfrentam adversidades.

Outros Cartazes de Propaganda da Série

O cartaz “Keep Calm” fazia parte de uma série de três cartazes de propaganda projetados pelo governo britânico. Os outros dois apresentavam os slogans “Your Courage, Your Cheerfulness, Your Resolution Will Bring Us Victory” e “Freedom Is in Peril. Defend It With All Your Might”. Esses cartazes foram amplamente distribuídos durante a guerra e desempenharam um papel significativo na formação da opinião pública.

Preocupações do Governo e Dúvidas

Apesar de sua eventual popularidade, o cartaz “Keep Calm” inicialmente gerou preocupações dentro do governo. Algumas autoridades temiam que o Tesouro ficasse ressentido por ser instruído sobre o que fazer, enquanto outras temiam que o cartaz fosse muito comum para inspirar ou pudesse até mesmo irritar as pessoas ao duvidar de sua resiliência.

Descobrindo Cópias Escondidas e Relevância Renovada

Durante décadas, apenas a cópia dos Manleys e uma outra eram conhecidas. No entanto, em 2012, o “Antiques Roadshow” da BBC descobriu um lote de 20 cartazes “Keep Calm”, gerando um interesse renovado em sua história. Com a decisão do Reino Unido de deixar a UE, a mensagem do cartaz ganhou nova relevância, refletindo a resiliência da nação diante da incerteza política e econômica.

Conclusão

O cartaz “Keep Calm and Carry On” se tornou um ícone cultural duradouro, incorporando o espírito de resiliência e estoicismo diante da adversidade. Sua redescoberta e revitalização foram alimentadas pela nostalgia e sua relevância para os desafios contemporâneos. De suas origens humildes como uma ferramenta de propaganda de guerra ao seu status como um meme amado, o cartaz continua a inspirar e ressoar com pessoas ao redor do mundo.

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