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Escultura

Whimsical Felt Food Bodega: Lucy Sparrow’s ‘8 Till Late’ Installation

by Jasmine
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Felt Food Bodega: Uma instalação artística peculiar de Lucy Sparrow

O conceito

Imagine uma mercearia cheia até a borda com mantimentos, mas em vez de serem feitos de ingredientes comestíveis, tudo é meticulosamente trabalhado em feltro. Esta é a criação encantadora da artista Lucy Sparrow, que transformou alimentos embalados mundanos em obras de arte extravagantes.

A artista

Lucy Sparrow é uma artista britânica conhecida por suas criações únicas e divertidas. Sua exposição anterior, “The Cornershop”, apresentava uma loja de conveniência totalmente abastecida feita inteiramente de feltro. Para seu projeto mais recente, Sparrow trouxe seu conceito de comida de feltro para Nova York, abrindo uma bodega pop-up chamada “8 Till Late”.

A bodega

Localizada no Standard, High Line, “8 Till Late” assemelha-se a uma loja de conveniência clássica, completa com um balcão de carnes artificiais e prateleiras forradas com caixas e latas familiares. No entanto, ao inspecionar mais de perto, os visitantes descobrirão que tudo no interior é feito de feltro macio e colorido.

De testes de gravidez a balas Tootsie Rolls, cereais a doces, Sparrow recriou meticulosamente uma ampla gama de itens de mercearia do dia a dia. Sua atenção aos detalhes é notável, capturando a marca e a embalagem icônicas de produtos conhecidos.

A inspiração

A inspiração de Sparrow para suas criações de comida de feltro vem de seu fascínio pela resposta emocional evocada por produtos embalados. Ela acredita que a familiaridade e a nostalgia associadas a esses itens podem desencadear uma sensação de alegria e conforto.

Ao transformar esses objetos cotidianos em réplicas de feltro macias e divertidas, Sparrow desarma seus aspectos “ásperos e feios” e convida os espectadores a se envolverem com eles de uma maneira nova e inesperada.

A experiência

Entrar em “8 Till Late” é como entrar em um mundo surreal e excêntrico. Os visitantes podem passear pelos corredores, admirando as intrincadas criações de feltro e se maravilhando com o grande volume de itens em exibição.

Sparrow estará até mesmo presente para fazer “sanduíches” para os visitantes, usando fatias de pão de feltro, frios e queijo. Essas interações divertidas adicionam uma camada extra de capricho à experiência.

O impacto

“8 Till Late” desafia nossas percepções sobre consumismo, arte e até mesmo comida falsa. Ele nos convida a questionar a natureza de nossos relacionamentos com objetos cotidianos e a apreciar sua beleza e absurdo ocultos.

Seja você um fã de arte, feltro ou simplesmente aprecie o inesperado, “8 Till Late” é uma exposição imperdível. Mergulhe em um mundo cheio de feltro e deixe as criações extravagantes de Lucy Sparrow despertar sua imaginação.

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História da Arte

Madame de Pompadour: Mais que uma amante

by Kim
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Madame de Pompadour: Mais que uma amante

Política

Jeanne Antoinette Poisson, mais conhecida como Madame de Pompadour, não foi apenas a amante oficial do rei Luís XV. Sua posição era altamente política, e ela desempenhou um papel importante nos acontecimentos da França do Iluminismo.

Durante uma época de tensão política que antecedeu a Revolução Francesa, Pompadour se tornou alvo de críticas. Ela foi responsabilizada pelos fracassos da França na Guerra dos Sete Anos e pelas crescentes dívidas da corte. No entanto, os historiadores agora reconhecem que ela também atuou como uma espécie de primeira-ministra, controlando o acesso ao rei e fazendo declarações públicas em seu nome.

Apesar de suas falhas, a influência política de Pompadour não se deveu apenas ao seu relacionamento com o rei. Na competitiva corte de Versalhes, todos buscavam poder e influência, e Pompadour não foi exceção.

Arte

Além de seu papel político, Pompadour foi uma reconhecida mecenas e criadora de arte. Ela encomendou e selecionou obras de artistas renomados, exibindo-as em sua coleção particular e na corte.

Os interesses artísticos de Pompadour se estenderam à produção. Ela apoiou a fábrica real de porcelana de Sèvres, que produzia peças requintadas e outros objetos. Ela também desempenhou um papel fundamental na indústria da tapeçaria.

Conhecimento

Durante o Iluminismo francês, as mulheres que podiam interpretar e apoiar a inovação artística e científica desempenharam um papel vital. Pompadour foi uma dessas mulheres. Ela conheceu e patrocinou figuras do Iluminismo como Voltaire.

Como protetora dos autores e editora da Encyclopédie, Pompadour desempenhou um papel fundamental na disseminação do pensamento progressista. A Encyclopédie, a primeira enciclopédia francesa, desafiou as crenças e instituições tradicionais, tornando-se um catalisador intelectual para a Revolução Francesa.

Legado de Pompadour

O legado de Madame de Pompadour foi moldado pela tendência histórica de ignorar as contribuições das mulheres. No entanto, pesquisas recentes começaram a reconhecer a extensão total de sua influência na política, arte e conhecimento.

Pompadour foi uma figura complexa e multifacetada. Ela não era simplesmente uma amante, mas uma política habilidosa, uma mecenas apaixonada pelas artes e uma defensora do Iluminismo. Suas contribuições para a história da França merecem ser lembradas e celebradas.

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História da Arte

Itália exibe artefatos recuperados no Museu de Arte Resgatada

by Jasmine
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Museu de Arte Resgatada exibe a bem-sucedida recuperação de artefatos roubados pela Itália

Artefatos roubados encontram um lar no novo Museu de Roma

A Itália tem uma rica história de recuperação de artefatos roubados, e agora um novo museu em Roma exibe as histórias de sucesso do país. O Museu de Arte Resgatada, inaugurado este mês, exibe artefatos que foram roubados em todo o país e contrabandeados para os Estados Unidos.

A primeira exibição apresenta aproximadamente 100 artefatos etruscos, gregos e romanos, incluindo estatuetas esculpidas, vasos pintados e um busto de mármore do imperador romano Sétimo Severo. Muitas das peças datam do século VIII ao IV a.C. e vêm da antiga cidade etrusca de Cerveteri.

Compromisso da Itália com a recuperação de arte

A Itália tem feito esforços significativos para recuperar artefatos roubados, liderados principalmente pela Unidade de Proteção do Patrimônio Cultural dos Carabinieri. A unidade, fundada em 1969, tem desempenhado um papel crucial na repatriação de obras de arte roubadas.

Um sucesso notável foi a recuperação do busto de mármore de Sétimo Severo, que foi roubado de um museu italiano em 1984. O busto foi encontrado em Nova York quase quatro décadas depois, pouco antes de ser leiloado na Christie’s.

Missão do Museu

O Museu de Arte Resgatada serve a vários propósitos importantes. Ele exibe os esforços bem-sucedidos de recuperação da Itália, aumenta a conscientização sobre a importância de proteger o patrimônio cultural e oferece uma oportunidade para o público ver artefatos raros e valiosos.

As exibições do museu mudarão a cada dois meses, com os objetos sendo devolvidos às suas localizações originais. Isso permite que o museu compartilhe os artefatos recuperados com o maior número possível de pessoas, respeitando os direitos dos proprietários legítimos.

A estátua de um jovem vitorioso: um estudo de caso

Um dos casos mais famosos de recuperação de arte roubada envolve a Estátua de um Jovem Vitorioso. A estátua, criada por volta de 300 a 100 a.C., foi encontrada por um barco de pesca italiano na década de 1960 e comprada pelo J. Paul Getty Museum em 1977.

Apesar de uma decisão judicial de 2018 determinando que o Getty deveria devolver a estátua, o museu ainda a mantém em sua coleção. O caso destaca os desafios e as complexidades da repatriação de artefatos roubados, especialmente quando eles são mantidos por instituições de prestígio.

Protegendo e preservando o patrimônio cultural

O Museu de Arte Resgatada é uma prova do compromisso da Itália em proteger e preservar seu patrimônio cultural. Os artefatos em exposição representam uma história e identidade compartilhadas, e o museu serve como um lembrete da importância de preservar esses tesouros para as gerações futuras.

Conclusão:

O Museu de Arte Resgatada é uma instituição cultural única e importante que exibe os esforços bem-sucedidos da Itália para recuperar artefatos roubados. As exposições do museu oferecem um vislumbre da rica história do país, aumentam a conscientização sobre a importância da proteção do patrimônio cultural e inspiram as gerações futuras a apreciar e preservar seu legado cultural.

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Patrimônio arquitetônico

Centro cultural vai homenagear Budas de Bamiyan destruídos

by Kim
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Centro Cultural Afegão planejado para homenagear as estátuas de Buda destruídas pelo Taleban

Contexto

Em março de 2001, o Taleban destruiu duas estátuas colossais de Buda que ficaram no Vale de Bamiyan, no Afeganistão, por aproximadamente 1.500 anos. As estátuas, consideradas as maiores do gênero no mundo, eram parte integrante do budismo e da cultura local. Sua destruição causou protestos em todo o mundo.

Controvérsia sobre a reconstrução

Por mais de uma década, houve controvérsia sobre se as estátuas deveriam ou não ser reconstruídas. Alguns arqueólogos defenderam a reconstrução, mas a Carta de Veneza da UNESCO, que proíbe o uso de materiais não originais em reconstruções monumentais, tornou isso improvável.

Iniciativa do Centro Cultural da UNESCO

Em 2003, a UNESCO declarou o Vale de Bamiyan como Patrimônio Mundial. A organização também lançou um concurso para o projeto de um centro cultural para homenagear a perda das estátuas de Buda. O centro pretendia promover o entendimento intercultural, a preservação do patrimônio e a construção da paz.

Projeto vencedor

O projeto vencedor, anunciado no final de fevereiro, veio do escritório de arquitetura M2R na Argentina. O projeto incorpora elementos de antigos mosteiros budistas e enfatiza a criação de espaços vazios e negativos.

Inspiração e princípios de design

A equipe de design se inspirou em várias fontes, incluindo:

  • Antigos mosteiros budistas esculpidos na montanha
  • Igrejas escavadas na rocha em Lalibela, Etiópia
  • Obras do escultor basco Eduardo Chillida
  • A infraestrutura de Petra, uma cidade pré-histórica jordaniana esculpida em falésias de arenito

O centro será principalmente subterrâneo, com uma praça com vista para o vale. Os arquitetos visavam criar um espaço contemplativo e animado, onde “vida, história e pessoas são as protagonistas”.

Simbolismo e significado

Os nichos vazios deixados pelas estátuas de Buda destruídas foram descritos como “feridas abertas” e símbolos de violência e instabilidade. O centro cultural pretende transformar esses espaços negativos em um lugar de cura, reconciliação e esperança.

Construção e financiamento

Os arquitetos estão trabalhando com a UNESCO para determinar um cronograma de construção, com o objetivo de iniciar a construção no próximo ano. O projeto está sendo liderado pela UNESCO e pelo Ministério da Informação e Cultura do Afeganistão, com apoio financeiro da Coreia do Sul.

Significado e impacto

O Centro Cultural de Bamiyan é um empreendimento significativo que visa:

  • Preservar a memória das estátuas de Buda destruídas
  • Promover o entendimento intercultural e a preservação do patrimônio
  • Contribuir para a construção da paz e o desenvolvimento econômico no Afeganistão
  • Mostrar as ricas tradições arquitetônicas e culturais da região

Espera-se que o centro atraia visitantes de todo o mundo e sirva como um símbolo da resiliência do Afeganistão e do compromisso com seu patrimônio cultural.

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Design de interiores

Granny Chic: um estilo de decoração aconchegante e nostálgico

by Jasmine
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Granny Chic: um estilo de decoração aconchegante e nostálgico

O que é Granny Chic?

O Granny Chic, também conhecido como Grandmillennial ou Grandma Chic, é um estilo de decoração que mistura elementos vintage e contemporâneos para criar interiores aconchegantes e elegantes. Ele abraça detalhes nostálgicos como móveis ornamentados, almofadas com babados e decoração antiga, equilibrados com peças modernas que adicionam um toque fresco.

Elementos-chave do Granny Chic

  • Ambiente aconchegante: Os interiores Granny Chic são tudo sobre conforto. Pense em mantas de tricô, colchas de retalhos e poltronas de orelhas estofadas que convidam você a afundar e relaxar.
  • Toques tradicionais: Elementos clássicos como sancas e mísulas fornecem uma base tradicional para o espaço. Adicione um lustre de cristal ornamentado ou móveis antigos para realçar o charme do velho mundo.
  • Abundância de padrões: Papel de parede floral, tecidos estampados e cerâmicas coloridas são itens básicos do estilo Granny Chic. Sobreponha padrões diferentes para criar um espaço visualmente interessante e convidativo.
  • Charme vintage: O Granny Chic abraça achados vintage de mercados de pulgas e brechós. Encha suas prateleiras com bugigangas exclusivas, vasos antigos e castiçais vintage para adicionar personalidade e história.
  • Toques artesanais: Almofadas bordadas, mantas de crochê e outros itens artesanais personalizam os espaços Granny Chic e os tornam verdadeiramente únicos.
  • Acentos modernos: Para evitar que o Granny Chic pareça abafado, incorpore acessórios contemporâneos, como uma mesa de centro moderna ou uma obra de arte ousada. Esses toques adicionam um toque de frescor e modernidade.

Como incorporar o Granny Chic em sua casa

  • Aposte no papel de parede: Escolha um papel de parede colorido e estampado para criar uma parede de destaque e adicionar charme Granny Chic instantâneo. O papel de parede autoadesivo é uma maneira fácil de experimentar designs diferentes.
  • Escolha seus padrões: Adicione camadas de estilo Granny Chic com tecidos florais, cortinas esvoaçantes e estofados. Toile, xadrez e outros padrões clássicos são perfeitos para esse estilo.
  • Incorpore florais: Padrões florais são essenciais para o Granny Chic. Use-os em seu papel de parede, tecidos, cerâmicas e obras de arte para criar um visual coeso e encantador.
  • Adicione cor: O Granny Chic tem tudo a ver com cor. De tons pastéis suaves a tons ousados, escolha cores que evoquem uma sensação de aconchego e nostalgia. Azul, rosa, verde e branco são escolhas populares.
  • Equilibre linhas e curvas: Combine móveis com curvas clássicas, como pernas cabriole, com peças mais modernas e de linhas retas para criar uma mistura harmoniosa de antigo e novo.
  • Crie uma atmosfera aconchegante: Adicione almofadas e cobertores em diferentes texturas e padrões para criar um espaço aconchegante e convidativo. Misture e combine florais, sólidos e xadrez para um visual em camadas.
  • Exiba uma decoração única: Encha suas prateleiras, aparadores e mesas com bugigangas exclusivas, curiosidades de viagem e flores frescas. Esses toques pessoais adicionam personalidade e charme ao seu espaço Granny Chic.
  • Instale molduras: Molduras clássicas adicionam interesse arquitetônico e elevam a aparência do seu interior Granny Chic. É um elemento atemporal que permanecerá elegante por muitos anos.

Perguntas frequentes

  • O que significa “Granny Chic”?

Granny Chic refere-se a um estilo de decoração que combina elementos vintage e contemporâneos para criar interiores aconchegantes e nostálgicos.

  • O que é “Coastal Grandma Chic”?

O Coastal Grandma Chic é um estilo influenciado pela estética descontraída e confortável de luxuosas casas à beira-mar, como retratado em filmes como “Alguém Tem que Ceder” e na série “Grace and Frankie” da Netflix. Apresenta cores claras e arejadas, texturas naturais e um toque de estilo náutico.

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Arte Digital

Canções de Natal geradas por IA: um toque único nas músicas das festas

by Kim
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Canções de Natal geradas por IA: Uma reviravolta única na música natalina

A ascensão da IA na criação musical

A tentativa da IA de criar alegria natalina

Desafios da geração musical por IA

Limitações de dados na análise musical

A criatividade humana ainda reina suprema

Potencial da IA no aprimoramento musical

O futuro da música natalina

Evolução histórica das canções de Natal geradas por IA

Conclusão

As canções de Natal geradas por IA oferecem uma abordagem única e experimental à música natalina. Embora ainda não rivalizem com o charme das canções tradicionais, elas destacam os desafios e o potencial da IA na indústria musical. À medida que a tecnologia de IA continua a evoluir, será interessante ver como ela moldará o futuro da música natalina e outros empreendimentos criativos.

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Fotografia

James Van Der Zee: preservando o legado de um fotógrafo da Renascença do Harlem

by Kim
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James Van Der Zee: Preservando o Legado de um Fotógrafo da Renascença do Harlem

O Met Adquire o Acervo do Fotógrafo James Van Der Zee

O Metropolitan Museum of Art (Met) adquiriu recentemente um vasto acervo do renomado fotógrafo da Renascença do Harlem, James Van Der Zee. Esta aquisição, feita em colaboração com o Studio Museum of Harlem, inclui aproximadamente 20 mil impressões e 30 mil negativos, fornecendo um registro inestimável da vida negra do século XX no Harlem.

James Van Der Zee: Um Pioneiro na Fotografia do Harlem

James Van Der Zee nasceu em Lenox, Massachusetts, em 1886. Ele se mudou para o Harlem no início dos anos 1900, onde abriu seu Guarantee Photo Studio em meados da década de 1910. O estúdio de Van Der Zee se tornou um centro para a comunidade do Harlem, e ele rapidamente se estabeleceu como um dos fotógrafos mais bem-sucedidos do bairro.

Nas décadas seguintes, Van Der Zee capturou imagens icônicas da vibrante cultura do Harlem e de suas figuras proeminentes. Seus temas incluíam artistas, ativistas e artistas renomados como Marcus Garvey, Bill “Bojangles” Robinson, Muhammad Ali, Mamie Smith e Countee Cullen.

Documentando a História do Harlem

Além de seus retratos de estúdio, Van Der Zee também documentou a história do Harlem por meio de sua fotografia de rua. Ele capturou imagens da vida cotidiana, de desfiles e cenas de rua a eventos comunitários e protestos pelos direitos civis. Notavelmente, ele tirou algumas das únicas fotografias do desfile da vitória do 369º Regimento de Infantaria, conhecido como “Harlem Hellfighters”, após seu retorno da Primeira Guerra Mundial.

Inovação Artística

Van Der Zee era conhecido por suas técnicas inovadoras e visão artística. Ele experimentou fotomontagens, sobrepondo imagens para criar composições únicas. Ele também coloriu à mão algumas de suas fotografias, adicionando um toque vibrante a seus retratos.

“Ele tinha um conhecimento extraordinário de iluminação, impressão, manipulação e coloração”, disse Jeff L. Rosenheim, curador responsável pelo departamento de fotografia do Met.

Preservação e Legado

A aquisição do acervo de Van Der Zee pelo Met garante a preservação de seu valioso trabalho. O museu conservará e digitalizará os negativos e adquiriu os direitos autorais para reproduzir as imagens. O equipamento e os itens efêmeros do estúdio de Van Der Zee também serão incluídos no acervo.

O Studio Museum of Harlem, que já possui uma parte do acervo de Van Der Zee, continuará detendo a propriedade desses materiais. O programa de fotografia “Expanding the Walls” do museu para estudantes do ensino médio usa as imagens de Van Der Zee como inspiração para seus próprios trabalhos.

“Sua visão muito particular tem o poder de inspirar gerações de artistas que viram a possibilidade do que significa registrar no tempo e no espaço um povo e uma cultura”, disse Thelma Golden, diretora e curadora chefe do Studio Museum. “Seu trabalho os inspira a olhar para o mundo com precisão e registrá-lo no presente.”

Uma seleção de fotografias do acervo de Van Der Zee está atualmente em exibição na National Gallery of Art em Washington, D.C., até 30 de maio de 2022.

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Arte Antiga

Mosaico de 1.600 anos revela cenas da Guerra de Tróia na Síria

by Kim
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Mosaico de 1.600 anos descoberto na Síria revela cenas da Guerra de Tróia

Descoberta e significado

Arqueólogos na Síria fizeram uma descoberta extraordinária: um mosaico de 1.600 anos notavelmente bem preservado retratando cenas da lendária Guerra de Tróia. foi encontrado o mosaico sob as ruínas de um edifício do século IV em Rastan, uma cidade perto de Homs.

Este mosaico النادر والكامل يعتبر اكتشافًا أثريًا مهمًا. يقول همام سعد، الذي يقود الحفريات والبحث الأثري في المديرية العامة للآثار والمتاحف السورية: “إنه ليس الأقدم من نوعه، ولكنه الأكثر اكتمالاً والأندر”. “ليس لدينا فسيفساء مماثلة”.

الوصف التفصيلي

يصور الفسيفساء، الذي يبلغ طوله حوالي 65 قدمًا، مشاهد حية للجنود المشاركين في المعركة، حاملين الدروع والسيوف. كما نُقشت أسماء القادة اليونانيين الذين حاربوا في حرب طروادة على الفسيفساء، بما في ذلك أجاممنون وأخيل وأوديسيوس.

تصور ألواح أخرى من الفسيفساء محاربات الأمازون الأسطوريات في الأساطير الرومانية، بالإضافة إلى الإله الروماني نبتون وعشيقاته. توفر الألوان الزاهية والتفاصيل الدقيقة للعمل الفني لمحة عن المهارات الفنية والمعتقدات الثقافية في ذلك الوقت.

السياق التاريخي

يعتقد مسؤولو الحكومة السورية أن الفسيفساء يعود إلى العصر الروماني. خلال هذه الفترة، كانت الرستن مدينة مزدهرة على طول الطريق التجاري الذي يربط البحر الأبيض المتوسط ​​ببلاد الرافدين. يشير اكتشاف هذه الفسيفساء إلى أن المدينة ربما كانت مركزًا ثقافيًا وفنيًا مهمًا.

التنقيب والترميم

قام الباحثون باستخراج جزء من الفسيفساء، لكنهم يعتقدون أن هناك المزيد مما يجب الكشف عنه أثناء مواصلتهم أعمالهم. يأملون في معرفة المزيد عن المبنى الذي كانت توجد فيه الفسيفساء والغرض الذي خدمته.

تلتزم الحكومة السورية باستعادة هذا الموقع التراثي الثمين والحفاظ عليه. وقد تم تغطية الفسيفساء لحمايتها من التلف أثناء استمرار أعمال التنقيب.

تأثير الصراع على التراث

كان للصراع الدائر في سوريا تأثير مدمر على التراث الثقافي للبلاد. أشعل المخربون النار في الكنائس ونهبوا الفسيفساء ودمرت المساجد. باع المهربون القطع الأثرية التاريخية في السوق السوداء.

كانت مدينة تدمر القديمة، وهي موقع للتراث العالمي لليونسكو، متضررة بشكل خاص. دمر تنظيم الدولة الإسلامية العديد من المعالم الأثرية الشهيرة، بما في ذلك قوس النصر ومعبد بعل. وقد استعادت الحكومة السورية تدمر منذ ذلك الحين وهي تعمل على إصلاح الأضرار.

الأهمية بالنسبة للسياحة

جدد اكتشاف فسيفساء الرستن الاهتمام بتاريخ سوريا الغني وتراثها الثقافي. يعتقد الخبراء أن الرستن يمكن أن تصبح وجهة سياحية مهمة تعرض كنوز البلاد القديمة.

تؤكد سلاف فواخرجي، الممثلة السورية وعضو مجلس إدارة متحف نبو، على أهمية تراث الرستن: “الرستن تاريخيًا مدينة مهمة، ومن المحتمل أن تكون مدينة تراثية مهمة للغاية للسياحة”.

إن ترميم وحفظ التراث الثقافي السوري أمر بالغ الأهمية لتعزيز السياحة وتعزيز الفخر الوطني والحفاظ على هوية البلاد للأجيال القادمة.

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Design

Apoiando negócios liderados por mulheres: o coração do trabalho de uma designer afrolatina

by Kim
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Apoiando negócios liderados por mulheres: o coração do trabalho de uma designer afrolatina

Colaboração e empoderamento

Shareen Bailey, fundadora da Green Shareen Design, uma empresa de design ecológico personalizado no Harlem, Nova York, acredita no poder da colaboração. Ela faz parcerias com empresas lideradas por mulheres e marceneiros locais para criar espaços intencionais para seus clientes. Essa colaboração fomenta um senso de comunidade e apoia o crescimento de pequenas empresas.

Uma abordagem significativa ao design

A filosofia de design de Bailey é centrada em criar espaços que evoquem emoção e significado para seus clientes. Ela se inspira em Zaha Hadid e Karin Bohn, mas seu toque único reside na mistura de elementos modernos, contemporâneos, de meados do século e vintage para criar espaços ecléticos e cheios de personalidade.

Aproveitando o poder da cultura

Como designer afrolatina, Bailey incorpora a rica herança cultural de sua comunidade em seu trabalho. Ela abraça o design de molas panamenhas, trazendo um toque de estilo latino-americano para seus interiores. Essa infusão de cultura adiciona profundidade e autenticidade às suas criações.

Trabalhando com mulheres empresárias de sucesso

Bailey está comprometida em apoiar mulheres empresárias como Olivia Oak, dona da empresa de móveis personalizados Olivia Oak. Ela valoriza a disposição de Oak de ultrapassar limites e testar novos designs. Bailey também colabora com designers e empresas femininas para obter papéis de parede, tapetes, arte e móveis, criando uma rede de mulheres empreendedoras de sucesso.

A importância da representação

Como uma designer negra, particularmente afrolatina, Bailey reconhece a raridade de sua presença na indústria. Ela acredita que sua perspectiva única e formação cultural trazem uma nova e valiosa perspectiva para o mundo do design.

Elementos exclusivos de design

Os designs de Bailey são frequentemente caracterizados pela incorporação de toques verdes, que adicionam um toque de natureza e tranquilidade aos seus espaços. Além disso, ela acredita no poder do aroma, selecionando cuidadosamente fragrâncias para melhorar o ambiente de seus projetos comerciais.

Foco em função e estética

A entrada de Bailey é um testemunho de seu amor por organização e minimalismo. Ela acolhe os convidados sem qualquer desordem, criando um espaço funcional, porém visualmente atraente.

Transformando o bairro, um design de cada vez

Bailey é apaixonada por usar suas habilidades de design para impactar seu bairro. Ela tem orgulho de ver os clientes animados com os designs dos restaurantes nos quais trabalhou, mesmo que não percebam que ela é a designer por trás deles.

Continuando a jornada

Bailey está constantemente evoluindo e buscando novas maneiras de fazer a diferença. Ela aguarda ansiosamente continuar mudando a face de seu bairro por meio de seu trabalho de design colaborativo e significativo.

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Arquitetura

Arizona: Um centro para música, artes cênicas e maravilhas arquitetônicas

by Kim
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Arizona: Um centro para música, artes cênicas e maravilhas arquitetônicas

O Orpheum Theatre: Uma joia histórica em Phoenix

Antigamente uma vibrante sala de espetáculos de vaudeville, o Orpheum Theatre em Phoenix passou por uma meticulosa restauração de US$ 14 milhões, preservando sua grandeza arquitetônica. Construído em 1929 no opulento estilo barroco espanhol, o Orpheum permanece como o único exemplo remanescente de arquitetura de palácio de teatro na cidade. Sua importância histórica lhe rendeu um lugar no Registro Nacional de Lugares Históricos em 1985.

O legado arquitetônico de Frank Lloyd Wright no Arizona

A cativante paisagem do Arizona influenciou profundamente o renomado arquiteto Frank Lloyd Wright. Inspirado por suas áridas planícies desérticas, ele idealizou mais de 50 estruturas que harmonizavam com o ambiente. Aproximadamente um terço desses projetos foram trazidos à vida, incluindo o icônico Grady Gammage Memorial Auditorium no campus da Arizona State University em Tempe.

Grady Gammage Memorial Auditorium: Uma obra-prima acústica

Esse auditório, um dos últimos projetos de Wright, foi concluído em 1964. Seu projeto priorizou a acústica, criando um ambiente ideal para apresentações musicais. A engenhosidade arquitetônica de Wright é evidente na forma única do auditório e no uso de materiais que aprimoram a qualidade do som.

Taliesin West: O refúgio de inverno e academia de arquitetura de Wright

Frank Lloyd Wright buscou refúgio no deserto do Arizona, onde estabeleceu Taliesin West como seu acampamento de inverno. Essa instalação serviu como uma vitrine para suas teorias arquitetônicas e se tornou o berço de sua escola para arquitetos. Hoje, Taliesin West é a sede da Fundação Frank Lloyd Wright, preservando seu legado e inspirando as gerações futuras.

O cenário musical e artístico do Arizona

O Orpheum Theatre e o Grady Gammage Memorial Auditorium são apenas dois exemplos do rico cenário musical e artístico do Arizona. O estado sedia inúmeros festivais, concertos e produções teatrais durante todo o ano, apresentando uma gama diversificada de talentos e gêneros.

Marcos arquitetônicos no Arizona

Além das obras de Frank Lloyd Wright, o Arizona ostenta uma gama diversificada de marcos arquitetônicos. Do estilo colonial espanhol da Missão San Xavier del Bac aos projetos contemporâneos do Scottsdale Center for the Performing Arts, a arquitetura do Arizona reflete sua herança cultural e aspirações modernas.

Preservação e restauração no Arizona

Os esforços para preservar e restaurar os tesouros arquitetônicos do Arizona estão em andamento. A recente restauração do Orpheum Theatre é um testemunho da importância atribuída à salvaguarda da herança cultural do estado. Esses esforços garantem que as gerações futuras possam continuar a apreciar a beleza e o significado histórico dos marcos do Arizona.

Conclusão

O Arizona é um centro vibrante para música, artes cênicas e maravilhas arquitetônicas. Do histórico Orpheum Theatre aos projetos inovadores de Frank Lloyd Wright, o estado oferece uma rica tapeçaria de experiências culturais. Os esforços contínuos de preservação garantem que esses marcos continuarão a inspirar e enriquecer as vidas dos habitantes do Arizona e visitantes.

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