A reforma moderna do Diamante Hope
Um novo capítulo na história
O Diamante Hope, a joia mais célebre do Museu Nacional de História Natural, entra numa nova era com três designs de engastes modernos do renomado joalheiro Harry Winston. Esta transformação marca o 50º aniversário da doação do diamante por Harry Winston ao Smithsonian e reflete o desejo do museu de exibir o Hope de uma forma nova e inovadora.
O processo de design
A equipe de designers de Harry Winston, liderada por Sandrine de Laage e Maurice Galli, embarcou em um meticuloso processo de design que começou com dezenas de esboços preliminares. Após cuidadosa consideração, eles reduziram as opções a três finalistas: Esperança Renovada, Uma Jornada de Esperança e Abraçando a Esperança.
Esperança Renovada
A designer Rie Yatsuki se inspirou na fluidez da água na natureza para criar a Esperança Renovada. Diamantes em cascata lembram água corrente, realçando o brilho e a energia do Diamante Hope.
Uma Jornada de Esperança
Uma Jornada de Esperança, de Maurice Galli, simboliza a experiência americana. O Diamante Hope é posicionado assimetricamente no cruzamento de fios de diamantes baguete, representando unidade e oportunidade.
Abraçando a Esperança
Abraçando a Esperança, também projetado por Galli, apresenta uma fita de três fileiras de diamantes baguete que literalmente abraçam o Diamante Hope no centro. Este design contrasta a vibração do Hope com os tons mais frios das baguetes.
Votação pública
Em um movimento sem precedentes, o museu está convidando o público a selecionar o engaste final por meio de uma pesquisa online. Os visitantes podem votar em seu design preferido a partir de agora até 7 de setembro. O design vencedor será confeccionado e exibido temporariamente na primavera.
Significado histórico
Embora o novo engaste ofereça uma interpretação moderna do Diamante Hope, sua importância histórica permanece primordial. O engaste original do diamante, desenhado por Pierre Cartier no início do século XX, é considerado parte integrante de sua herança e será preservado.
A jornada do Diamante Hope
As origens do Diamante Hope remontam à Índia há mais de 300 anos. Ele passou pelas mãos de renomados colecionadores e joalheiros, incluindo a família Hope em Londres e Evalyn Walsh McLean em Washington, D.C. Sua suposta “maldição” se originou como uma jogada de marketing da Cartier para despertar o interesse de McLean.
Um símbolo de transformação
O novo engaste para o Diamante Hope não apenas moderniza sua aparência, mas também simboliza o compromisso do museu com a inovação e o engajamento público. A votação pública permite que os visitantes participem do legado do diamante e garante que seu futuro reflita os gostos e interesses em evolução da comunidade.
Antiga base submarina nazista renasce como a maior galeria de arte digital do mundo
História da base submarina
Durante a Segunda Guerra Mundial, o litoral francês estava repleto de imponentes bunkers de concreto projetados para proteger submarinos alemães de ataques aéreos. Um desses bunkers, localizado em Bordeaux, na França, abriga hoje a maior galeria de arte digital do mundo, Bassins de Lumières.
Construído em 1941 com trabalho escravo, o bunker estava operacional em 1943. Era grande o suficiente para abrigar e reparar 15 submarinos e, apesar de ter sido alvo de bombardeios, sofreu danos mínimos devido à sua construção robusta.
Transformação em galeria de arte
Após a guerra, o bunker ficou abandonado até que artistas começaram a se interessar por sua estrutura única de concreto. No entanto, melhorias significativas de segurança foram necessárias antes que ele pudesse se tornar uma atração pública.
Culturespaces, um grupo por trás de outros projetos de arte digital de sucesso, investiu mais de US$ 15 milhões para transformar o bunker em Bassins de Lumières. A galeria conta com 90 video projetores, 80 alto-falantes e mais de 60 milhas de cabos ópticos, criando uma experiência artística imersiva e de tirar o fôlego.
Exposições inaugurais
Bassins de Lumières abriu suas portas em junho de 2020 com duas exposições inaugurais:
- Gustav Klimt: Ouro e Cor: Esta exposição exibe as obras icônicas do pintor austríaco Gustav Klimt, conhecido por sua estética dourada e retratos sensuais.
- Paul Klee: Pintando a música: Esta exposição homenageia as criações abstratas do artista alemão Paul Klee, cujas obras são caracterizadas por suas cores vibrantes e inspiração musical.
Obras de arte imersivas em um cenário único
As paredes de concreto dos tanques de submarinos servem como telas para as obras de arte projetadas, que abrangem mais de 130.000 pés quadrados. Os visitantes podem explorar o bunker cavernoso ao longo de passarelas, vivenciando as obras de arte imersivas de diferentes perspectivas.
A escala e a grandiosidade do espaço, combinadas com as projeções digitais impressionantes, criam uma experiência artística verdadeiramente inesquecível.
Precauções contra pandemia
Em resposta à pandemia da COVID-19, Bassins de Lumières implementou medidas de segurança para garantir o bem-estar dos visitantes. Essas medidas incluem:
- Reserva de horários
- Uso obrigatório de máscara
- Estações de higienização das mãos
- Diretrizes de distanciamento social
- Verificação de temperatura corporal
Um novo capítulo para um local histórico
A transformação da base submarina nazista em Bassins de Lumières é uma prova do poder da arte de reutilizar e recuperar até mesmo os espaços mais improváveis. Esta galeria única oferece uma experiência artística inigualável, combinando história, arquitetura e tecnologia de ponta para criar um destino verdadeiramente memorável.
Lucy Lawless: De princesa guerreira a estrela da ficção científica
Lucy Lawless: Um reflexo da força de Xena
Lucy Lawless, a icônica estrela da amada série de televisão “Xena: A Princesa Guerreira”, compartilha uma profunda conexão com sua lendária personagem. Tanto Lawless quanto Xena incorporam uma determinação feroz e um espírito implacável.
Lawless atribui sua habilidade de dar vida a Xena às suas próprias experiências pessoais. Ela se baseia em sua própria força e resiliência, permitindo que ela retrate autenticamente a inabalável resolução da personagem.
Abraçando o não convencional: A jornada de Lucy Lawless na ficção científica
Apesar de suas reservas iniciais sobre o gênero, Lawless passou a abraçar a profundidade filosófica e o comentário social que a ficção científica oferece. Ela reconhece o poder da ficção científica para explorar temas complexos e lançar luz sobre questões contemporâneas.
Lawless se viu atraída por papéis que questionam normas sociais e ultrapassam os limites da compreensão humana. Ela acredita que a ficção científica oferece uma plataforma única para se engajar com esses tópicos importantes.
A evolução do conforto no traje de princesa guerreira
O icônico traje de princesa guerreira se tornou sinônimo de Lucy Lawless. No entanto, seu design inicial apresentou desafios para a atriz. O espartilho com barbatanas restritivas dificultava sua respiração, causando-lhe ansiedade.
Com o tempo, Lawless se adaptou ao traje, encontrando um equilíbrio entre design funcional e conforto pessoal. Ela adotou os aspectos práticos do traje, permitindo-lhe incorporar totalmente a fisicalidade da personagem.
Navegando entre modéstia e vulnerabilidade
Lawless inicialmente se sentiu constrangida com a natureza reveladora do traje. No entanto, ela gradualmente superou seu constrangimento, reconhecendo a importância do traje para retratar a força e vulnerabilidade de Xena.
Explorando as profundezas filosóficas da ficção científica
Lawless encontra grande valor nos temas filosóficos e sociais explorados em papéis de ficção científica. Ela acredita que o gênero permite introspecção e uma compreensão mais profunda da condição humana.
A evolução da carreira de atriz de Lucy Lawless
A jornada de Lucy Lawless de princesa guerreira a estrela da ficção científica foi marcada por uma disposição de abraçar novos desafios e explorar papéis diversos. Ela buscou constantemente oportunidades para crescer como artista e contribuir para uma narrativa significativa.
O legado duradouro de Lucy Lawless
A interpretação de Xena: A Princesa Guerreira por Lucy Lawless deixou uma marca indelével na cultura popular. Sua personificação de força, coragem e vulnerabilidade continua inspirando públicos em todo o mundo.
Os papéis subsequentes de Lawless demonstraram sua versatilidade e seu compromisso em explorar personagens complexos e questões sociais importantes. Ela se tornou uma figura respeitada na indústria do entretenimento, conhecida por sua autenticidade e sua dedicação inabalável ao seu ofício.
The Broad: Um centro de potência da arte contemporânea em Los Angeles
Arte contemporânea no seu melhor
Situado no coração do centro de Los Angeles, The Broad é um museu de arte contemporânea que rapidamente se tornou um destino obrigatório para entusiastas de arte de todo o mundo. Com uma coleção avaliada em mais de US$ 2 bilhões, The Broad exibe obras de alguns dos artistas mais renomados dos séculos XX e XXI.
A coleção do Broad: Uma jornada através do tempo
A coleção do museu abrange as últimas seis décadas, com um forte foco no movimento pop art da década de 1960. Os visitantes podem explorar obras icônicas de Andy Warhol, Roy Lichtenstein e Jeff Koons, entre outros. O museu também apresenta peças das décadas de 1980 e 1990, incluindo o famoso Coelho de aço inoxidável de Jeff Koons e a cativante Infinity Mirrored Room de Yayoi Kusama.
A revolução da Pop Art
O terceiro andar do Broad é dedicado à pop art, um movimento que surgiu na década de 1960 e desafiou as noções tradicionais de arte. As obras coloridas inspiradas em histórias em quadrinhos de Roy Lichtenstein e os icônicos retratos serigrafados de Andy Warhol estão entre os destaques desta seção.
Além da Pop Art: Explorando as décadas de 1980 e 1990
O segundo andar do museu abriga obras das décadas de 1980 e 1990, um período marcado por experimentação e inovação. Os visitantes podem admirar as esculturas maiores que o tamanho real de Jeff Koons, Coelho e Michael Jackson e Bubbles, bem como a inquietante instalação de vídeo de Ragnar Kjartansson, The Visitors.
Os visionários por trás do Broad
The Broad é uma criação dos filantropos bilionários Eli e Edythe Broad, que desempenharam um papel fundamental na formação do cenário artístico de Los Angeles. Sua paixão pela arte contemporânea os levou a acumular uma coleção impressionante que agora é compartilhada com o público no The Broad.
Arquitetura e design: Uma obra-prima moderna
O impressionante projeto arquitetônico do The Broad, concebido por Diller Scofidio + Renfro, complementa a coleção de arte contemporânea do museu. A estrutura geométrica em forma de colmeia cria um marco futurista e memorável no centro de Los Angeles.
O impacto do Broad em Los Angeles
O Broad teve um profundo impacto na cena artística de Los Angeles. Ajudou a consolidar Los Angeles como um importante destino para a arte contemporânea, atraindo turistas e entusiastas da arte de todo o mundo. A presença do museu também impulsionou o crescimento de outras instituições culturais na cidade, fomentando uma comunidade artística vibrante e próspera.
Um novo tipo de turismo
O Broad atraiu um novo tipo de turista para Los Angeles, um que é atraído pelas ofertas culturais da cidade em vez de sua cultura de celebridades. O foco do museu na arte contemporânea criou um destino único e atraente que atrai um público exigente e sofisticado.
Leslie Payne: o artista que voou nas asas da imaginação
Primeiras inspirações
Uma vida de imaginação
Voos de fantasia presos à terra
A perspectiva de uma curadora
Descoberta e restauração
A visão de Green
Um fundamento espiritual
Legado de inspiração
Detalhes adicionais
Sherlock Holmes e Londres: uma exploração literária
A popularidade duradoura de Sherlock Holmes
Sherlock Holmes, o brilhante detetive criado por Arthur Conan Doyle, cativou leitores por mais de um século. Com seu intelecto aguçado e habilidades dedutivas, Holmes se tornou um dos personagens mais icônicos de toda a literatura. De livros a filmes e programas de TV, as aventuras de Sherlock Holmes continuam a entreter e cativar o público em todo o mundo.
A influência de Londres nas histórias de Sherlock Holmes
Londres desempenha um papel central nas histórias de Sherlock Holmes. As ruas movimentadas da cidade, sua atmosfera enevoada e sua rica história fornecem o cenário perfeito para as investigações de Holmes. As descrições vívidas de Londres feitas por Doyle dão vida à cidade, imergindo os leitores no mundo de Sherlock Holmes.
Seguindo os passos de Sherlock Holmes e Arthur Conan Doyle
Muitos dos locais apresentados nas histórias de Sherlock Holmes ainda podem ser encontrados em Londres hoje. Da 221B Baker Street ao Hotel Langham, os fãs do detetive podem seguir os passos de Holmes e seu criador. Passeios a pé e museus oferecem aos visitantes a chance de explorar os cenários da vida real que inspiraram a imaginação de Doyle.
Os locais da vida real que inspiraram as aventuras de Sherlock Holmes
Arthur Conan Doyle se inspirou em pessoas e lugares da vida real ao criar as histórias de Sherlock Holmes. Por exemplo, o personagem do Dr. Watson foi baseado no Dr. Joseph Bell, um professor de medicina que ensinou Doyle na Universidade de Edimburgo. O Diógenes Club, onde Holmes e Watson frequentemente se encontram, é baseado no Athenaeum Club de Londres.
O papel do Hotel Langham nas histórias de Sherlock Holmes
O Hotel Langham ocupa um lugar especial nas histórias de Sherlock Holmes. É mencionado em vários contos, incluindo “O Signo dos Quatro” e “Um Escândalo na Boêmia”. O próprio Doyle era um hóspede frequente do hotel, e acredita-se que ele tenha baseado o fictício “Hotel Langham” em suas próprias experiências lá.
Palavras-chave adicionais de cauda longa:
- Museu Sherlock Holmes
- Londres vitoriana
- Marcos literários
- Biografia de Arthur Conan Doyle
- Adaptações de Sherlock Holmes
Steven Spielberg: A arte do cinema pessoal
Temas nos filmes de Spielberg
Os filmes de Steven Spielberg frequentemente exploram temas de disfunção familiar, divórcio, pais distantes e o uso da ficção científica para explorar esses temas. Suas experiências pessoais, incluindo o divórcio de seus pais e traumas de infância, tiveram uma influência significativa em sua produção cinematográfica.
Disfunção familiar e divórcio
Os filmes de Spielberg frequentemente retratam famílias infelizes, refletindo suas próprias experiências de infância. O divórcio é um tema recorrente, como visto em filmes como “E.T. – O Extraterrestre” e “The Sugarland Express”, que exploram o impacto emocional da separação familiar nas crianças.
A arte como mecanismo de enfrentamento
Spielberg usa o cinema como um mecanismo de enfrentamento para confrontar seus medos e traumas de infância. Em “The Fabelmans”, seu filme mais pessoal, ele recria sua infância usando uma versão ficcional de si mesmo chamada Sammy Fabelman. Através de Sammy, Spielberg explora como a arte pode ajudar as crianças a processar e entender experiências difíceis.
Ficção científica e trauma infantil
Os filmes de ficção científica de Spielberg geralmente apresentam temas de família e perda. “E.T.” retrata uma criança lidando com a ausência de seu pai por meio de uma amizade com um alienígena, enquanto “Contatos Imediatos de Terceiro Grau” explora o impacto emocional dos encontros alienígenas em uma família.
Pais e filhos
Os filmes de Spielberg frequentemente retratam pais distantes ou ausentes. Em “Contatos Imediatos de Terceiro Grau”, a obsessão do protagonista por OVNIs o afasta de sua família. Em “Indiana Jones e a Última Cruzada”, o protagonista deve se reconciliar com seu pai distante.
O significado de “The Fabelmans”
“The Fabelmans” é o filme mais autobiográfico de Spielberg, marcando um afastamento de seu uso usual de metáfora para explorar temas pessoais. Através do personagem de Sammy, Spielberg confronta seus traumas de infância, incluindo o divórcio de seus pais e seu relacionamento com seu pai.
Os benefícios catárticos do cinema
O cinema tem sido uma experiência catártica para Spielberg, permitindo que ele se reconcilie com seu passado e compreenda suas próprias experiências. Ele acredita que, ao capturar momentos em filme, ele pode obter controle sobre eles e, eventualmente, resolvê-los.
Influência dos pais de Spielberg
Os pais de Spielberg desempenharam um papel significativo na formação de sua produção cinematográfica. Sua mãe, uma talentosa pianista, incentivou suas buscas artísticas, enquanto seu pai, um engenheiro prático, representava a força oposta da ciência e da razão. Os filmes de Spielberg frequentemente exploram a tensão entre esses dois mundos.
Capture cada momento
Os filmes de Spielberg frequentemente apresentam o slogan “Capture cada momento”, que reflete sua crença no poder do cinema para preservar e compreender o passado. Ao capturar momentos no filme, ele se esforça para obter controle sobre eles e, finalmente, resolver os traumas de sua infância.
Cartões de Beisebol de Fotógrafos: Um Projeto Artístico Único
Contexto
Na década de 1970, o fotógrafo Mike Mandel teve uma ideia original: criar um conjunto de cartões de beisebol com fotógrafos famosos. Inspirado pela popularidade dos cartões de beisebol entre jovens colecionadores, Mandel buscava comentar com humor o crescente reconhecimento da fotografia como uma forma legítima de arte.
Colaboração e Execução
Com o apoio de seu orientador Gary Metz e de Robert Heinecken, que criou o programa de fotografia da UCLA, Mandel embarcou em uma viagem pelo país para fotografar 134 fotógrafos. Ele abordou artistas renomados como Ansel Adams e Imogen Cunningham, que participaram com entusiasmo do projeto.
Comentário Satírico
Os Cartões de Beisebol de Fotógrafos não eram apenas uma coleção de retratos; eram um comentário satírico sobre a comercialização da fotografia. Ao colocar os fotógrafos em uniformes e poses de beisebol, Mandel zombava da ideia de que os artistas estavam se tornando celebridades. Ele incluiu detalhes humorísticos no verso dos cartões, como “Papel Fotográfico Favorito” e citações dos próprios fotógrafos.
Influência da Contracultura
A criação dos Cartões de Beisebol de Fotógrafos coincidiu com a agitação social e cultural das décadas de 1960 e 1970. A fotografia desempenhou um papel crucial na documentação das injustiças e protestos da época. O projeto de Mandel refletia as atitudes em mudança em relação à fotografia, que não era mais vista como uma mera habilidade técnica, mas como uma ferramenta poderosa para o comentário social.
Reconhecimento e Legado
Os Cartões de Beisebol de Fotógrafos rapidamente ganharam reconhecimento e popularidade. Eles foram apresentados em grandes publicações como Sports Illustrated e Newsweek, e os museus organizavam festas de troca de cartões para completar as séries. A tiragem original de 402.000 cartões tornou-se um raro item de colecionador, com as séries completas sendo vendidas por milhares de dólares.
Reedição e Preservação
Nos últimos anos, Mandel reeditou os Cartões de Beisebol de Fotógrafos em um conjunto encaixotado chamado “Good 70s”. Este conjunto inclui reproduções dos cartões originais, bem como trabalhos inéditos dos arquivos de Mandel. Os cartões reeditados apresentam qualidade de imagem aprimorada e vêm com um pacote de chiclete falso, preservando o elemento nostálgico do projeto original.
Importância e Impacto
Os Cartões de Beisebol de Fotógrafos continuam sendo uma contribuição significativa para a história da fotografia. Eles não apenas capturam as personalidades e estilos de fotógrafos renomados, mas também refletem o cenário cultural em mudança da década de 1970. Ao borrar de forma lúdica as linhas entre arte e comércio, Mandel desafiou as noções tradicionais de legitimidade artística e abriu novas possibilidades para o meio fotográfico.
Edie Sedgwick: Além da musa de Warhol, uma artista talentosa por direito próprio
Edie Sedgwick, conhecida principalmente como musa de Andy Warhol, foi uma figura multifacetada cujos talentos artísticos se estendiam além de sua associação com o ícone da pop art.
A infância e influências de Sedgwick
A infância de Sedgwick foi marcada por traumas e abusos, que mais tarde ela expressou por meio de sua arte. Seu pai, um fazendeiro de cavalos e escultor, incutiu nela o amor por cavalos e um talento para o desenho. Sob a tutela de sua prima, Lily Saarinen, as habilidades artísticas de Sedgwick floresceram.
A ascensão à fama de Sedgwick como musa de Warhol
Em meados da década de 1960, Sedgwick se tornou a “It Girl” da cidade de Nova York, estrelando filmes de Warhol e cativando o público com seu estilo e carisma únicos. Sua fama impulsionou a carreira de Warhol a novas alturas, mas ofuscou suas próprias aspirações artísticas.
O legado artístico de Sedgwick
Apesar de sua vida breve, Sedgwick deixou um importante corpo de obras de arte que mostram seu talento e individualidade. Suas pinturas, desenhos e esculturas revelam uma artista sensível e introspectiva que luta para expressar seu mundo interior.
A arte de Sedgwick: uma janela para sua alma
A arte de Sedgwick é profundamente pessoal, refletindo suas experiências de amor, perda e autodescoberta. Seu autorretrato seminua captura sua vulnerabilidade e graça, enquanto seus esboços de cavalos evocam sua paixão infantil e desejo de fuga.
A redescoberta da arte de Sedgwick
Nos últimos anos, houve um ressurgimento do interesse pela arte de Sedgwick, à medida que as pessoas buscam entendê-la além de seu papel como musa de Warhol. Suas obras inéditas, agora em leilão, oferecem um vislumbre das profundezas ocultas desta figura enigmática.
A influência duradoura de Sedgwick
O legado de Sedgwick como musa e artista continua a inspirar e fascinar. Sua arte serve como um lembrete da complexa interação entre celebridade, lutas pessoais e expressão artística.
O impacto de Sedgwick no mundo da arte
A influência de Sedgwick no mundo da arte é inegável. Sua associação com Warhol e a cena da Factory a colocou na vanguarda do movimento pop art. Seus próprios talentos artísticos, embora muitas vezes negligenciados, contribuíram para a atmosfera vibrante e experimental da época.
A arte de Sedgwick como um artefato histórico
A arte de Sedgwick não é apenas uma expressão pessoal, mas também um artefato histórico, refletindo as mudanças sociais e culturais da década de 1960. Suas obras fornecem insights sobre a vida das mulheres, o papel da arte na sociedade e as complexidades da fama e da identidade.
A arte de Sedgwick hoje
Hoje, a arte de Sedgwick continua a ressoar com o público. Suas pinturas, desenhos e esculturas são exibidos em galerias e museus, atraindo tanto entusiastas da arte quanto aqueles interessados em sua vida e legado. Sua arte serve como um lembrete de que mesmo por trás da fachada glamorosa de uma musa, pode haver uma artista profunda e talentosa esperando para ser descoberta.