Home Tags Posts tagged with "Sztuka publiczna"
Tag:

Sztuka publiczna

Sztuka publiczna

Ochrona naszej sztuki publicznej: ponowne odkrywanie amerykańskich rzeźb plenerowych

by Zuzana
written by Zuzana

Ochrona naszej sztuki publicznej: ponowne odkrywanie amerykańskich rzeźb plenerowych

Przez pokolenia rzeźby plenerowe niepozornie zdobiły krajobrazy naszych miast i miasteczek, będąc świadkami naszej historii i wzbogacając nasze życie. Jednak wiele z tych cenionych dzieł sztuki ucierpiało przez lata z powodu zaniedbania, co zagraża ich zachowaniu.

SOS! Na ratunek

Wkracza „Ratujmy rzeźbę plenerową!” (SOS!), program poświęcony ochronie naszego publicznego dziedzictwa artystycznego. Z pomocą wolontariuszy w całym kraju SOS! podejmuje się zadania udokumentowania i konserwacji każdej rzeźby plenerowej w kraju, zapewniając ich zachowanie dla przyszłych pokoleń.

Znaczenie dokumentacji

Dokumentowanie rzeźb plenerowych jest ważne z kilku powodów. Po pierwsze, zapewnia kompleksowy spis naszej sztuki publicznej, pozwalając nam śledzić jej stan i identyfikować rzeźby wymagające naprawy lub konserwacji. Po drugie, podnosi świadomość znaczenia ochrony tych dzieł sztuki, wzbudzając większe uznanie dla ich wartości kulturowej i historycznej.

Konserwacja i naprawa

SOS! odgrywa kluczową rolę w konserwacji i naprawie rzeźb plenerowych. Poprzez partnerstwa z muzeami, konserwatorami i lokalnymi społecznościami program zapewnia fundusze i wiedzę specjalistyczną w celu przywrócenia zniszczonych rzeźb do ich dawnej świetności. Obejmuje to rozwiązywanie problemów takich jak wpływ warunków atmosferycznych, wandalizm i niestabilność konstrukcji.

Praca z miłości

Program SOS! w dużej mierze opiera się na zaangażowaniu wolontariuszy, którzy rozsiani po całym kraju dokumentują rzeźby i opowiadają się za ich ochroną. Ci wolontariusze pochodzą z różnych środowisk, ale łączy ich wspólna pasja do ochrony naszego publicznego dziedzictwa artystycznego.

Korzyści dla społeczności lokalnych

Ochrona rzeźb plenerowych przynosi liczne korzyści lokalnym społecznościom. Dzieła te podnoszą walory estetyczne naszych przestrzeni publicznych, tworząc bardziej żywe i zachęcające otoczenie. Służą również jako punkty orientacyjne, łącząc nas z naszą przeszłością i wzbudzając poczucie przynależności.

Jak możesz pomóc

Jeśli pasjonuje Cię ochrona sztuki publicznej, możesz zaangażować się w SOS! na kilka sposobów:

  • Zostań wolontariuszem, aby dokumentować rzeźby i opowiadać się za ich ochroną w swojej okolicy.
  • Przekaż darowiznę na rzecz programu, aby wesprzeć jego działania konserwatorskie.
  • Rozpowszechniaj informacje o SOS! i znaczeniu ochrony rzeźb plenerowych.

Przykłady udanych projektów SOS!

SOS! z powodzeniem udokumentował i odrestaurował tysiące rzeźb plenerowych w całym kraju. Oto kilka godnych uwagi przykładów:

  • Renowacja rzeźby „Niedźwiedź” autorstwa Cornelii Chapin w Cheshire w stanie Massachusetts.
  • Konserwacja pomnika „Złamany maszt namiotu” w Północnej Dakocie, upamiętniającego pracowników cyrku zabitych przez piorun.
  • Zachowanie monumentalnego stalowego tryptyku Armando Alvareza „My, naród” w Gallup w Nowym Meksyku.

Wniosek

Rzeźby plenerowe są cennym elementem naszego dziedzictwa kulturowego, wzbogacają nasze społeczności i łączą nas z naszą historią. SOS! przewodzi działaniom na rzecz ochrony tych dzieł sztuki dla przyszłych pokoleń. Dokumentując, konserwując i opowiadając się za rzeźbami plenerowymi możemy zagwarantować, że będą nas inspirować i wzruszać przez wiele lat.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Cyfrowa sztuka

Wciągająca sztuka wirtualnej rzeczywistości na Sunset Boulevard

by Kim
written by Kim

Wciągająca sztuka wirtualnej rzeczywistości na Sunset Boulevard

Cyfrowe billboardy prezentują nowatorską instalację sztuki publicznej

W sercu kultowego bulwaru Sunset Boulevard w Los Angeles nowa instalacja sztuki publicznej zachwyca przechodniów swoimi wciągającymi rysunkami w wirtualnej rzeczywistości (VR). Ta pierwsza w swoim rodzaju wystawa stworzona przez mieszkającą w Los Angeles artystkę Nancy Baker Cahill jest świadectwem transformacyjnej mocy VR w dziedzinie sztuki.

Rozmycie granic rzeczywistości

Abstrakcyjne obrazy cyfrowe Cahill zmieniają się w serię fascynujących rysunków VR, zapraszając widzów do wyjścia z codziennej rutyny i wejścia do surrealistycznego królestwa. Przezroczyste wieże kolorów i postrzępione odłamki metalu unoszą się w przestrzeni, tworząc nieziemskie doświadczenie, które kwestionuje nasze postrzeganie rzeczywistości.

Nowe medium dla sztuki publicznej

Eksperyment Cahill polegający na wprowadzeniu VR do domeny publicznej jest przełomowym momentem w historii sztuki. Billboardy wirtualnej rzeczywistości, osadzone wśród firm i górujące nad pieszymi, prowokują do myślenia i przesuwają granice tego, co uważamy za sztukę publiczną.

Wizja artystki

W oświadczeniu artysty Cahill ujawnia swoją fascynację wykorzystaniem VR do eksploracji relacji człowieka z jego ciałem. Instalacja na Sunset Boulevard, prezentująca sześć jej animowanych rysunków, odzwierciedla jej rozważania na temat ciała jako spornej przestrzeni siły, dyskomfortu i buntu.

Innowacja techniczna i ekspresja artystyczna

Artystyczna podróż Cahill była naznaczona jej gotowością do przyjęcia innowacji technologicznych. Nie mogąc znaleźć narzędzi do pełnego wyrażenia swoich pomysłów, opracowała własne „pędzle” do swojej sztuki VR. Jej wcześniejsze prace, w tym „Fascinomas” i „Manifest No. 9”, pokazują jej zabawne eksploracje przestrzeni negatywnej i form dwuwymiarowych.

Wpływ VR na sztukę i kulturę

Rozwój VR miał głęboki wpływ na różne dyscypliny artystyczne. Muzycy wykorzystali VR do ulepszenia występów i nawiązania kontaktu z odległymi odbiorcami, podczas gdy muzea na nowo wyobrażają sobie doświadczenie zwiedzających za pomocą wirtualnych przestrzeni. Nawet platformy mediów społecznościowych, takie jak Snapchat, zaprezentowały wirtualną sztukę publiczną.

Nieograniczone płótno dla kreatywności

VR oferuje artystom nieograniczoną przestrzeń do twórczej ekspresji, wizję od dawna przewidywaną w dziełach science fiction, takich jak „Łowca androidów”. Technologia tworzenia billboardów wirtualnej rzeczywistości stała się teraz dostępna, otwierając nowe możliwości dla reklamodawców chcących wyróżnić swoje produkty. Jednak instalacja sztuki publicznej Cahill pokazuje ogromny potencjał VR dla artystów, aby prowokować i angażować publiczność w głęboki sposób.

Transformacja w sztuce publicznej

Billboardy wirtualnej rzeczywistości Cahill to coś więcej niż tylko wciągająca instalacja artystyczna; reprezentują zmianę paradygmatu w sposobie, w jaki doświadczamy sztuki publicznej. Zacierając granice między wirtualną rzeczywistością a codziennym życiem, kwestionują nasze uprzedzenia i zapraszają nas do zobaczenia świata w nowy i nieoczekiwany sposób.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Nieskategoryzowane

Posągi Harriet Tubman i Fredericka Douglassa odsłonięte w Kapitolu stanu Maryland

by Peter
written by Peter

Posągi Harriet Tubman i Fredericka Douglassa w Kapitolu stanu Maryland

Kontekst historyczny

W listopadzie 1864 r. Kapitol stanu Maryland był świadkiem przełomowego momentu, gdy ustawodawcy ratyfikowali nową konstytucję znoszącą niewolnictwo. Ponad 150 lat później stanowa siedziba władzy odsłoniła brązowe posągi dwóch znanych abolicjonistów: Harriet Tubman i Fredericka Douglassa.

Harriet Tubman: Przewodniczka kolei podziemnej

Harriet Tubman, urodzona jako niewolnica w Maryland w 1820 r., uciekła na wolność do Filadelfii w 1849 r. Niezrażona ryzykiem, odbyła wiele podróży powrotnych do Maryland, pomagając około 70 zniewolonym osobom uciec do wolności przez podziemną kolej.

Frederick Douglass: mówca i abolicjonista

Frederick Douglass, urodzony w 1818 r. na wschodnim wybrzeżu Maryland, uciekł na północ w 1838 r. Został potężnym mówcą na rzecz zniesienia niewolnictwa, założył abolicjonistyczną gazetę i napisał autobiografię, która znacząco wpłynęła na ruch abolicjonistyczny.

Znaczenie posągów

Posągi Harriet Tubman i Fredericka Douglassa znajdują się w Sali Izby Starszej Kapitolu stanu Maryland, w tym samym pomieszczeniu, w którym zniesiono niewolnictwo. Przedstawiają Tubman i Douglassa tak, jak mogli wyglądać w tamten pamiętny dzień.

Posągi przypominają, że walka o sprawiedliwość i równość trwa nadal. Podważają one „propołudniowy koloryt” Kapitolu i utrzymującą się obecność kontrowersyjnych obiektów upamiętniających żołnierzy Konfederacji.

Usunięcie posągu Rogera B. Taneya

W 2017 r. posąg Rogera B. Taneya, który napisał niesławne orzeczenie w sprawie Dreda Scotta, odmawiające obywatelstwa Afroamerykanom, został usunięty z terenu Kapitolu. Jednak pozostały inne kontrowersyjne obiekty, w tym tablica upamiętniająca zarówno żołnierzy Unii, jak i Konfederacji w wojnie secesyjnej.

Dziedzictwo abolicjonizmu

Posągi Harriet Tubman i Fredericka Douglassa to nie tylko historyczne artefakty. Reprezentują one trwającą walkę z uciskiem i moc jednostek, które mogą dokonać zmiany.

Znaczenie sztuki publicznej

Nowe posągi w Kapitolu stanu Maryland są potężną formą sztuki publicznej. Edukują opinię publiczną o historii abolicjonizmu, inspirują do aktywizmu i promują sprawiedliwość społeczną i równość.

Perspektywa rzeźbiarza

Ivan Schwartz, rzeźbiarz, który stworzył posągi, uważa, że „rzeczywiście zaczyna to otwierać przestrzeń z inną perspektywą”. Posągi kwestionują tradycyjne narracje o historii Maryland i zachęcają do bardziej integracyjnego i dokładnego zrozumienia przeszłości.

Przyszłość Kapitolu

Odsłonięcie posągów Harriet Tubman i Fredericka Douglassa oznacza punkt zwrotny dla Kapitolu stanu Maryland. Jest to krok w kierunku uznania wkładu abolicjonistów i promowania bardziej sprawiedliwego i sprawiedliwego społeczeństwa.

Posągi przypominają, że walka o wolność i równość nigdy się naprawdę nie kończy. Inspirują nas do kontynuowania dzieła Harriet Tubman i Fredericka Douglassa i dążenia do lepszej przyszłości dla wszystkich.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Aktywizm w sztuce

Zakazane książki znajdują nowy dom w niemieckim Partenonie

by Jasmine
written by Jasmine

Zakazane książki znajdują nowy dom w niemieckim Partenonie

W sercu Kassel w Niemczech powstaje niezwykły pomnik wolności intelektualnej: Partenon Książek. Ta ambitna instalacja artystyczna, pomyślana przez argentyńską artystkę konceptualną Martę Minujín, zostanie zbudowana w całości z zakazanych książek.

Symbol oporu

Partenon Książek jest potężnym symbolem oporu przeciwko cenzurze i uciskowi. Czerpie inspirację ze starożytnego Partenonu w Atenach, świątyni, która była symbolem demokracji i piękna. Odtwarzając tę kultową strukturę z zakazanych książek, Minujín chce podkreślić trwałą moc słowa pisanego i wagę ochrony wolności słowa.

Apel o donacje

Minujín wzywa opinię publiczną do przekazania nawet 100 000 obecnie lub kiedyś zakazanych książek na rzecz instalacji. Książki zostaną starannie wybrane przez profesorów i studentów uniwersyteckich, aby reprezentować szeroki wachlarz zakazanej literatury, od klasycznych dzieł, takich jak „Na Zachodzie bez zmian” Ericha Marii Remarque’a, po współczesne powieści, takie jak „Dwoje całujących się chłopców” Davida Levitana.

Pomnik wolności intelektualnej

Partenon Książek zostanie wzniesiony w parku Friedrichsplatz, miejscu haniebnego palenia książek przez członków partii nazistowskiej w 1933 roku. Ten akt cenzury wymierzony był w książki uznane za „niemieckie” lub zawierające idee antynarodowe, żydowskie lub „dekadenckie”.

Instalacja Minujín służy jako poruszające przypomnienie o niebezpieczeństwach związanych z cenzurą i wadze zachowania dziedzictwa kulturowego. Upamiętnia moc książek w podważaniu autorytetu, inspirowaniu krytycznego myślenia i budowaniu bardziej sprawiedliwego i egalitarnego społeczeństwa.

Wspólny wysiłek

Minujín ściśle współpracuje z Amerykańskim Stowarzyszeniem Bibliotekarzy (ALA) i innymi organizacjami w celu zebrania darowizn na rzecz Partenonu Książek. ALA, sponsorująca Tydzień Zakazanych Książek, przekazała już projektowi kilka zakwestionowanych książek.

Instalacja jest również częścią documenta 14, ważnego wydarzenia artystycznego odbywającego się jednocześnie w Atenach i Kassel. Ta współpraca podkreśla globalny charakter walki o wolność intelektualną i znaczenie międzynarodowej solidarności w obronie wolności słowa.

Trwałe dziedzictwo

Partenon Książek będzie wystawiany przez 100 dni, począwszy od 10 czerwca 2017 roku. Następnie książki zostaną przekazane do bibliotek i innych instytucji kultury na całym świecie. Minujín ma nadzieję, że instalacja wywoła dyskusje na temat cenzury, wolności intelektualnej i roli sztuki w promowaniu zmian społecznych.

Partenon Książek to mocne przypomnienie, że walka o wolność słowa trwa. Jest świadectwem odporności ducha ludzkiego i trwałej mocy słowa pisanego.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sztuka feministyczna

Wielka wystawa Barbary Kruger zamienia Chicago w płótno sztuki feministycznej

by Jasmine
written by Jasmine

Wystawa Barbary Kruger zamienia Chicago w płótno sztuki feministycznej

Sztuka na ulicach

Prowokująca sztuka feministyczna Barbary Kruger przejęła przestrzeń publiczną Chicago – od autobusów i pociągów po billboardy i witryny sklepowe. W ramach dużej wystawy w Art Institute of Chicago (AIC) kultowe obrazy i aforyzmy Kruger zdobią teraz miejski krajobraz, zacierając granicę między sztuką a komercją.

Wywrócenie mediów masowych

Sztuka Kruger często przywłaszcza wizualny język mediów masowych, takich jak reklamy i tabloidy. Poprzez mocne wykorzystanie tekstu i typografii kwestionuje normy społeczne i ujawnia dynamikę władzy związaną z tożsamością, pożądaniem i konsumpcjonizmem. Jej charakterystyczny biały tekst umieszczony na czerwonym lub czarnym tle stał się natychmiast rozpoznawalny.

Instalacje site-specific

W AIC prace Kruger wykraczają poza tradycyjne ściany galerii. Kuratorzy pieczołowicie pokryli ogromną Regenstein Hall i atrium Griffin Court muzeum winylowymi wydrukami jej dzieł. Te site-specific instalacje zanurzają zwiedzających w mocnych przesłaniach Kruger, zapraszając ich do angażowania się i interakcji z jej sztuką w nowy i nieoczekiwany sposób.

Nowe wersje dzieł

Wystawa prezentuje również nowe wersje znaków towarowych Kruger, które są teraz wyświetlane jako prace wideo na ogromnych ekranach LED w galeriach. Prace te, takie jak „Bez tytułu (kupuję, więc jestem)”, eksplorują tematy kultury masowej i konsumpcjonizmu.

Osobiste płótno

Wpływ Kruger wykracza poza mury muzeum. Przekształciła Chicago w swoje osobiste płótno, ozdabiając wszystko – od witryn sklepów przy Michigan Avenue po zewnętrzną część samego budynku Art Institute. Umieszczając swoją sztukę w przestrzeniach publicznych, Kruger zapewnia, że jej przesłania docierają do szerszej publiczności, kwestionując tradycyjne pojęcia sztuki i dostępności.

Wyraziste obrazy i trafne aforyzmy

Sztuka Kruger charakteryzuje się prostotą i bezpośredniością. Używa wyrazistych obrazów i trafiających w sedno aforyzmów, aby przekazać złożone przesłania. Jej aforyzmy, takie jak „Inwestujesz w boskość arcydzieła”, prowokują do myślenia i zachęcają widzów do kwestionowania własnych perspektyw.

Ponadczasowa wymowa

Chociaż wiele prac Kruger ma swoje korzenie w określonych kontekstach historycznych i społecznych, ich przesłania pozostają ponadczasowe. Jej kultowy obraz „Twoje ciało jest polem bitwy”, stworzony na potrzeby Marszu Kobiet na Waszyngton w 1989 roku, nadal funkcjonuje jako potężny symbol wzmocnienia pozycji kobiet.

Polityczne przesłanie

Decyzja Kruger o wystawieniu swojej sztuki w przestrzeni publicznej jest świadomym politycznym przesłaniem. Udostępniając swoją pracę wszystkim, niezależnie od ich statusu społeczno-ekonomicznego czy znajomości instytucji artystycznych, kwestionuje tradycyjne hierarchie i zapewnia, że jej przesłania mają szerszy wpływ.

Szczegóły wystawy

„Thinking of You. I Mean Me. I Mean You.” można oglądać w Art Institute of Chicago do 24 stycznia 2022 roku. Zwiedzający są zachęcani do odkrywania instalacji Kruger w całym muzeum i na otaczających je ulicach miasta. Mapa prac Kruger jest dostępna online dla tych, którzy chcą wybrać się na samodzielną wycieczkę.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sztuka publiczna

Unveiling the Hidden Gems: A Journey to Extraordinary Art Destinations

by Kim
written by Kim

Odkrywanie ukrytych klejnotów: podróż do niezwykłych destynacji sztuki

Z dala od utartych szlaków: odkrywanie nieoczekiwanej sztuki

Sztuka nie ogranicza się do muzeów i galerii. Kwitnie w najbardziej nieoczekiwanych zakątkach naszego świata. Grace Banks, entuzjastka sztuki z wyczulonym okiem na niezwykłość, zabiera czytelników w artystyczną odyseję poza konwencjonalne miejsca w swojej książce „Art Escapes”. Ujawnia ona urzekającą gamę dzieł sztuki w przestrzeni publicznej, które zainspirują, zachwycą i poszerzą Twoje postrzeganie sztuki.

Arcydzieła pustyni: rzeźbienie Sahary

W samym sercu pustyni Sahara, kolosalne dzieło sztuki wyłania się z rozległej piaszczystej przestrzeni. Desert Breath, milion-metrokwadratowa kreacja autorstwa Alexandry Stratou, Danae Stratou i Stelli Constantinides, jest świadectwem potęgi współpracy i nieograniczonych możliwości sztuki. Jej misterny wzór spirali, zestawiony z okrągłymi otworami, zaprasza do kontemplacji i zdumienia.

Drzewo na pustyni: surrealizm zapuszcza korzenie

Pośród niegościnnego krajobrazu solnych równin stanu Utah, 80-stopowe drzewo stoi jako niespodziewana oaza. „Drzewo stanu Utah” Karla Momena rzuca wyzwanie jałowemu otoczeniu, jego betonowy pień i kolorowe kule zdobione są lokalnymi skałami i minerałami. Ta inspirowana pop-artem rzeźba przekształca monotonne równiny w kapryśny i skłaniający do myślenia spektakl.

Kalejdoskopowa przystań: kaplica na wsi

Na pagórkowatych wzgórzach włoskiej wsi Umbrii kaplica Barolo stanowi żywy kontrast z otaczającymi winnicami. Zaprojektowana przez Sola LeWitta, budowla jest arcydziełem minimalizmu, a jej zewnętrzna część zdobiona jest różnorodnymi żywymi odcieniami, które ożywiają kaplicę. Ten niekonsekrowany kościół jest świadectwem przemieniającej mocy koloru i zdolności sztuki do przekraczania jej tradycyjnych granic.

Surrealistyczne sanktuarium: ogród snów

Położone w bujnych lasach deszczowych środkowego Meksyku, Las Pozas jest surrealistycznym rajem wymyślonym przez brytyjskiego poetę Edwarda Jamesa. Zainspirowany dziełami Salvadora Dalego i innych pionierów surrealizmu, James stworzył kapryśną oazę wykonaną z metalowych łuków, krętych schodów, betonowych filarów i wodospadów. Ten zaświatowy park rzeźb zaprasza zwiedzających, aby zgubili się w labiryncie wyobraźni i kreatywności.

Kropkowane dynie: japońska ikona

Na spokojnej wyspie Naoshima, u wybrzeży Japonii, gigantyczne kropkowane dynie Yayoi Kusamy stały się kultowym symbolem sztuki współczesnej. Te zabawne rzeźby, przypominające wydrążone dynie, oczarowują zwiedzających swoimi żywymi kolorami i kapryśnym wzornictwem. Prace Kusamy eksplorują tematy nieskończoności i powtórzenia, zapraszając widzów do interakcji z przemieniającą mocą sztuki.

Pałac listonosza: potęga wyobraźni

Na malowniczej francuskiej wsi Palais Idéal jest świadectwem nieograniczonej wyobraźni Ferdynanda Cheval, skromnego listonosza. Przez 33 lata Cheval przekształcił kawałek ziemi w niezwykły pałac. Zbudowany z przedmiotów znalezionych, piaskowca i muszli, pałac jest arcydziełem sztuki autsajderskiej, ukazującym przemieniającą moc wytrwałości i kreatywności.

Cyfrowe zanurzenie: przekraczanie granic

W awangardowej scenie artystycznej Tokio, teamLab, japoński kolektyw artystyczny, przesuwa granice sztuki dzięki technologii cyfrowej. Ich wystawa „Planety” zaprasza zwiedzających, aby stali się jednością z naturą, zanurzając ich w polu kwiatów i kalejdoskopowych kolorów. „Rezonujące życie w Dębowym Lesie”, ich instalacja plenerowa, przekształca las w żywe, oddychające dzieło sztuki, gdzie cyfrowe kule tańczą pośród drzew.

Wiejska rewolucja: sztuka na silosach nabiera rozpędu

W rolniczym sercu Australii Guido van Helten przekształcił serię górujących silosów zbożowych w tętniącą życiem trasę sztuki. Jego portrety rolników stanowią hołd dla społeczności wiejskiej, a inni artyści dodali własne niepowtarzalne elementy. Trasa sztuki na silosach w Brim stała się miejscem pielgrzymek dla entuzjastów sztuki, przyciągając zwiedzających do tego odległego regionu, aby docenili moc sztuki w ożywianiu i łączeniu.

Artystyczna odyseja: odkrywanie ukrytych skarbów

„Art Escapes” Grace Banks zaprasza do odkrywania niezwykłej sztuki, która istnieje poza granicami tradycyjnych przestrzeni sztuki. Od pustyni Sahara po japońską wieś, od surrealistycznych ogrodów po cyfrowe zanurzenia, ta książka odsłania świat nieoczekiwanych destynacji artystycznych, które zainspirują, oczarują i poszerzą Twoje horyzonty. Niezależnie od tego, czy jesteś zapalonym miłośnikiem sztuki, czy po prostu ciekawym cudów kreatywności, „Art Escapes” to obowiązkowa lektura, która rozpali Twoją wyobraźnię i wzbogaci Twoje podróże.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sztuka publiczna

6 monumentalnych instalacji sztuki na świeżym powietrzu, które musisz zobaczyć tego lata

by Zuzana
written by Zuzana

Sześć monumentalnych instalacji sztuki plenerowej, które musisz zobaczyć tego lata

Omiń muzea i wyrusz na artystyczną przygodę z tymi imponującymi, wielkoformatowymi instalacjami.

Seven Magic Mountains: tęcza na pustyni w Nevadzie

Położone w surrealistycznym krajobrazie Nevady „Seven Magic Mountains” szwajcarskiego artysty Ugo Rondinone to zapierający dech w piersiach widok. Zainspirowany wznoszącymi się formacjami skalnymi znanymi jako hoodoo, Rondinone ułożył 33 masywne głazy, pomalowane w żywych kolorach, tworząc hipnotyzującą tęczę, która rozciąga się przez pustynię. Widoczna z Interstate 15 instalacja oferuje poetyckie zestawienie natury i ludzkiej kreatywności.

Beartooth Portal: głęboka więź z naturą w Montanie

W Tippet Rise Art Center w Montanie „Beartooth Portal” pracowni Ensamble Studio płynnie łączy sztukę i naturę. Wykorzystując glebę z tego miejsca, architekci stworzyli dwa kolosalne głazy, które opierają się o siebie, wywołując pierwotne połączenie z otaczającym krajobrazem. W nadchodzących miesiącach centrum będzie gościć różne występy i pokazy, zapraszając zwiedzających do zanurzenia się w interakcji sztuki i świata przyrody.

ARC ’89: symbol niemieckiej transformacji

Poza Bonn w Niemczech „ARC ’89” francuskiego artysty Bernara Veneta stoi jako świadectwo historycznej ewolucji kraju. Instalacja składa się z 14 wznoszących się stalowych belek, wygiętych pod kątem 89 stopni, przypominających kawałki spaghetti. Odsłonięta w 1989 roku, w roku upadku muru berlińskiego, ta monumentalna rzeźba reprezentuje niezwykłą transformację Niemiec i służy jako przypomnienie jej odporności.

Swale: pływający las żywności w Nowym Jorku

Rzucając wyzwanie ograniczeniom przestrzeni miejskiej, nowojorska artystka Mary Mattingly stworzyła „Swale”, pływający projekt żywnościowy, który będzie żeglował po wodach Manhattanu, Brooklynu i Bronxu. Ta 130-stopowa „barka wypełniona warzywami” pełni jednocześnie funkcję rzeźby i ważnego zasobu społeczności, dostarczając świeże produkty do zaniedbanych obszarów. Swale zachęca nas do przemyślenia naszych systemów żywnościowych i opowiadania się za żywnością jako podstawowym prawem człowieka.

Owens Lake Project: przywracanie ziemi przez sztukę

Owens Lake w Kalifornii, niegdyś źródło zanieczyszczeń, zostało przekształcone w płótno sztuki publicznej. „Owens Lake Project” firmy NUVIS Landscape Architecture to inicjatywa restauracyjna, która łączy sztukę i ochronę środowiska. Szlaki turystyczne, miejsca obserwacji dzikiej przyrody i struktury architektoniczne wykonane z zardzewiałego metalu, betonu i kamienia zdobią krajobraz, świętując kruche piękno świata przyrody.

Gwieździsta noc: arcydzieło wyobrażone na nowo na Tajwanie

W niezwykłym akcie kreatywnego recyklingu firma Unison Developing Co. Ltd. odtworzyła kultowy obraz Vincenta van Gogha „Gwieździsta noc” przy użyciu ponad czterech milionów plastikowych butelek. Zlokalizowana w Starry Paradise Park w pobliżu Tajpej na Tajwanie, ta rozległa instalacja zajmuje niemal 131 akrów i służy jako poruszające przypomnienie o znaczeniu zrównoważonego rozwoju i przemieniającej mocy sztuki.

Planując swoje letnie przygody, rozważ wyjście poza mury muzeów i zwiedzanie tych niezwykłych instalacji sztuki plenerowej. Oferują one wyjątkową okazję do połączenia się z naturą, zaangażowania we współczesną sztukę i doświadczenia bezgranicznej kreatywności ludzkiego ducha.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sztuka publiczna

Dupont Underground: Ukryty skarb w sercu Waszyngtonu

by Jasmine
written by Jasmine

Dupont Underground: Ukryty skarb w sercu dzielnicy Waszyngtonu D.C.

Historia Dupont Underground

Głęboko pod ruchliwymi ulicami Dupont Circle znajduje się zapomniana sieć tuneli i peronów, pozostałość po minionych czasach transportu tramwajowego. Zbudowane w połowie XX wieku w celu złagodzenia korków, te podziemne przestrzenie przez ponad dekadę pełniły ważną rolę w systemie transportowym miasta. Jednak wraz ze spadkiem liczby pasażerów korzystających z tramwajów w latach 60. tunele zostały porzucone i popadły w ruinę.

Ponowne wykorzystanie adaptacyjne: sztuka przenosi się pod ziemię

W ostatnich latach grupa pasjonatów podjęła ambitną misję przekształcenia tych zapomnianych przestrzeni w tętniące życiem centrum kulturalne. Projekt Dupont Underground, kierowany przez architekta Juliana Hunta, ma na celu dostosowanie tuneli i peronów do funkcji podziemnej przestrzeni artystycznej prezentującej różnorodne formy ekspresji artystycznej.

Hunt, zainspirowany udanymi przykładami podziemnych przestrzeni artystycznych na całym świecie, takimi jak Kunst im Tunnel w Düsseldorfie i High Line w Nowym Jorku, wyobraża sobie Dupont Underground jako miejsce przeznaczenia dla twórczych umysłów i miłośników sztuki.

Peron wschodni: surowa przestrzeń dla ekspresji artystycznej

Pierwsza faza projektu koncentruje się na otwarciu peronu wschodniego dla publiczności. Z uwagi na minimalne wyposażenie i surową estetykę przestrzeń ta zachowuje historyczny charakter opuszczonej stacji. Koalicja stojąca za Dupont Underground planuje organizację różnych wydarzeń, w tym występów muzycznych, przedstawień teatralnych i eksperymentalnych instalacji artystycznych.

Peron zachodni: główna przestrzeń eventowa z infrastrukturą

Większy peron zachodni, który niegdyś mieścił upadłe przedsięwzięcie gastronomiczne, stanowi wyjątkową okazję do transformacji. Dzięki istniejącej infrastrukturze, obejmującej zasilanie energią elektryczną, wodę i klimatyzację, przestrzeń można łatwo dostosować do głównej przestrzeni eventowej mogącej pomieścić do 1000 osób. Organizacja obecnie poszukuje funduszy na wsparcie tej ambitnej renowacji.

Korzyści płynące z podziemnych przestrzeni artystycznych

Tworzenie podziemnych przestrzeni artystycznych niesie ze sobą wiele korzyści dla miast. Na gęsto zaludnionych obszarach, gdzie przestrzeń jest ograniczona, wykorzystanie porzuconej lub niewykorzystywanej infrastruktury może stanowić wyjątkowe rozwiązanie umożliwiające rozszerzenie oferty kulturalnej.

Ponadto podziemne przestrzenie mają długą historię fascynacji i tajemniczości w ludzkiej psychice. Umieszczając sztukę pod ziemią, Dupont Underground wykorzystuje to pierwotne połączenie i tworzy naprawdę wciągające doświadczenie.

Rola sztuki w rozwoju miasta

Projekt Dupont Underground nie dotyczy jedynie stworzenia nowej przestrzeni artystycznej. Chodzi również o wykorzystanie sztuki jako katalizatora odnowy miejskiej i zaangażowania społeczności. Poprzez przekształcanie zapomnianych przestrzeni w tętniące życiem miejsca kultury projekt ma na celu ożywienie okolicy i promowanie poczucia miejsca.

W obliczu wyzwań związanych z rozwojem i starzeniem się infrastruktury, z jakimi borykają się amerykańskie miasta, adaptacyjne ponowne wykorzystanie porzuconych przestrzeni stanowi zrównoważone i twórcze rozwiązanie w celu zaspokojenia potrzeb zmieniającego się krajobrazu miejskiego. Dupont Underground jest dowodem na to, że sztuka ma moc przekształcania zapomnianych miejsc i inspirowania nowych możliwości.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Sztuka ulicy

„Niewolnicza praca” Banksy’ego: czyja jest sztuka publiczna na prywatnej własności?

by Jasmine
written by Jasmine

Banksy’ego „Niewolnicza praca” – mural: czyja jest sztuka publiczna na prywatnej własności?

Tło

Banksy, znany twórca sztuki ulicznej, w 2012 roku stworzył mural zatytułowany „Niewolnicza praca”. Mural przedstawiający chłopca klęczącego przy maszynie do szycia z flagą Union Jack pojawił się na ścianie zewnętrznej sklepu Poundland w północnym Londynie. Mural stał się przedmiotem kontrowersji w 2010 roku, kiedy Poundland został oskarżony o sprzedaż towarów wyprodukowanych przez nieletnich pracowników z Indii.

Spór o własność

W ostatnich latach własność muralu Banksy’ego „Niewolnicza praca” stała się przedmiotem debaty. Mural został wycięty ze ściany i wysłany do domu aukcyjnego w Miami, gdzie oczekiwano, że osiągnie cenę od 500 000 do 700 000 dolarów. Jednak aukcja została odwołana pośród publicznych kontrowersji dotyczących legalności i etyki usuwania i sprzedaży sztuki publicznej.

Dom aukcyjny twierdził, że mural został nabyty legalnie od właściciela prywatnej ściany, na której został namalowany. Jednak niektórzy twierdzą, że sztuka publiczna, nawet jeśli jest tworzona na prywatnej własności, powinna być dostępna dla ogółu społeczeństwa.

Kwestie prawne

Podstawy prawne dotyczące własności sztuki publicznej na prywatnej własności są złożone i różnią się w zależności od jurysdykcji. Zasadniczo właściciel nieruchomości posiada tytuł prawny do wszelkich przymocowanych do niej urządzeń, w tym murali. Mogą jednak występować wyjątki lub ograniczenia nałożone przez lokalne przepisy lub orzecznictwo.

W przypadku muralu Banksy’ego „Niewolnicza praca” lokalna rada wyraziła chęć przywrócenia dzieła sztuki społeczności. Sugeruje to, że rada może mieć podstawy prawne do zgłoszenia roszczenia do muralu na podstawie swojej polityki ochrony sztuki publicznej.

Implikacje etyczne

Poza kwestiami prawnymi sprzedaż sztuki publicznej budzi obawy etyczne. Krytycy twierdzą, że usuwanie i sprzedaż sztuki ulicznej pozbawia społeczeństwo możliwości korzystania z niej i podważa pierwotny zamiar artysty. Twierdzą, że sztuka publiczna powinna być zachowana w swoim oryginalnym kontekście i dostępna dla wszystkich.

Potencjalny wpływ na rynek sztuki ulicznej

Sprzedaż muralu Banksy’ego „Niewolnicza praca” wzbudziła obawy dotyczące potencjalnego wpływu na rynek sztuki ulicznej. Jeśli sztuka publiczna może być legalnie usunięta i sprzedawana w celu osiągnięcia zysku, może to doprowadzić do sytuacji, w której prywatni kolekcjonerzy będą nabywać i komercjalizować sztukę uliczną, pozbawiając społeczeństwo dostępu do tych dzieł.

Znaczenie historyczne i kulturowe

Mural Banksy’ego „Niewolnicza praca” to nie tylko cenne dzieło sztuki, ale także ma znaczenie historyczne i kulturowe. Jest to komentarz na temat wyzysku pracowniczego i roli korporacji w utrwalaniu nierówności społecznych. Mural stał się symbolem oporu i przypomnieniem o znaczeniu ochrony sztuki publicznej.

Wnioski

Własność i sprzedaż muralu Banksy’ego „Niewolnicza praca” wywołały złożoną debatę obejmującą kwestie prawne, etyczne i kulturowe. Wynik tej sprawy będzie miał wpływ na przyszłość sztuki publicznej oraz prawa artystów i społeczeństwa.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Rzeźba

Opowieść o dwóch Lucy: pomnikowe dziedzictwo Lucille Ball

by Jasmine
written by Jasmine

Statuy Lucille Ball: opowieść o dwóch Lucy

Odsłonięcie „Nowej Lucy”

W urokliwym miasteczku Celoron w stanie Nowy Jork, gdzie Lucille Ball spędziła dzieciństwo, pojawiła się nowa statua upamiętniająca ukochaną komediantkę. Wyrzeźbiona przez artystkę Carolyn Palmer, „Nowa Lucy” dumnie stoi w Lucille Ball Memorial Park, oddając esencję Ball w jej ikonicznym stylu. Ubrana w sukienkę w kropki, wysokie obcasy, perłowy naszyjnik i idealnie uczesane włosy, statua emanuje blaskiem i duchem, które uczyniły Ball gwiazdą.

Kontrowersje wokół „Straszącej Lucy”

W 2009 roku w Celoron odsłonięto kolejną statuę Lucille Ball, nazywaną „Straszną Lucy”. Stworzona przez artystę Dave’a Poulin, brązowa rzeźba przedstawia Ball trzymającą butelkę fikcyjnego suplementu zdrowotnego Vitameatavegamin, co było nawiązaniem do klasycznego odcinka „I Love Lucy”. Jednak groteskowy wygląd statuy, z powykrzywianym grymasem, spotkał się z powszechną krytyką. Zarówno mieszkańcy, jak i fani domagali się jej usunięcia, a sam Poulin później wyraził niezadowolenie z rezultatu.

Reakcja opinii publicznej

Odsłonięcie „Straszącej Lucy” wywołało w Celoron gorącą debatę. Mieszkańcy zorganizowali się, aby usunąć pomnik, podczas gdy inni bronili jego wartości artystycznej. Statua stała się źródłem zarówno fascynacji, jak i kpiny, przyciągając tysiące zwiedzających chcących zobaczyć dziwaczną kreację. Pomimo kontrowersji, „Straszna Lucy” pozostała w parku przez wiele lat, świadcząc o trwałej sile opinii publicznej.

Ewolucja pomników Lucille Ball

Kontrastująca estetyka „Nowej Lucy” i „Straszącej Lucy” podkreśla ewolucję pomników Lucille Ball w Celoron. „Nowa Lucy” reprezentuje bardziej tradycyjne podejście, uchwytując podobieństwo Ball w pochlebny i wyidealizowany sposób. „Straszna Lucy” z kolei odzwierciedla bardziej niekonwencjonalną i humorystyczną interpretację spuścizny komediantki. Te dwie statuy dają zwiedzającym wyjątkową okazję do odkrycia różnych aspektów osobowości Ball.

Znaczenie sztuki publicznej

Debata wokół pomników Lucille Ball w Celoron podkreśla znaczenie sztuki publicznej w kształtowaniu krajobrazu kulturowego społeczności. Pomniki i inne formy sztuki publicznej są symbolami wspólnych wartości, wydarzeń historycznych i wpływowych postaci. Mogą wzbudzać dumę, sprzyjać dialogowi i przyciągać turystów z daleka.

Dziedzictwo Lucille Ball

Zarówno „Nowa Lucy”, jak i „Straszna Lucy” oddają hołd trwałemu dziedzictwu Lucille Ball jako jednej z najbardziej przełomowych kobiet w amerykańskiej komedii. Jej umiejętność rozśmieszania publiczności i nawiązywania więzi z postaciami pozostawiła trwały ślad w kulturze popularnej. Pomniki w Celoron służą jako przypomnienie o geniuszu Ball, jej wpływie na świat i jej szczególnej więzi z miastem, w którym dorastała.

Pielgrzymka dla fanów

Dla fanów Lucille Ball wizyta w Celoron jest obowiązkowa. Obecność zarówno „Nowej Lucy”, jak i „Straszącej Lucy” daje wgląd w wieloaspektową osobowość Ball i trwałą siłę jej dziedzictwa. Niezależnie od tego, czy zdecydują się podziwiać bardziej konwencjonalną „Nową Lucy”, czy ekscentryczną „Straszną Lucy”, turyści wyjadą z głębszym uznaniem dla komediantki, która przyniosła światu tyle radości.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Newer Posts
Older Posts