장-미셸 바스키아와 힙합 아트의 등장
그래피티와 협업의 영향
1980년대 뉴욕시의 활기찬 거리에서 젊은 예술가들의 네트워크가 힙합 운동의 고조로 인해 등장했습니다. 그중에는 미술계에 혁명을 일으킬 작품을 남긴 몽상가적 그래피티 아티스트 장-미셸 바스키아가 있었습니다.
A-One, Fab 5 Freddy, Keith Haring, Lady Pink, Rammellzee 등과 함께 바스키아와 그의 동료들은 힙합 문화와 깊은 연관성을 공유했습니다. 그들은 음악, 거리 예술, 시대를 정의한 사회적 문제에서 영감을 얻었습니다.
그들의 예술적 협업은 그래피티와 미술의 경계에 도전했습니다. 그들은 지하철 차량을 캔버스로 바꿔 도시의 정신을 담은 활기차고 생각을 자극하는 작품을 창작했습니다.
이 협업은 힙합 아트를 정당한 예술 형태로 등장시키는 데 중추적인 역할을 했습니다. 덕분에 이 예술가들은 갤러리와 미술관에서 작품을 전시하며 거리의 목소리를 주류 미술계로 끌어올릴 수 있었습니다.
바스키아의 영향과 유산
장-미셸 바스키아의 작품은 원초적인 에너지와 복잡한 주제에 대한 탐구로 두각을 나타냈습니다. 그의 대규모 그림은 대담한 색상과 기호를 병치해 인종, 식민주의, 체계적 억압의 문제를 탐구했습니다.
바스키아의 독특한 스타일과 예술적 비전은 빠르게 인정받았습니다. 그는 세계적인 예술가 스타가 되었고 그의 작품은 경매에서 천문학적인 가격에 팔렸습니다. 하지만 27세의 나이로 헤로인 과용으로 비극적으로 사망하면서 그의 유망한 커리어는 끝을 맺었습니다.
짧은 생애에도 불구하고 바스키아는 현대 미술에 지대한 영향을 남겼습니다. 그의 작품은 계속해서 예술가들에게 영감을 주고 사회적 규범에 도전합니다.
포스트 그래피티 운동
바스키아를 비롯한 힙합 운동과 관련된 예술가들은 “포스트 그래피티” 아티스트로 알려지게 되었습니다. 그들은 지하철 차량에 “폭탄”을 터뜨리는 것에서 탈피해 갤러리와 수집가들을 위한 의뢰 작품을 만들기 시작했습니다.
그중에는 이 신예 아티스트들의 작품을 전시하는 데 중요한 역할을 한 상징적인 Fun Gallery가 있습니다. Fun Fridge는 그들의 예술 작품으로 장식된 냉장고로, 이스트 빌리지에서 펼쳐지고 있는 활기찬 예술 풍경을 상징하는 곳이 되었습니다.
A-One, Lee Quiñones 등의 예술가들은 서로 다른 매체와 스타일을 실험하며 예술의 경계를 계속해서 넓혀갔습니다.
고딕 미래주의의 철학
퀸즈 출신의 이탈리아계 흑인 예술가 Rammellzee는 “고딕 미래주의”의 철학을 받아들였습니다. 이 철학은 그래피티 작가들을 권위주의적 통제에 맞서 표현의 자유를 위한 전투에 연결했습니다.
Rammellzee의 미래적 전사 묘사는 힙합을 초기 아프로퓨처리즘 운동과 연결했습니다. 그의 작품은 정체성, 기술, 사회 정의를 위한 투쟁 등의 주제를 탐구했습니다.
거리에서 갤러리로
장-미셸 바스키아가 이끈 포스트 그래피티 아티스트들은 거리 예술과 주류 문화의 간극을 좁히는 데 핵심적인 역할을 했습니다. 그들은 미술계의 엘리트주의에 도전했고 다양한 배경에서 온 새로운 세대의 예술가들이 등장할 수 있는 길을 열었습니다.
그들의 작품은 오늘날에도 여전히 공감을 불러일으키며, 현대 예술가들에게 영감을 주고 도시의 시각적 풍경을 형성합니다. 장-미셸 바스키아와 그의 동료들의 유산은 사회를 변화시키고 소외된 목소리에 힘을 실어주는 예술의 힘을 증명하는 증거입니다.
슈퍼 마리오 64: 세계에서 가장 비싼 비디오 게임
기록적인 경매
획기적인 경매에서, 사랑받는 비디오 게임 “슈퍼 마리오 64″의 완벽한 카피가 기록을 깨뜨리고 사상 가장 비싸게 판매된 비디오 게임이 되었습니다. 완벽에 가까운 상태를 인정받아 Wata Scale에서 9.8점을 받은 1996년 카트리지는 무려 156만 달러에 낙찰되었습니다. 이는 불과 이틀 전 “젤다의 전설” 카피가 세운 이전 기록을 뛰어넘은 것입니다.
마리오의 지속적인 유산
시게루 미야모토가 창작한 상징적인 비디오 게임 캐릭터 마리오는 수많은 세대의 게이머를 사로잡았습니다. 콧수염을 기른 이탈리아 인부로 1981년 처음 등장한 이후 엔터테인먼트계에서 가장 널리 알려진 인물 중 한 명으로 거듭났습니다. 마리오만의 밝은 빨간 오버올, 명랑한 catchphrase, 뛰어난 민첩성으로 인해 그는 게임 세계에서 사랑받는 상징이 되었습니다.
닌텐도의 게임계 지배
마리오와 “슈퍼 마리오 64″의 제작사인 닌텐도는 오랫동안 비디오 게임 업계를 지배해 왔습니다. 1996년 “슈퍼 마리오 64″의 출시는 마리오 프랜차이즈에 몰입적인 3차원 환경을 도입하면서 게임의 분수령이 되었습니다. 1,200만 장 이상이 판매된 “슈퍼 마리오 64″는 닌텐도의 지속적인 인기를 입증합니다.
가격 급등에 기여한 향수
1990년대 비디오 게임과 함께 자란 밀레니얼 세대가 최근 복고풍 게임 가격 급등을 이끌고 있는 것으로 여겨집니다. 이러한 게임들과 관련된 향수로 인해 최고 상태의 카트리지에 대한 인식과 수요가 새로워졌습니다. 이로 인해 “슈퍼 마리오 64″와 “젤다의 전설”과 같은 상징적인 타이틀에서 기록적인 매출이 발생했습니다.
완벽한 카트리지
새롭게 경매된 “슈퍼 마리오 64” 카트리지는 뛰어난 상태로 눈길을 사로잡았습니다. 보호용 플라스틱에 싸여 있고 아직도 공장 봉인이 풀리지 않은 상태로, Wata Scale에서 탐낼 만한 9.8점을 받았으며 사실상 손상이 없는 것을 의미합니다. 이러한 수준의 보존은 드물며 수집가들이 매우 선호합니다.
전문가 관점
비디오 게임 역사가 크리스 코엘러는 기록적인 판매에 놀라움을 표하며 좀 더 유명한 게임이 이런 기록을 갱신할 것이라고 예상했다고 밝혔습니다. 코엘러는 높은 가격을 향수 요인과 훌륭한 상태로 보존된 카트리지의 희소성 때문이라고 설명했습니다.
Heritage Auctions의 비디오 게임 전문가 발레리 맥클레키는 코엘러의 의견에 공감하며 최종 가격에 “도肝을 を抜혔다”고 말했습니다. 그녀는 Wata Scale에서 높은 등급을 받으려면 완벽한 상태가 중요하다고 강조했습니다.
시장 동향과 미래 시사점
“슈퍼 마리오 64″와 “젤다의 전설”의 기록적인 매출은 희귀 비디오 게임의 가치에 대한 새로운 기준을 세웠습니다. 이러한 추세가 계속될지는 지켜봐야겠지만 향수와 희소성이 이러한 탐내는 수집품의 가격을 결정하는 데 중요한 역할을 한다는 것은 분명합니다.
꿈결 같은 느낌부터 드라마틱한 느낌까지 7가지 최고의 회색 페인트 색상
회색 페인트: 시대를 초월한 중간색
1. Sherwin-Williams Repose Gray
2. Farrow & Ball Skimming Stone
3. Valspar Gray-Green Linen
4. Behr Irish Mist
5. Benjamin Moore Sea Star
6. Sherwin-Williams Amazing Gray
7. Magnolia Prairie Smoke
회색 페인트 사용을 위한 팁
회색과 어울리는 색상
무드와 분위기
회색 벽에 어울리는 가구 아이디어
감성의 박물관: 기업적 스턴트인가, 정당한 예술인가?
기업 후원과 박물관 풍경
기업 후원은 오랫동안 미국의 박물관 시스템의 일부였습니다. 메트로폴리탄 미술관과 스미소니언 국립 미국 역사 박물관과 같은 박물관은 코흐 형제와 SC 존슨과 같은 기업으로부터 수백만 달러의 기부금을 받았습니다.
기업 후원이 박물관에 귀중한 자금을 제공할 수 있지만, 기업 이익의 영향을 많이 받는 박물관의 정당성에 대한 의문도 제기됩니다.
감성의 박물관: 사례 연구
뉴욕시의 팝업 박물관인 감성의 박물관은 정당한 문화 기관이라기보다는 마케팅 스턴트에 가깝다는 비난을 받은 박물관의 주요 사례입니다.
에어 프레시너 회사인 글레이드가 후원하는 이 박물관은 다섯 개의 방으로 구성되어 있으며, 각 방은 다른 감정을 테마로 하고 그에 해당하는 글레이드 향수를 사용하여 향을 맡게 됩니다. 방문객은 한 방에서 다른 방으로 이동하면서 특정 감정을 불러일으키도록 설계된 다중 감각적 여정을 경험합니다.
오락 대 교육
감성의 박물관을 비판하는 사람들은 박물관과 일반적으로 연관되는 교육적 가치가 부족하다고 주장합니다. 그들은 박물관이 감정 과학이나 박물관 역사에 대한 어떤 정보도 제공하지 않는다고 지적합니다. 대신 방문객에게 교육하기보다는 오락을 위해 설계된 감각적 경험만 제공합니다.
교육학의 역할
워싱턴 DC에 있는 국립 초상화 갤러리의 수석 사학자 데이비드 워드는 교육적 논리가 부족한 것이 감성의 박물관을 다른 박물관과 구별하는 것이라고 주장합니다.
워드는 “이는 박물관이라기보다는 마사지 팔러와 더 비슷합니다.”라고 말합니다. “박물관은 우리가 오락을 위해 가는 곳이 아니라 주변 세계에 대해 배우는 곳이어야 합니다.”
박물관 큐레이션의 미래
감성의 박물관은 미국 문화에서 예술과 문화의 크라우드소싱이라는 더 큰 트렌드의 일부입니다. 이러한 트렌드는 대중이 학자와 학계보다 가치 있고 의미 있는 것을 결정하는 데 더 적합하다고 믿는 것에 기인합니다.
그러나 워드는 이러한 트렌드가 박물관의 질 저하로 이어질 수 있다고 경고합니다. 그는 “이성과 교육학 대신에 우리는 카니발에 가까워지는 것을 얻고 있습니다.”라고 말합니다.
사회적 중요성
워드는 박물관이 정당한 것으로 간주되기 위해서는 입증 가능한 사회적 중요성이 있어야 한다고 주장합니다. 박물관은 오락 이상의 것을 제공해야 합니다. 박물관은 우리가 주변 세계에 대한 이해에 기여하고 더 나은 시민이 되도록 도와야 합니다.
워드의 견해로는 감성의 박물관은 이러한 기준을 충족하지 못합니다. 이는 단순히 에어 프레시너를 판매하기 위한 영리한 마케팅 스턴트일 뿐입니다.
냄새와 감정의 과학
감성의 박물관은 냄새가 감정과 긴밀히 연관되어 있다는 생각에 기초합니다. 이러한 주장에는 약간의 진실이 있지만 냄새와 감정의 관계는 박물관에서 보여주는 것만큼 단순하지 않습니다.
미시간 대학의 신경 과학 박사인 아만다 화이트는 후각, 감정, 기억을 처리하는 뇌 영역이 서로 긴밀히 연결되어 있지만 일대일 관계는 아니라고 설명합니다.
그녀는 “기억은 실제로 두 영역을 연결하는 기능입니다.”라고 말합니다. “어떤 사람은 냄새와 관련된 극도로 부정적인 감정을 가질 수 있습니다. 왜냐하면 그 냄새가 불러일으키는 기억 때문입니다.”
결론
감성의 박물관이 정당한 박물관인지 여부는 논쟁의 여지가 있습니다. 어떤 비평가들은 그것이 단순히 교육적 가치가 없는 마케팅 스턴트라고 주장합니다. 다른 사람들은 그것이 예술과 감정을 경험하는 새롭고 혁신적인 방법이라고 주장합니다.
궁극적으로 감성의 박물관이 시간과 돈이 드는 가치 있는지 여부를 결정하는 것은 각 개인에게 달려 있습니다.
니콜라스 형제를 기리는 것: 20세기 최고의 댄스 팀
니콜라스 형제: 댄스의 유산
페이어드와 해롤드 니콜라스 형제는 엔터테인먼트계에 지울 수 없는 흔적을 남긴 전설적인 댄스 팀이었습니다. 그들의 탁월한 재능과 독특한 스타일은 80년 이상 동안 관객을 사로잡았고 진 켈리, 조지 발란신, 미하일 바리시니코프와 같은 댄스계의 아이콘들로부터 찬사를 받았습니다.
어린 시절과 영향
필라델피아에서 태어난 니콜라스 형제는 예술에 흠뻑 젖은 가정에서 자랐습니다. 그들의 부모는 보드빌에서 공연을 했고, 어린 형제들에게 다양한 아프리카계 미국 댄스 스타일을 보여주었습니다. 페이어드의 예리한 관찰력과 흉내 내는 재능으로 그는 이러한 스텝을 익혀 동생 해롤드에게 가르쳤습니다.
공식적인 훈련을 받지 못했지만 니콜라스 형제의 타고난 재능과 운동 능력은 그들을 뛰어난 댄서로 만들었습니다. 1930년대 초, 그들은 할렘의 유명한 코튼 클럽에서 중심 무대에 올랐고 중력을 무시하는 뛰기, 뒤집기, 스플릿을 선보였습니다.
브로드웨이와 할리우드 성공
니콜라스 형제의 명성은 빠르게 브로드웨이로 퍼졌고, 그들은 “지그펠드 폴리스 오브 1936″과 “베이브 인 암스”와 같은 히트 쇼에서 주연을 맡았습니다. 운동 능력, 우아함, 코미디적 타이밍이 독특하게 조화를 이루어 센세이션을 일으켰습니다.
브로드웨이에서 성공을 거두었음에도 불구하고 니콜라스 형제는 할리우드에서 인종적 장벽에 부딪혔습니다. 그들은 대부분의 영화에서 “특별 연기”로 분류되었고, 그들이 마땅히 받아야 할 주연을 맡지 못했습니다. 그럼에도 불구하고 그들은 “다운 아르헨타인 웨이”와 “스토미 웨더”에서 잊을 수 없는 댄스 루틴으로 오래도록 인상을 남겼습니다.
해적과 그 이후
1940년대에 니콜라스 형제는 마침내 “해적”이라는 할리우드 대작에서 빛을 발할 기회를 얻었습니다. 진 켈리는 스튜디오가 처음에는 그들의 대사를 잘라내고 싶어했지만 그들의 참여를 고집했습니다. “해적”에서 형제들은 그들의 타의 추종을 불허하는 곡예적 기술을 선보였고 도널드 오코너와 같은 미래의 댄스 전설들에게 영감을 주었습니다.
영향과 유산
니콜라스 형제의 영향력은 그들 자신의 공연을 훨씬 넘어섰습니다. 그들의 혁신적인 안무와 운동 능력은 밥 포시와 마이클 잭슨을 포함한 수많은 댄서들에게 영감을 주었습니다. 그들은 또한 하버드와 래드클리프와 같은 명문 기관에서 가르치며 미래 세대에 대한 댄스에 대한 지식과 열정을 공유했습니다.
유산 보존
뉴욕 필름 포럼의 레퍼토리 프로그래밍 디렉터인 브루스 골드스타인은 니콜라스 형제의 유산을 보존하기 위해 헌신했습니다. 그는 그들의 가정용 영화에서 발췌한 희귀 영상을 모았는데, 이 영상은 그들의 개인적인 삶과 독특한 댄스 스타일을 엿볼 수 있도록 해줍니다.
안타깝게도 이러한 비디오가 제작된 원본 16mm 필름은 분실되었습니다. 골드스타인은 니콜라스 형제의 커리어를 기록했을 뿐만 아니라 미국 댄스 역사상 중요한 시대를 값진 창문처럼 보여주는 이 귀중한 아카이브의 미래에 대해 우려하고 있습니다.
결론
니콜라스 형제는 진정한 개척자였으며 인종적 장벽을 무너뜨리고 댄스의 세계에 혁명을 일으켰습니다. 그들의 뛰어난 재능, 카리스마, 영향력은 댄서와 관객 모두에게 지속적으로 영감을 줍니다. 그들의 유산을 보존하는 것은 미래 세대가 이러한 뛰어난 공연자들의 예술성과 영향력을 이해할 수 있도록 하는 데 필수적입니다.
토마스 스트루트: 도발적인 예술 사진 작가
초기 생애와 영향
1954년 독일에서 태어난 토마스 스트루트는 획기적인 예술 사진으로 유명합니다. 화가로서 처음 훈련을 받은 스트루트의 예술적 여정은 영향력 있는 컨셉 아티스트 게르하르트 리히터 밑에서 공부하면서 형성되었습니다.
박물관 사진: 예술과 인간 상호 작용 탐구
스트루트의 시그니처 스타일은 생각을 자극하는 박물관 사진에서 등장했습니다. 너비가 최대 1.8 x 2.1미터에 이르는 이 거대한 이미지는 박물관과 갤러리에서 사람들이 예술 작품과 상호 작용하는 모습을 보여줍니다. 스트루트의 목표는 예술 이론을 풍자하는 것이 아니라 관객에게 예술 작품이 창작된 원래의 맥락을 상기시키는 것이었습니다.
예술과 관객의 역학 포착
Struth는 박물관 사진을 통해 예술과 그 청중 간의 복잡한 관계를 탐구합니다. 1990년 시카고 미술관에 있는 구스타프 카예보트의 “파리 거리; 비오는 날”에 대한 그의 상징적인 사진에서 묘사된 파리 사람들은 그려진 인물보다 더 생생해 보입니다. 이러한 대조는 관람객에게 시간이 지남에 따라 그리고 다른 상황에서 예술에 대한 우리의 인식이 어떻게 변하는지 의문을 제기하도록 유도합니다.
지평 확장: 거리 풍경, 풍경, 초상화
박물관 사진으로 가장 잘 알려져 있지만, 스트루트의 작품은 이러한 상징적인 작품 너머로 확장됩니다. 그는 또한 소름끼칠 정도로 사람이 없는 거리 풍경, 고요한 풍경, 친밀한 가족 초상화를 포착했습니다. 이러한 다양한 주제는 Struth가 인간 경험의 본질을 포착하려는 그의 예리한 눈을 드러냅니다.
의미의 층 밝히기
Struth의 사진은 단순히 사람과 장소를 표현한 것이 아니라 의미가 겹겹이 쌓여 있으며 우리의 예술, 시간, 자기 인식과의 관계에 대한 미묘한 질문을 제기합니다. 카메라 렌즈를 통해 자신의 대상을 관찰함으로써 Struth는 관람객에게 자신의 인식과 해석을 되돌아보도록 유도합니다.
예술이 인식에 미치는 영향 탐구
Struth는 박물관 사진에서 예술이 어떻게 현실에 대한 우리의 인식을 형성할 수 있는지 보여줍니다. 관람객을 묘사된 예술 작품과 같은 공간에 배치함으로써 그는 예술이 세계에 대한 이해에 어떻게 영향을 미치는지 고려하도록 장려합니다.
자기 인식 고무하기
Struth의 사진은 우리의 자기 인식을 자극하는 독특한 능력이 있습니다. 사람들을 보는 행위에 잡힘으로써, 그의 박물관 사진은 우리에게 예술에 대한 관찰자이자 해석가로서 우리 자신의 역할을 상기시킵니다. 이러한 자기 반성적 특성은 관람객에게 자신의 편견과 가정을 검토하도록 합니다.
공감과 연결 고취하기
지적인 자극을 넘어서 스트루트의 사진은 공감과 연결감을 불러일으킵니다. 박물관에 있는 사람들의 그의 이미지는 예술에 참여하는 보편적인 인간 경험을 드러냅니다. 피사체의 감정과 표현을 포착함으로써 Struth는 우리가 공유하는 인간성에 대한 공유된 이해를 조성합니다.
유산과 영향
토마스 스트루트의 예술 사진은 현대 미술계에 지울 수 없는 흔적을 남겼습니다. 예술과 인간 상호 작용을 포착하려는 그의 혁신적인 접근 방식은 표현에 대한 기존 개념에 도전했고, 수많은 다른 예술가들에게 영감을 주었습니다. 스트루트의 사진은 계속해서 사고를 자극하고, 감정을 불러일으키며, 관람객에게 예술의 변화력을 일깨워 줍니다.
예술가, 돈의 가치에 대한 의문을 제기하며 수백만 달러를 조각조각 찢다.
새로운 의미를 위한 통화 쇄기
예술계에서 경계는 끊임없이 밀리고 있으며, 한 예술가는 화제가 될 만한 예술 작품을 만들기 위해 수백만 달러를 찢어버림으로써 대담한 행보를 취했습니다. 전직 투자 은행가인 알베르토 에체가라이 게바라는 자신의 데뷔 작품으로 100만 달러가 넘는 현금을 찢어버렸습니다.
게바라의 영감은 미 재무부의 인쇄 및 조폐국을 방문하여 통화 파괴를 목격한 데서 비롯되었습니다. 그는 연방준비제도에서 가치 없는 현금을 입수하여 예술적 노력에 착수했습니다.
돈의 가치: 환상인가, 사회적 계약인가?
게바라는 The Atlantic 기사에서 설명했듯이, 파괴라는 아이디어를 탐구하기 위해 동기를 부여받았습니다. 그는 돈을 분해하여 새로운 의미를 부여하고자 했습니다. 찢긴 통화는 “머니볼: 100만 달러짜리 설치 작품”이라는 제목의 설치 작품에서 무라노 크리스털 구체에 전시되었습니다.
게바라는 자신의 작품을 통해 돈의 지각된 가치에 도전합니다. 설치 제작에 관한 영상에서 그는 “돈은 사회적 계약일 뿐, 인간이 만든 환상에 불과합니다.”라고 결론 내립니다.
예술의 매개체로서의 돈
게바라는 돈을 매개체로 사용한 최초의 예술가는 아닙니다. 브루클린 거주 예술가 마크 와그너는 아직 유통 중인 통화를 자르고 멋진 콜라주를 만듭니다. 제임스 찰스는 통화에 있는 대통령들의 초상화를 대중문화 인물로 대체합니다. 스콧 캠벨은 심지어 달러 지폐를 쌓아 3D 조각품을 만들기도 했습니다.
1994년에 예술가 스튜어트 셈플과 마크 맥고완은 이 개념을 한층 더 발전시켜 100만 파운드의 현금을 불태웠습니다. 그들의 행위는 논란을 불러일으켰고 돈의 가치와 사회에서 예술의 역할에 대한 의문을 제기했습니다.
통화의 무가치성
게바라가 찢어버린 종이 조각은 정부에 의해 가치가 없다고 여겨졌습니다. 기술적으로 유통되지 않는 미국 달러와 아르헨티나 페소였습니다. 그러나 어떤 형태로든 통화를 파괴한다는 생각은 여전히 사람들에게 공감을 불러일으킵니다. 찢어진 지폐는 더 이상 통용되지 않더라도 상점에서 사용하는 돈과 여전히 닮아 감정적인 반응을 유발합니다.
통화의 사회적 중요성
게바라의 예술 작품과 돈을 매개체로 사용하는 다른 예술가들의 행동은 돈의 사회적 중요성을 강조합니다. 그것은 강력한 감정을 불러일으키고, 우리의 인식에 도전하며, 진정한 가치에 대한 대화를 불러일으킬 수 있는 강력한 상징입니다.
파괴와 창조 탐구
게바라는 수백만 달러를 찢어버림으로써 파괴의 개념을 탐구하고 새로운 의미를 부여하려고 했습니다. 그는 자신의 예술 작품을 통해 관객에게 돈의 본성, 그 사회적 중요성, 그리고 예술이 우리의 선입견에 도전하는 역할을 질문하도록 촉구합니다.
통화의 파괴는 또한 창조 행위에 대한 의문을 제기합니다. 게바라의 예술 작품은 가치 없는 종이가 어떻게 새롭고 생각을 자극하는 것으로 변모하는지 보여줍니다. 그것은 파괴에서 창의적인 잠재력이 생겨날 수 있으며, 예술과 현실의 경계는 무엇인지 생각하게 만듭니다.
디자이너가 승인한 임대인 화이트가 아닌 9가지 중립적인 색상
서론
집에 페인트 색상을 선택할 때 화이트나 베이지와 같은 중립적인 색조를 고수하고 싶은 유혹을 받습니다. 그러나 스타일리시하면서도 매력적인 공간을 조성하고 싶다면 보다 독특한 중립적인 색상을 사용해보세요. 집에 성격을 더하면서도 과하지 않은 디자이너가 승인한 9가지 중립적인 색상을 소개합니다.
따뜻한 중립 색상
따뜻한 중립 색상은 아늑하고 매력적인 공간을 만드는 데 완벽합니다. 이러한 색상은 약간 노란색 또는 붉은색 바탕색이 있어 따뜻하고 친근한 느낌이 듭니다. 몇 가지 인기 있는 따뜻한 중립 색상은 다음과 같습니다.
- 네이비: 네이비는 전통적인 것부터 현대적인 것까지 다양한 스타일로 사용할 수 있는 고전적인 중립 색상입니다. 거실, 침실 또는 홈 오피스에 적합한 선택입니다.
- 토프: 토프는 회색과 갈색을 섞은 색상으로, 너무 따뜻하지도 차갑지도 않은 중립 색상을 찾는 데 훌륭한 선택입니다. 거실, 식당 또는 침실에 완벽합니다.
- 포레스트 그린: 포레스트 그린은 기분 좋고 매력적인 공간을 만드는 데 완벽한 짙고 진한 녹색입니다. 침실, 서재 또는 도서관에 좋은 선택입니다.
차가운 중립 색상
차가운 중립 색상은 약간 파란색 또는 회색 바탕색이 있어 시원하고 상쾌한 느낌이 듭니다. 몇 가지 인기 있는 차가운 중립 색상은 다음과 같습니다.
- 파스텔 블루: 파스텔 블루는 침실, 욕실 또는 보육실에 완벽한 부드럽고 차분한 색상입니다.
- 그레이지: 그레이지는 회색과 베이지를 섞은 색상으로, 너무 따뜻하지도 차갑지도 않은 중립 색상을 찾는 데 훌륭한 선택입니다. 거실, 식당 또는 주방에 완벽합니다.
- 크림: 크림은 따뜻하고 매력적인 색상으로 주방, 침실 또는 거실에 완벽합니다.
기타 중립적 옵션
위에 나열된 따뜻한 중립색과 차가운 중립색 외에도 여러분의 집에 성격을 더해줄 수 있는 몇 가지 다른 중립적 옵션이 있습니다. 여기에는 다음이 포함됩니다.
- 회갈색 녹색: 회갈색 녹색은 다양한 스타일에 사용할 수 있는 다목적 중립 색상입니다. 거실, 식당 또는 침실에 좋은 선택입니다.
- 라일락: 라일락은 침실, 욕실 또는 보육실에 완벽한 부드럽고 여성적인 색상입니다.
- 질감 있는 월페이퍼: 질감 있는 월페이퍼는 중립적인 벽에 미묘한 흥미로움을 더할 수 있습니다. 과하지 않으면서 방에 개성을 더하는 좋은 방법입니다.
집에 완벽한 중립 색상을 선택하는 방법
집에 중립적인 색상을 선택할 때 몇 가지 유념해야 할 사항이 있습니다.
- 바탕색 고려: 중립 색상의 바탕색은 따뜻하거나 시원한 느낌을 주는 것입니다. 따뜻한 바탕색에는 노란색, 빨간색, 주황색이 포함되고, 차가운 바탕색에는 파란색, 녹색, 회색이 포함됩니다. 집 전체 스타일을 보완하는 바탕색을 선택하세요.
- 조명 생각하기: 방의 자연광 양은 중립적인 색상의 모양에 영향을 미칠 수 있습니다. 자연광이 많은 방에서는 더 어두운 중립적인 색상을 사용해도 됩니다. 자연광이 적은 방에서는 더 밝은 중립적인 색상을 사용해야 합니다.
- 실험 두려워하지 말기: 집에 완벽한 중립 색상을 찾는 가장 좋은 방법은 실험하는 것입니다. 집 벽에 색상 샘플을 칠하고 다른 조명 조건에서 어떻게 보이는지 확인해 보세요.
결론
중립적인 색상은 집에 스타일리시하고 매력적인 공간을 만드는 좋은 방법입니다. 올바른 중립 색상을 선택하고 위의 팁을 따르면 앞으로도 오랫동안 사랑할 공간을 만들 수 있습니다.
erosion의 예술: 지식의 산맥
학제간 예술가, 백과사전을 풍경으로 변환
학제간 예술가인 가이 라라미는 버려진 백과사전으로 만든 초현실적인 풍경을 통해 지식과 그 구체화에 대한 인식에 도전하고 있습니다.
은유로서의 침식
“Adieu”와 “무지의 사막”이라는 적절한 제목의 라라미의 복잡한 풍경은 디지털 시대에 지식이 침식되는 것을 탐구합니다. 이 책에 골짜기와 봉우리를 조각함으로써 그는 인터넷이 우리의 정보에 대한 접근을 지배함에 따라 인쇄물의 중요성이 퇴색해가는 것을 상징적으로 표현합니다.
문화적 침식
라라미의 예술은 우리가 점점 더 디지털 소스에 의존함에 따라 문화와 지식이 침식될 가능성에 대해 의문을 제기합니다. 그의 작품은 한때 우리 이해의 초석이었던 책의 물리적 존재가 쓸모없게 되었는지 의문을 제기합니다.
지식의 여정
자신의 작가 성명에서 라라미는 지식의 변화하는 본질을 다음과 같이 반영합니다. “사용하지 않는 지식의 산은 본래 모습으로 돌아갑니다. 산이죠. 조금 더 침식되면 언덕이 됩니다. 그러면 평평해져 아무것도 일어나지 않는 것처럼 보이는 들판이 됩니다.” 이 진술은 지식이 처음 생겨나서 궁극적으로 쓸모없게 되기까지의 순환적 여정을 간결하게 요약합니다.
인류학적 영향
라라미가 토고와 페루와 같은 외딴 지역을 여행한 경험은 그의 예술적 수행에 큰 영향을 미쳤습니다. 그의 풍경은 브라질의 아파라도스 다 세라, 에콰도르의 안데스 산맥, 에티오피아의 고지대와 같이 그가 만난 지리적 형성에서 영감을 얻은 경우가 많습니다.
예술적 과정
라라미는 자신의 초현실적인 효과를 얻기 위해 다양한 기술을 사용합니다. 정교한 손 도구부터 강력한 전기 톱에 이르기까지 그는 책을 꼼꼼히 조각하여 복잡한 질감과 형태를 만듭니다. 이 과정은 관람객에게 예술의 경계를 의문시하고 조각과 회화 사이의 경계를 흐리게 하도록 합니다.
협업 및 인정
라라미의 작품은 예술계에서 큰 주목을 받았습니다. 유명한 온라인 아트 간행물인 Colossal은 백과사전 브리태니카 전체 세트를 조각한 그의 야심 찬 프로젝트인 “Adieu”를 소개했습니다. 그는 또한 영향력 있는 아트 매거진인 Beautiful/Decay와 협업하여 생각을 자극하는 작품을 선보였습니다.
관람객에게 미치는 영향
라라미의 풍경은 관람객에게 지식의 본질, 접근성, 잠재적 침식에 대해 생각해 볼 것을 권장합니다. 그의 예술은 우리가 디지털 시대에 인쇄물의 역할과 정해진 관념을 의문시하는 데 있어서 예술의 지속적인 힘에 대해 생각해 보도록 합니다.
유산 및 영감
가이 라라미의 독특하고 감동적인 조각품은 예술의 변화력에 대한 증거입니다. 버려진 백과사전을 풍경으로 변환함으로써 그는 물리적, 디지털을 불문하고 모든 형태의 지식과 문화를 보존하는 것의 중요성에 대해 인식을 제고합니다. 그의 작품은 지속적으로 영감을 주고 자극을 주며, 우리에게 정보와의 관계의 본질과 인쇄된 단어의 지속적인 중요성에 의문을 제기하도록 합니다.