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Fotocamera Lytro: il futuro della fotografia?

by Jasmine
written by Jasmine

Fotocamera Lytro: il futuro della fotografia?

Rivoluzionare la messa a fuoco e l’interattività

La fotocamera Lytro è un’invenzione rivoluzionaria che mira a trasformare il modo in cui catturiamo e sperimentiamo le immagini. A differenza delle fotocamere tradizionali, Lytro elimina la necessità di messa a fuoco manuale e introduce un nuovo livello di interattività nella fotografia.

Come funziona la fotocamera Lytro

La fotocamera Lytro cattura molti più dati rispetto alle fotocamere convenzionali, inclusi la direzione e gli angoli della luce. Questi dati vengono memorizzati nella foto, consentendo agli utenti di regolare la messa a fuoco dopo che l’immagine è stata scattata. Ciò elimina la frustrazione delle foto sfocate o fuori fuoco.

Fotografie interattive

Una delle caratteristiche più interessanti della fotocamera Lytro è la sua capacità di creare fotografie interattive. Quando vengono visualizzate su alcune piattaforme, come Facebook o Flickr, queste foto consentono agli utenti di spostare la messa a fuoco, creando un’esperienza unica e coinvolgente. Ciò apre nuove possibilità per la narrazione e l’espressione artistica.

Vantaggi della fotocamera Lytro

  • Creatività migliorata: la possibilità di regolare la messa a fuoco dopo lo scatto offre ai fotografi una maggiore libertà creativa per esplorare diverse composizioni e prospettive.
  • Qualità dell’immagine migliorata: l’avanzata tecnologia della fotocamera Lytro cattura più luce e dettagli, risultando in immagini più nitide e vivide.
  • Facilità d’uso: con la sua semplicità punta e scatta, la fotocamera Lytro è perfetta sia per i fotografi principianti che per quelli esperti.

Limiti della fotocamera Lytro

  • Primi modelli: i modelli Lytro attuali hanno una capacità di archiviazione limitata e non possono registrare video.
  • Problemi di compatibilità: attualmente, le immagini Lytro possono essere caricate solo su Mac.
  • Opzioni di modifica limitate: le funzioni di modifica delle foto sono ancora limitate e non esiste un’opzione di trasferimento wireless per le immagini.

App di modifica foto per dispositivi mobili

Per migliorare l’esperienza Lytro, prendi in considerazione l’utilizzo di app di modifica foto per dispositivi mobili come Snapseed. Queste app offrono una gamma di funzioni, dalle regolazioni di base agli effetti speciali, consentendo agli utenti di perfezionare e personalizzare ulteriormente le proprie foto Lytro.

Altre notizie su fotocamere e fotografia

  • Fotocamera a pillola per il sistema digerente: i ricercatori hanno sviluppato una fotocamera a pillola che può essere indirizzata attraverso il sistema digerente per immagini mediche.
  • Fotocamere Wi-Fi di Samsung: Samsung ha rilasciato un’impressionante gamma di fotocamere Wi-Fi al Consumer Electronics Show.
  • Videocamera HD GoBandit: questa minuscola videocamera combina la registrazione video con i dati GPS e altimetrici, rendendola ideale per catturare avventure ricche di azione.
  • Baby monitor con Wi-Fi: i baby monitor di ultima generazione di BabyPing consentono ai genitori di monitorare i propri bambini a distanza tramite iPhone, iPad o iPod Touch.

Demo Lytro di CNET

Per una dimostrazione pratica della fotocamera Lytro, guarda la demo di Brian Tong di CNET. Mostra come utilizzare la fotocamera per catturare immagini mozzafiato, anche di dinosauri!

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Scultura

Origami: dove scultura incontra matematica

by Kim
written by Kim

Origami: dove scultura incontra matematica

Origami matematico: sfidare l’impossibile

Il teorico dell’origami computazionale Erik Demaine ha ampliato i confini dell’origami, creando sculture che sfidano la comprensione tradizionale di ciò che è possibile con la piegatura della carta. Alternando pieghe a monte e a valle in quadrati concentrici, Demaine ha raggiunto ciò che prima era impossibile: paraboloidi iperbolici, una forma che si credeva irraggiungibile nell’origami.

Il segreto sta negli intricati motivi di piega che Demaine crea, con il risultato di strutture che “si aprono a forma di sella” simili a una Pringles. Le sculture di Demaine non sono solo visivamente sbalorditive, ma sollevano anche questioni fondamentali sulla meccanica della piegatura della carta.

La storia dell’origami

Le origini dell’origami possono essere ricondotte al 1797 in Giappone, con la pubblicazione del libro di Akisato Rito “Sembazuru Orikata”. Nell’Ottocento l’origami divenne un’attività popolare nelle aule scolastiche in Europa e, negli anni Cinquanta, emerse come una forma d’arte moderna sotto la guida dell’artista giapponese Akira Yoshizawa.

Artisti contemporanei di origami come Eric Joisel e Robert Lang hanno spinto i limiti ancora oltre, creando figure umane e animali realistiche e composizioni complesse che sono state esposte in prestigiose istituzioni come il Louvre e il Museum of Modern Art.

Origami e matematica

L’origami ha una profonda connessione con la matematica, in particolare con la geometria. Il problema di piega e taglio, posto per la prima volta in un libro giapponese nel 1721, chiede quante forme diverse possono essere create piegando un pezzo rettangolare di carta ed effettuando un singolo taglio. La soluzione di Demaine a questo problema secolare ha dimostrato che qualsiasi forma è possibile, dato il giusto progetto geometrico.

Origami computazionale

I programmi per computer hanno rivoluzionato il campo dell’origami. Software come TreeMaker e Origamizer consentono agli utenti di progettare ed esplorare modelli di piega complessi, consentendo la creazione di forme intricate e innovative.

Origami nelle applicazioni pratiche

Oltre al suo valore artistico, l’origami ha trovato applicazioni pratiche in vari campi. Le case automobilistiche utilizzano la matematica dell’origami per progettare airbag che si piegano in modo efficiente. Gli ingegneri stanno esplorando l’uso di strutture di origami nella nanofabbricazione, creando oggetti piatti che possono trasformarsi in forme 3D. Inoltre, i principi dell’origami potrebbero aiutare nella progettazione di proteine sintetiche che combattono i virus.

Il duo padre-figlio

Erik Demaine e suo padre, Martin, hanno collaborato per creare affascinanti sculture di origami. Il loro lavoro è stato presentato alla Renwick Gallery dello Smithsonian, mostrando l’intersezione tra arte e matematica.

Il fascino dell’origami

L’origami continua ad affascinare artisti e matematici, offrendo una miscela unica di creatività, precisione e risoluzione dei problemi. Come dice giustamente Demaine: “Abbiamo trovato un problema matematico che ispira una nuova arte e un problema artistico che ispira una nuova matematica.”

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Ritratto

National Portrait Gallery: Una ricerca di nuovi volti e nuove storie

by Kim
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National Portrait Gallery: Una ricerca di nuovi volti e nuove storie

Il concorso di ritratti Outwin Boochever: Una piattaforma per artisti emergenti

La National Portrait Gallery (NPG) è rinomata per la sua collezione di ritratti che catturano l’essenza della storia e della cultura americana. Nel 2006, la NPG ha lanciato il concorso di ritratti Outwin Boochever, un evento triennale che offre una piattaforma ad artisti emergenti e affermati per mostrare i loro talenti e contribuire alla stimata collezione della galleria.

Il concorso, che prende il nome dalla sua generosa benefattrice Virginia Outwin Boochever, è aperto ad artisti di ogni estrazione sociale, offrendo importanti premi in denaro e la prestigiosa opportunità di esporre le proprie opere nella mostra principale della NPG. Il concorso inaugurale si è concentrato su ritratti dipinti e scolpiti, mentre i concorsi futuri si amplieranno per includere disegni, acquerelli, fotografie, film e persino opere digitali ed elettroniche.

Il ruolo del ritratto nella conservazione della storia e della cultura

Il ritratto ha svolto a lungo un ruolo vitale nel preservare la storia degli Stati Uniti, offrendo scorci intimi della vita e della personalità delle principali figure della nostra nazione. Da politici e uomini d’affari a scienziati e artisti, la collezione della NPG racconta la storia dell’America attraverso i volti della sua gente.

Oltre alla sua importanza storica, il ritratto funge anche da forma vibrante di espressione artistica. I ritratti consentono agli artisti di esplorare le loro prospettive uniche e di catturare l’essenza di un individuo. Il concorso Outwin Boochever incoraggia questa creatività, favorendo un dialogo tra artisti e spettatori sull’esperienza umana.

Una ricerca di nuovi volti e nuove storie

La continua ricerca di nuovi ritratti da parte della NPG riflette la natura dinamica della società americana e le storie in continua evoluzione che devono essere raccontate. La galleria cerca di commissionare nuovi ritratti di americani viventi, catturando la diversità e la ricchezza del presente e del futuro della nostra nazione.

Attraverso queste nuove acquisizioni, la NPG mira a continuare la sua missione di preservare la storia degli Stati Uniti e allo stesso tempo sostenere artisti giovani e creativi di talento. Il concorso Outwin Boochever offre una piattaforma vitale per gli artisti emergenti per ottenere riconoscimenti e condividere le loro visioni uniche con il mondo.

I concorrenti di Outwin Boochever: Una vetrina di prospettive diverse

Il concorso Outwin Boochever attrae artisti con una vasta gamma di background e stili artistici. Gli artisti emergenti portano nuove prospettive e tecniche innovative, mentre gli artisti affermati prestano la loro esperienza e competenza al concorso.

La varietà di proposte garantisce una mostra diversificata e coinvolgente che mette in mostra l’ampiezza e la profondità del ritratto contemporaneo. I visitatori della NPG possono aspettarsi di incontrare un’ampia gamma di approcci artistici, dai tradizionali dipinti a olio alle opere digitali all’avanguardia.

La National Portrait Gallery dello Smithsonian: Una destinazione per arte e storia

La NPG è una meta obbligata per chiunque sia interessato ad arte, storia e cultura. La sua collezione di ritratti, che abbraccia secoli e rappresenta soggetti diversi, offre una finestra unica sull’esperienza americana.

Il concorso di ritratti Outwin Boochever si aggiunge alla ricca eredità della NPG, fornendo una piattaforma per artisti emergenti e arricchendo la collezione della galleria con nuovi volti e nuove storie. I visitatori possono esplorare la mostra e scoprire i diversi talenti degli artisti ritrattisti contemporanei, approfondendo al contempo il ruolo del ritratto nella conservazione della storia e nell’ispirazione della creatività.

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Musica

Evoluzione della musica nei videogiochi: da Tetris alle voci umane

by Kim
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L’evoluzione della musica nei videogiochi: come Tetris e Super Mario Land furono pionieri di melodie iconiche

Prime tecnologie audio e comparsa delle schede audio

Nell’età d’oro dei videogiochi, prima dell’avvento di sistemi audio sofisticati, le melodie iconiche di Tetris e Super Mario Land hanno incantato un’intera generazione di giocatori. Ma come fecero questi primi videogiochi a creare colonne sonore così leggendarie?

La risposta risiede nelle primitive capacità sonore dei primi computer domestici. I loro “altoparlanti beeper” integrati potevano produrre solo una gamma limitata di suoni, consumando eccessiva potenza di elaborazione. Per superare questa limitazione, i programmatori svilupparono schede audio, dispositivi hardware che potevano essere collegati alla scheda madre di un computer, liberando la CPU per altre attività.

L’alba dei canali audio e delle “voci”

Sebbene rudimentali, queste prime schede audio consentivano ai compositori di videogiochi di creare musica accedendo a diversi canali audio, o “voci”. Ogni voce era programmata per produrre suoni specifici, simili agli strumenti di una band.

Console diverse avevano configurazioni di schede audio uniche, il che dava luogo a paesaggi sonori distintivi. Ad esempio, il Nintendo Entertainment System (NES) dedicava ciascun canale a un particolare tipo di suono, come bassi, melodia o percussioni.

Commodore 64: una tela musicale versatile

Al contrario, il Commodore 64 aveva meno canali audio, ma offriva maggiore flessibilità. I suoi canali non erano designati per suoni specifici, il che consentiva ai compositori di creare tracce audio più ricche e complesse. Questa versatilità rese il Commodore 64 una piattaforma preferita per i musicisti di giochi.

Sega Genesis: imitare voci umane

Il Sega Genesis spinse ancora oltre i limiti della tecnologia audio, introducendo la possibilità di imitare voci umane. Questa innovazione, esibita nell’iconico gioco Sonic the Hedgehog, occupava a quanto pare una parte significativa dello spazio di archiviazione della cartuccia.

L’impatto del suono nei primi videogiochi

Le colonne sonore dei primi videogiochi non solo migliorarono l’esperienza di gioco, ma svolsero anche un ruolo cruciale nel plasmare l’identità di ciascun sistema. Proprio come lo stile unico di un musicista, ogni console aveva la sua firma sonora.

Le limitazioni delle prime schede audio costrinsero i compositori a essere creativi e pieni di risorse, il che portò a melodie memorabili e durature. Queste colonne sonore iconiche continuano a ispirare e influenzare la musica dei videogiochi moderni, ricordandoci le umili origini di questo aspetto essenziale del gioco.

Un viaggio nella storia delle colonne sonore dei videogiochi

Per approfondire l’affascinante storia delle colonne sonore dei videogiochi, esplora le seguenti risorse:

  • Saggio video di 8-Bit Guy sulla musica dei primi videogiochi
  • Articolo di Motherboard sul ruolo delle schede audio nei giochi
  • Esplorazione delle capacità audio del Commodore 64 su Popular Mechanics
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film

Il baseball sullo schermo: un viaggio cinematografico

by Zuzana
written by Zuzana

Il baseball sullo schermo: una storia cinematografica

Baseball e cinema: una relazione di lunga data

Il baseball e il cinema hanno una lunga e intricata storia, che risale agli albori di questo sport. Infatti, il baseball è stato rappresentato al cinema già nel 1899, pochi anni dopo l’invenzione delle immagini in movimento.

Sebbene il baseball fosse inizialmente utilizzato come sfondo o scenario nei film, gradualmente divenne un tema centrale, specialmente durante l'”era della palla morta” dei primi anni del 1900. Questo periodo vide un’impennata della popolarità del baseball, accompagnata da un aumento della popolarità dei film.

Il baseball come metafora

Come il football americano, il baseball è diventato una metafora universale nei film, un modo per esaminare i personaggi, riflettere sulla società e mettere in discussione l’autorità. Ad esempio, il film del 1909 “His Last Game” esplorava i temi del gioco d’azzardo illegale, dell’alcolismo e della pena di morte attraverso la storia di un giocatore di baseball choctaw costretto a perdere una partita.

Leggende del baseball al cinema

Anche le leggende del baseball della vita reale sono arrivate sul grande schermo. Babe Ruth, ad esempio, apparve come se stesso nel film del 1920 “Headin’ Home”. Altre stelle del baseball hanno fatto delle apparizioni nei film, tra cui Tris Speaker in “Heroes All” e Mickey Mantle e Roger Maris in “That Touch of Mink”.

Il baseball nella commedia

Il baseball è stato anche un tema popolare per i film comici. Comici come John Bunny e Buster Keaton hanno incorporato battute sul baseball nei loro film. Keaton, in particolare, adorava il baseball e interpretò persino una versione preistorica del gioco in “The Three Ages”.

Il baseball nei cartoni animati

Anche i cartoni animati hanno avuto molto successo con il baseball. Felix the Cat salva la situazione in “Felix Saves the Day” (1922), mentre Braccio di Ferro e Bruto si sfidano sul diamante in “The Twisker Pitcher” (1937). Bugs Bunny affronta persino i Gas-House Gorillas da solo in “Baseball Bugs” (1946).

Film fantasy sul baseball

Il fantasy è stato un genere popolare per i film sul baseball, con storie che spesso trasmettono un messaggio morale. In “Accadde ogni primavera” (1949), un professore universitario scopre un composto che respinge il legno, consentendogli di diventare un lanciatore della Major League di baseball. Tuttavia, impara che deve fare affidamento su se stesso, e non su pozioni, per avere successo.

Il culmine: L’uomo dei sogni

Il miglior film fantasy sul baseball è senza dubbio “L’uomo dei sogni” (1989), basato sul romanzo “Shoeless Joe” di W.P. Kinsella. Il film racconta la storia di un agricoltore in difficoltà che costruisce un campo da baseball nel suo campo di mais, attirando i fantasmi di leggendari giocatori di baseball. “L’uomo dei sogni” è un film toccante e confortante che esplora i temi della perdita, della redenzione e del potere dei sogni.

Film sul baseball: un riflesso della società

I film sul baseball non hanno solo intrattenuto il pubblico, ma hanno anche riflesso i cambiamenti sociali e culturali della loro epoca. Dagli scandali dei primi anni del 1900 all’ascesa del fantasy a metà del XX secolo, i film sul baseball hanno catturato lo spirito del loro tempo.

Che tu sia un fan del baseball o semplicemente ami un buon film, ci sarà sicuramente un film sul baseball che farà al caso tuo. Quindi prendi dei popcorn, siediti e goditi lo spettacolo!

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Musica

L’eredità duratura della musica dei nativi americani nella cultura popolare

by Kim
written by Kim

L’eredità duratura della musica dei nativi americani nella cultura popolare

Influenzare la colonna sonora del XX secolo

Dalle ballate sincere della musica country agli accordi di potenza elettrizzanti del rock, i musicisti nativi americani hanno lasciato un segno indelebile sul tessuto della musica americana. I loro ritmi e le loro prospettive uniche hanno plasmato generi, ispirato innumerevoli artisti e continuano a risuonare con il pubblico odierno.

Un filo conduttore ritmico

Secondo il chitarrista apache Stevie Salas, i musicisti nativi americani spesso condividono un filo conduttore ritmico distintivo che permea la loro musica, indipendentemente dal genere. Questa comunanza ha permesso loro di fondersi perfettamente con diversi stili musicali, dal pop e rock al R&B e country.

Contributi alla cultura popolare

I musicisti nativi americani hanno svolto un ruolo fondamentale nel plasmare la cultura popolare. Jesse Ed Davis, un rinomato chitarrista turnista, ha supportato artisti leggendari come Eric Clapton, Rod Stewart e Jackson Browne. Link Wray, un chitarrista shawnee, ha inventato l’accordo di potenza riverberante, un suono caratteristico per band come Led Zeppelin e The Who.

Radici indigene nella musica contemporanea

Mentre alcuni musicisti nativi americani hanno raggiunto la celebrità senza pubblicizzare la loro eredità, altri hanno trovato ispirazione nelle loro radici indigene. Pete Seeger, un cantante folk di origini narragansett, ha composto canzoni che affrontavano le lotte contemporanee dei nativi americani. Buffy Sainte-Marie, una cantautrice cree, ha vinto un premio Oscar per la sua canzone “Up Where We Belong”, che riflette il suo impegno per l’educazione e la giustizia sociale dei nativi americani.

L’impatto delle prospettive indigene

I contributi dei musicisti nativi americani vanno oltre le loro abilità tecniche. Hanno portato prospettive culturali uniche alla musica popolare, arricchendo i suoi temi e messaggi. Johnny Cash, un artista non nativo americano, ha registrato un album di ballate di protesta dei nativi americani, evidenziando la difficile situazione dei popoli indigeni.

Successo globale e ispirazione

Nonostante le sfide e gli stereotipi che devono affrontare, i musicisti nativi americani hanno ottenuto un successo globale. Stevie Salas ha collaborato con artisti diversi come Justin Timberlake, Rod Stewart e George Clinton. Sottolinea l’importanza della versatilità e dell’accettazione della propria eredità mentre si persegue una carriera globale.

Ritmo, cultura e influenza globale

Il filo conduttore ritmico che attraversa la musica dei nativi americani riflette non solo le loro esperienze condivise, ma anche il loro profondo legame con la loro cultura. Questo ritmo ha influenzato il suono della musica popolare in tutto il mondo, dimostrando l’eredità duratura dei musicisti nativi americani.

Ispirare le generazioni future

Salas spera che la mostra “Up Where We Belong” presso il Museo Nazionale dell’Indiano d’America ispirerà una nuova generazione di musicisti nativi ad abbracciare la loro eredità e a perseguire i loro sogni. Incoraggia i giovani artisti a superare gli ostacoli e a cercare i propri percorsi unici verso il successo globale.

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Arte antica

Ridare colore all’antica Grecia: il vibrante mondo della scultura greca

by Kim
written by Kim

Ridare colore all’Antica Grecia: il vibrante mondo della scultura greca

Nel regno dell’arte e della storia, le statue di marmo bianco dell’Antica Grecia hanno a lungo occupato un posto di riverenza. Tuttavia, la ricerca moderna sfida questa percezione tradizionale, rivelando che queste sculture erano un tempo adornate con pigmenti appariscenti, trasformando il loro aspetto e conferendo loro un significato più profondo.

Colore e forma: un duo dinamico

Gli scultori greci antichi erano maestri sia della forma che del colore. Comprendevano il potere del colore per esaltare l’impatto emotivo e la narrazione delle loro opere. L’unione di colore e forma creava un’esperienza dinamica e coinvolgente per gli spettatori, dando vita a dei e dee in un modo che il marmo bianco da solo non poteva raggiungere.

Afrodite: una dea a colori vivaci

Afrodite, la dea dell’amore, della bellezza e del piacere sessuale, era un soggetto popolare per gli artisti greci. Le sue statue, spesso raffigurate in una forma nuda idealizzata, sono diventate simboli iconici dell’arte classica. Tuttavia, le versioni in marmo bianco che conosciamo oggi sono molto lontane dal loro aspetto originale.

Vinzenz Brinkmann, un archeologo tedesco e pioniere nelle tecniche di restauro del colore, ha creato una ricostruzione fotomeccanica della Venere di Lovatelli romana del I secolo d.C., una statua di Afrodite rinvenuta a Pompei. Questa ricostruzione, basata su un’analisi meticolosa di tracce di vernice sopravvissute, rivela una dea incredibilmente vibrante e colorata.

La Venere di Lovatelli mette in mostra la sinergia tra forma e colore. Il bordo pesante e riccamente colorato del suo mantello sottolinea l’attesa della sua imminente svestizione, aggiungendo uno strato narrativo alla scultura.

Colore e significato nell’arte greca

Oltre al suo fascino estetico, il colore ha svolto un ruolo significativo nel simbolismo e nel significato dell’arte greca. Susanne Ebbinghaus, storica dell’arte di Harvard, indica un passaggio nell'”Elena” di Euripide, dove la pentita Elena lamenta il suo ruolo nello scatenare la guerra di Troia. Esprime il desiderio di liberarsi della sua bellezza, “come si toglierebbe il colore da una statua”.

Questo passaggio evidenzia la duplice natura del colore nell’arte greca. Da un lato, poteva essere facilmente rimosso, simboleggiando la natura superficiale e transitoria della bellezza. D’altro canto, il colore era visto anche come l’essenza di un’immagine, che incarnava la sua bellezza e il suo potere.

La Venere di Lovatelli: un tesoro privato

La Venere di Lovatelli non è solo un capolavoro artistico, ma anche una testimonianza della crescente tendenza del collezionismo privato d’arte nell’antica Grecia. Questa statua, con i suoi colori vivaci e i suoi svolazzi decorativi, aggiungeva un tocco di opulenza a una ricca dimora.

Restauro del colore: svelare il passato

Le tecniche di restauro del colore di Vinzenz Brinkmann hanno rivoluzionato la nostra comprensione della scultura greca antica. Analizzando le tracce di vernice sopravvissute utilizzando metodi non invasivi, come la spettroscopia di assorbimento UV-Vis, Brinkmann è stato in grado di ricreare fedelmente i colori originali di queste opere iconiche.

Questo processo di restauro del colore ci consente di sperimentare l’arte greca antica in un modo che prima era impossibile. Dà vita alle sculture, rivelando il vibrante mondo di colori che un tempo le adornava e approfondendo il nostro apprezzamento per l’arte e il significato culturale di questa straordinaria civiltà.

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Arte asiatica

Un Capolavoro Buddista Coreano Antico e Raro Svelato

by Zuzana
written by Zuzana

Un Capolavoro Buddista Coreano Antico e Raro Svelato

Un Tesoro Secolare

Una straordinaria scultura buddista coreana, risalente alla dinastia Goryeo (918-1392), è stata esposta all’Arthur M. Sackler Gallery of Art di Washington, D.C. Questa squisita figura lignea dorata di Gwaneum, il bodhisattva della compassione, è la più antica scultura del suo genere sopravvissuta in Corea.

Il Misericordioso Bodhisattva

I Bodhisattva sono esseri illuminati che scelgono di restare connessi al mondo materiale per aiutare l’umanità. Gwaneum, conosciuto anche come Avalokiteshvara in sanscrito, è il bodhisattva più popolare nell’Asia orientale. Spesso la gente si rivolge a Gwaneum per cura, gentilezza e protezione.

Artigianato Eccezionale

Il periodo Goryeo è stato un periodo di grandi realizzazioni artistiche in Corea. La scultura di Gwaneum alla Sackler Gallery è una testimonianza dell’abilità e dell’arte degli intagliatori del legno di quell’epoca e dei doratori. La figura è alta due piedi ed è costituita da 15 pezzi di abete, tenuti insieme da graffette e chiodi. Indossa un’elaborata corona di metallo e presenta un’urna di cristallo sulla fronte, che rappresenta il terzo occhio o la visione del mondo divino.

Sacra Dedizione

Quando la scultura di Gwaneum venne completata nel 13° secolo, venne riempita con testi sacri e oggetti simbolici, sia nella testa che nel corpo. Questo atto di dedizione diede alla scultura una vita spirituale per i credenti. I materiali la trasformarono da un semplice pezzo di legno intagliato in un’incarnazione della presenza divina.

Contesto Storico

Il Buddismo raggiunse la Corea nel quarto secolo e venne ampiamente praticato quando la scultura di Gwaneum venne creata. I ricchi materiali della scultura e l’elaborata fattura suggeriscono che venne commissionata da un ricco mecenate, probabilmente un membro della corte reale.

Durante il periodo Goryeo, la Corea affrontò invasioni e occupazioni, che portarono alla distruzione di gran parte della sua cultura materiale, tra cui le sculture buddiste. La sopravvivenza di questa scultura di Gwaneum è una testimonianza della sua duratura importanza per il popolo coreano.

Significato Contemporaneo

L’esposizione della scultura di Gwaneum alla Sackler Gallery non è solo un’occasione per ammirare una rara opera d’arte, ma anche un’opportunità per scoprire la storia e il significato del Buddismo in Corea. La scultura è completata da una pergamena della collezione Freer|Sackler, che raffigura Gwaneum nella sua dimora sulle rocce sopra le onde del mare.

La giustapposizione di queste due raffigurazioni di Gwaneum, realizzate a distanza di un secolo l’una dall’altra, offre ai visitatori un’inedita prospettiva sull’intramontabile fascino e sul potere trasformativo di questo compassionevole bodhisattva.

Ulteriori Aspetti Salient

  • Ricerche recenti, tra cui raggi X e analisi dei materiali, hanno rivelato che la scultura contiene elementi di diversi periodi di tempo, indicando che è stata aperta e ridedicata almeno una volta.
  • Una scansione 3D della scultura consente ai visitatori di visualizzare la sua costruzione e il posizionamento originale dei materiali di dedica.
  • In concomitanza con la mostra, monaci buddisti coreani mostreranno un rituale di dedica contemporaneo, offrendo ai visitatori spunti sulle tradizioni viventi del Buddismo.

“Sacra Dedizione: Un Capolavoro Buddista Coreano” è in mostra all’Arthur M. Sackler Gallery of Art fino al 22 marzo 2020.

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Grafica

The Enduring Legacy of the ‘Keep Calm and Carry On’ Poster: A Symbol of Resilience and Austerity

by Kim
written by Kim

La storia e l’impatto dell’iconico poster “Keep Calm and Carry On”

Origini e design

Durante il tumultuoso periodo della Seconda guerra mondiale, il governo britannico commissionò una serie di manifesti propagandistici per sostenere il morale pubblico. Tra questi c’era l’ormai iconico poster “Keep Calm and Carry On”, creato nel 1939. Presentava un carattere tipografico sans serif distintivo su uno sfondo a tinta unita, sormontato da una corona.

Distribuzione iniziale e destino

Il poster “Keep Calm” era destinato alla distribuzione di massa allo scoppio della guerra. Tuttavia, fu ritenuto troppo blando e poco stimolante e la sua uscita fu rimandata. Ne furono stampate solo poche copie e la maggior parte fu successivamente distrutta a causa della carenza di carta in tempo di guerra.

Riscoperta e rilancio

Nel 2000, Stuart e Mary Manley, proprietari della Barter Books nel Northumberland, si imbatterono in una copia del poster “Keep Calm” in una scatola di libri usati. La incorniciarono e la esposero nel loro negozio, dove rapidamente guadagnò popolarità. Nel corso del decennio successivo, l’immagine del poster si diffuse attraverso copie e parodie, diventando uno dei meme più riconoscibili del XXI secolo.

Nostalgia dell’austerità e significato culturale

La rinascita del poster “Keep Calm” è stata attribuita al concetto di “nostalgia dell’austerità”. In tempi di crisi economica, come la crisi del credito del 2008 e il referendum sulla Brexit, le persone tendono a cercare conforto in simboli nostalgici di un tempo più semplice. Il messaggio di resilienza e stoicismo del poster ha trovato risonanza in persone che affrontano avversità.

Altri manifesti di propaganda della serie

Il poster “Keep Calm” faceva parte di una serie di tre manifesti propagandistici progettati dal governo britannico. Gli altri due recavano gli slogan “Il vostro coraggio, la vostra allegria, la vostra risolutezza ci porteranno alla vittoria” e “La libertà è in pericolo. Difendila con tutte le tue forze”. Questi manifesti furono ampiamente distribuiti durante la guerra e svolsero un ruolo significativo nel plasmare l’opinione pubblica.

Preoccupazioni del governo e ripensamenti

Nonostante la sua eventuale popolarità, il poster “Keep Calm” inizialmente sollevò preoccupazioni all’interno del governo. Alcuni funzionari temevano che il Tesoro sarebbe stato risentito per essere stato detto cosa fare, mentre altri temevano che il poster fosse troppo banale per ispirare o addirittura potesse infastidire le persone dubitando della loro resilienza.

Scoperta di copie nascoste e rinnovata rilevanza

Per decenni, solo la copia dei Manley e un’altra erano note. Tuttavia, nel 2012, l'”Antiques Roadshow” della BBC scoprì un lotto di 20 poster “Keep Calm”, suscitando un rinnovato interesse per la loro storia. Con la decisione del Regno Unito di lasciare l’UE, il messaggio del poster ha assunto una nuova rilevanza, riflettendo la resilienza della nazione di fronte all’incertezza politica ed economica.

Conclusione

Il poster “Keep Calm and Carry On” è diventato un’icona culturale duratura, che incarna lo spirito di resilienza e stoicismo di fronte alle avversità. La sua riscoperta e il suo rilancio sono stati alimentati dalla nostalgia e dalla sua rilevanza per le sfide contemporanee. Dalle sue umili origini come strumento di propaganda bellica al suo status di amato meme, il poster continua a ispirare e a trovare risonanza nelle persone di tutto il mondo.

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