Jessye Norman : une soprano révolutionnaire qui a embrassé la diversité et l’excellence vocale
Jeunesse et éducation
Jessye Norman, une soprano de renommée mondiale, est née dans une société ségréguée de Géorgie. Malgré les difficultés de son éducation, elle a poursuivi sa passion pour la musique, en fréquentant l’Université Howard grâce à une bourse complète. Elle a ensuite étudié à l’Université du Michigan, à Ann Arbor, et au Conservatoire Peabody.
Premiers pas professionnels et ascension vers la célébrité
Norman a fait ses débuts professionnels en 1969 à Berlin, captivant le public par son extraordinaire tessiture vocale et sa polyvalence. Elle est rapidement devenue une étoile montante, se produisant dans les plus grands opéras du monde, notamment au Teatro alla Scalla de Milan et au Royal Opera House de Londres. En 1983, elle a fait ses débuts acclamés au Met dans le rôle de Cassandre dans Les Troyens de Berlioz.
Embrasser la diversité et l’engagement social
Tout au long de sa carrière, Norman a été une ardente défenseuse de la diversité et de l’inclusion dans les arts. Elle a reconnu que ses prédécesseurs afro-américaines, comme Marian Anderson et Dorothy Maynor, avaient ouvert la voie à son succès. Norman a également mené des projets d’engagement social, tels que la Jessye Norman School of the Arts, un programme gratuit d’arts plastiques après l’école dans sa ville natale.
Excellence vocale et distinctions
La voix de Norman était décrite comme « une vaste demeure sonore » par le critique Edward Rothstein. Elle possédait une tessiture extraordinaire et une présence captivante qui remplissaient chaque espace dans lequel elle se produisait. Son art lui a valu de nombreuses distinctions, notamment cinq Grammy Awards, la National Medal of Arts et les Kennedy Center Honors.
Influences et héritage
La polyvalence vocale de Norman lui a permis d’exceller dans un large éventail de rôles, de l’opéra classique au jazz et aux spirituals. Elle était particulièrement réputée pour ses interprétations d’Aida, Carmen et Isolde dans Tristan et Isolde. Son héritage continue d’inspirer les jeunes musiciens et les amateurs d’opéra du monde entier.
Défis et réalisations
En tant que soprano afro-américaine, Norman a fait face à des défis et à des obstacles tout au long de sa carrière. Cependant, elle est restée ferme dans sa conviction que les barrières raciales dans les arts devaient être abattues. Elle a utilisé sa notoriété pour promouvoir la diversité et créer des opportunités pour les voix sous-représentées.
Vie personnelle et inspiration
En dehors de sa carrière musicale, Norman était une personne discrète qui appréciait sa famille et ses amis. Elle était connue pour sa chaleur, son intelligence et son esprit inébranlable. Son amitié avec l’écrivain Jonathan Capehart a mis en lumière son lien authentique avec des personnes de tous horizons.
Dernières années et héritage
Norman a continué à se produire et à défendre les arts jusqu’à son décès prématuré en 2022 à l’âge de 74 ans. Elle est décédée d’un choc septique et d’une défaillance multiviscérale suite à une lésion de la moelle épinière en 2015. Malgré les défis auxquels elle a fait face, l’héritage de Norman en tant que soprano révolutionnaire et championne de la diversité continue de vivre.
Les statues de Lucille Ball : l’histoire de deux Lucy
Le dévoilement de « Nouvelle Lucy »
Dans la pittoresque ville de Celoron, dans l’État de New York, où Lucille Ball a passé son enfance, une nouvelle statue a vu le jour pour rendre hommage à la regrettée comédienne. Sculptée par l’artiste Carolyn Palmer, « Nouvelle Lucy » se dresse fièrement dans le parc commémoratif Lucille Ball, capturant l’essence de Ball dans son style emblématique. Vêtue d’une robe à pois, de talons hauts, d’un collier de perles et les cheveux parfaitement coiffés, la statue respire le glamour et l’esprit qui ont fait de Ball un nom connu de tous.
La controverse de « Lucy effrayante »
En 2009, une autre statue de Lucille Ball, surnommée « Lucy effrayante », a été dévoilée à Celoron. Créée par l’artiste Dave Poulin, la sculpture en bronze représentait Ball tenant une bouteille du supplément alimentaire fictif Vitameatavegamin, un clin d’œil à un épisode classique de « I Love Lucy ». Cependant, l’aspect grotesque de la statue, avec une grimace déformée, a suscité de nombreuses critiques. Les habitants et les fans ont demandé à ce qu’elle soit retirée, et Poulin lui-même a exprimé plus tard son mécontentement quant au résultat.
La réaction du public
Le dévoilement de « Lucy effrayante » a déclenché un vif débat à Celoron. Les habitants se sont organisés pour faire retirer la statue, tandis que d’autres défendaient sa valeur artistique. La statue est devenue à la fois une source de fascination et de ridicule, attirant des milliers de visiteurs désireux de voir cette étrange création. Malgré la controverse, « Lucy effrayante » est restée dans le parc pendant des années, témoignant du pouvoir durable de l’opinion publique.
L’évolution des statues de Lucille Ball
L’esthétique contrastée de « Nouvelle Lucy » et de « Lucy effrayante » met en évidence l’évolution des statues de Lucille Ball à Celoron. « Nouvelle Lucy » représente une approche plus traditionnelle, capturant l’image de Ball d’une manière flatteuse et idéalisée. « Lucy effrayante », en revanche, reflète une interprétation plus originale et humoristique de l’héritage de la comédienne. Les deux statues offrent aux visiteurs une occasion unique d’explorer différentes facettes de la personnalité de Ball.
L’importance de l’art public
Le débat autour des statues de Lucille Ball à Celoron souligne l’importance de l’art public pour façonner le paysage culturel d’une communauté. Les statues et autres formes d’art public servent de symboles de valeurs partagées, d’événements historiques et de personnalités influentes. Elles peuvent inspirer la fierté, encourager le dialogue et attirer des visiteurs de loin.
L’héritage de Lucille Ball
« Nouvelle Lucy » et « Lucy effrayante » rendent hommage à l’héritage durable de Lucille Ball en tant que l’une des femmes les plus révolutionnaires de la comédie américaine. Sa capacité à faire rire le public et à entrer en contact avec ses personnages a laissé une marque indélébile sur la culture populaire. Les statues de Celoron rappellent le talent de Ball, son impact sur le monde et son lien particulier avec la ville où elle a grandi.
Un pèlerinage pour les fans
Pour les fans de Lucille Ball, une visite à Celoron est un must. La présence de « Nouvelle Lucy » et de « Lucy effrayante » offre un aperçu de la personnalité polyvalente de Ball et du pouvoir durable de son héritage. Qu’ils choisissent d’admirer la « Nouvelle Lucy » plus conventionnelle ou l’excentrique « Lucy effrayante », les visiteurs repartiront avec une plus grande appréciation de la comédienne qui a apporté tant de joie au monde.
La création magistrale de John Krasinski : « Sans un bruit »
Façonner un chef-d’œuvre d’horreur transcendant les genres
John Krasinski, l’acteur adoré devenu réalisateur, s’est lancé dans un audacieux voyage cinématographique avec « Sans un bruit », un film d’horreur novateur qui brise les conventions du genre. S’éloignant de la dépendance traditionnelle au gore, Krasinski a utilisé le silence comme un instrument terrifiant de suspense, amplifiant la peur primitive de protéger ses proches dans un monde dangereux.
Un lien personnel avec l’histoire
Le scénario, écrit par Bryan Woods et Scott Beck, a profondément résonné avec Krasinski, un jeune père hanté par la peur de ne pas réussir à protéger ses enfants. Il a vu le potentiel d’une histoire d’horreur convaincante enracinée dans cette angoisse parentale universelle. Il a méticuleusement révisé le scénario pour souligner la détresse d’une famille luttant pour survivre dans un environnement hostile habité par des créatures extraterrestres dotées d’une ouïe aiguisée.
Réaliser avec confiance et innovation
Pour la première fois, Krasinski a endossé le rôle de réalisateur avec une confiance inébranlable. Il a étudié méticuleusement les films d’horreur classiques, analysant chaque élément qui lui avait inspiré de la peur en tant que spectateur. Inspiré par le pouvoir du silence dans des films comme « There Will Be Blood » et « No Country for Old Men », il a audacieusement élaboré un scénario avec seulement 90 lignes de dialogue, permettant aux silences d’amplifier la tension et l’effroi.
Une attention méticuleuse aux détails
L’engagement de Krasinski à créer une expérience profondément immersive s’est étendu au-delà du scénario. Il a minutieusement parcouru les annonces immobilières pour trouver la ferme idéale dans le nord de l’État de New York, imprégnant le film d’un sentiment palpable d’authenticité. Il a orné la maison de photographies personnelles de sa famille, brouillant encore plus la frontière entre fiction et réalité.
Une cinématographie et des techniques de production innovantes
Krasinski a utilisé des techniques de cinématographie et de production innovantes pour renforcer l’impact viscéral du film. Il a recréé un système d’alerte médiéval en accrochant des lumières sur toute la propriété, simulant la méthode primitive d’alerte contre les menaces imminentes. Il a même joué physiquement le rôle des créatures extraterrestres sur le plateau, aidant ses jeunes co-stars, Noah Jupe et Millicent Simmonds, à réagir de manière authentique à leurs adversaires invisibles.
Acclamé par la critique et adoré du public
« Sans un bruit » a été projeté en avant-première sous les applaudissements nourris et les éloges de la critique. Le public a été captivé par sa prémisse unique et terrifiante, louant sa narration magistrale et son exécution pleine de suspense. Le succès au box-office du film, qui a rapporté plus de 300 millions de dollars pour un budget modeste de 17 millions de dollars, a encore solidifié son statut de triomphe cinématographique.
Un parcours personnel et professionnel
Pour Krasinski, « Sans un bruit » représentait plus qu’un simple film ; c’était une entreprise profondément personnelle et professionnelle. Il a exprimé sa gratitude pour le soutien écrasant des fans qui ont adopté la représentation intime et humanisante des liens familiaux dans le film. Depuis sa sortie, il a continué à repousser les limites du cinéma, en tant que producteur exécutif de projets primés et en jouant dans le passionnant thriller politique d’Amazon « Jack Ryan » de Tom Clancy.
En attendant la suite
Alors que Krasinski se prépare pour la production de la très attendue suite de « Sans un bruit », il promet de rester fidèle à l’esprit de l’original tout en explorant de nouvelles dimensions de l’histoire. Il considère la suite non pas comme une simple décision commerciale, mais comme une extension de son parcours artistique et un témoignage de la puissance durable des thèmes du film.
Titre : L’EMP de Seattle : un voyage interactif au cœur de la musique pop
Histoire et vision
L’Experience Music Project (EMP) de Seattle est un musée révolutionnaire qui célèbre et explore la riche histoire de la musique pop américaine. Fondé par le cofondateur de Microsoft, Paul G. Allen, et sa sœur Jody Allen Patton, l’EMP a ouvert ses portes en 2000 pour témoigner du pouvoir transformateur de la musique.
Inspiré par l’héritage de Jimi Hendrix, originaire de Seattle, l’EMP s’est donné pour mission d’offrir aux visiteurs une expérience immersive et interactive qui démystifie la créativité musicale et encourage la participation.
Merveille architecturale
Le bâtiment de l’EMP, conçu par le célèbre architecte Frank Gehry, est une œuvre d’art à lui seul. Son extérieur scintillant et coloré, inspiré des finitions chatoyantes des guitares, domine le paysage du Seattle Center.
À l’intérieur, les visiteurs sont accueillis par un environnement dynamique et interactif. Des technologies de pointe et des expositions innovantes invitent les visiteurs à explorer l’histoire de la musique rock, à découvrir les instruments et les techniques qui façonnent son son, et même à créer leur propre musique.
Expositions interactives
Les expositions interactives de l’EMP offrent une manière unique et attrayante de vivre la musique. Les visiteurs peuvent :
- Monter sur la scène de l’exposition « On Stage » et jouer aux côtés de rock stars virtuelles, grâce à des instruments et des voix générés par ordinateur.
- Retracer l’évolution de la musique rock, de ses racines blues au hip-hop et au punk, dans l’exposition « Roots of Rock ».
- Découvrir les guitares emblématiques de Jimi Hendrix, Roger McGuinn et d’autres musiciens légendaires dans la « Guitar Gallery ».
- Explorer le processus créatif de l’écriture et de la production de chansons dans l’exposition « Studio Experience ».
Artefacts et collections rares
L’EMP abrite une vaste collection d’artefacts rares et emblématiques qui racontent l’histoire de la musique pop américaine. Les visiteurs peuvent y admirer :
- Des paroles manuscrites originales et des partitions de musiciens légendaires.
- Des instruments anciens et des costumes de scène qui ont foulé les planches des scènes les plus célèbres du monde.
- Des souvenirs personnels et des images des coulisses des artistes les plus influents de l’histoire de la musique.
Éducation et sensibilisation
L’EMP n’est pas seulement un musée, c’est aussi un centre dynamique d’éducation musicale et de sensibilisation. Le musée propose divers programmes et ateliers destinés aux étudiants, aux éducateurs et au grand public.
- Des master class et des ateliers avec des musiciens renommés et des professionnels de l’industrie.
- Des visites scolaires et des programmes éducatifs qui s’alignent sur les programmes d’enseignement musical.
- Des initiatives de sensibilisation communautaire qui apportent l’éducation musicale et des expériences musicales aux communautés défavorisées.
Musique et événements en direct
Le Sky Church de l’EMP, une salle de spectacle ultramoderne, accueille une large gamme de concerts, des sets acoustiques intimistes aux spectacles de rock endiablés. Le musée dispose également d’un club qui présente des groupes locaux et des groupes en tournée.
Le parcours de l’artiste
L’une des expositions les plus uniques et immersives de l’EMP s’intitule « Artist’s Journey ». Cette expérience de réalité virtuelle plonge les visiteurs au cœur d’une block party filmée avec James Brown. Les visiteurs peuvent interagir avec l’environnement virtuel, danser avec Brown et ressentir l’excitation d’une performance live.
Un héritage d’innovation
Depuis son ouverture, l’EMP n’a cessé d’évoluer et d’innover, offrant aux visiteurs de nouvelles façons passionnantes d’interagir avec la musique. L’engagement du musée en faveur de l’interactivité, de l’éducation et de la célébration de la créativité musicale en a fait une destination prisée des mélomanes de tous âges.
Le tableau le plus cher jamais vendu : « Nafea Faa Ipoipo » de Gauguin
Contexte
Le monde de l’art a assisté cette semaine à une vente record lorsqu’un tableau de Gauguin s’est vendu pour près de 300 millions de dollars, dépassant de 25 % le précédent record. Cette acquisition met en évidence la flambée des prix et l’intense concurrence sur le marché de la collection d’art.
Le tableau et son histoire
L’œuvre d’art en question est « Nafea Faa Ipoipo (Qui épouseras-tu ?) » de Gauguin, un portrait au passé complexe. Il faisait autrefois partie de la célèbre collection de Rudolf Staechelin, ancien dirigeant de Sotheby’s. Staechelin avait généreusement prêté le tableau au Kunstmuseum Basel pendant près de cinq décennies.
Cependant, un différend entre Staechelin et la direction du musée sur les conditions du prêt l’a incité à retirer toute la collection.
La vente et les spéculations
L’identité de l’acheteur qui a payé le prix astronomique pour le Gauguin reste inconnue. Les rumeurs suggèrent qu’il s’agit d’un musée au Qatar, connu pour ses acquisitions agressives d’œuvres d’art coûteuses. Ni le vendeur ni le musée n’ont officiellement révélé la destination du tableau.
Impact sur Bâle
La vente de « Nafea Faa Ipoipo » a laissé un vide à Bâle, où il était exposé depuis un demi-siècle. Les habitants de la ville sont profondément attristés par la perte d’une œuvre aussi chère. L’incident sert de rappel brutal que même les prêts permanents sont finalement temporaires.
Tendances du marché de l’art
La vente du chef-d’œuvre de Gauguin reflète la flambée des prix sur le marché de l’art. Les collectionneurs sont impatients d’acquérir des œuvres prisées, repoussant les limites de ce qui est considéré comme financièrement possible.
Les musées et l’essor des perches à selfie
Alors que le marché de l’art est en plein essor, les musées sont confrontés à de nouveaux défis. La prolifération des perches à selfie a suscité des inquiétudes quant à la préservation de collections inestimables. De nombreux musées ont mis en place des interdictions pour protéger leurs artefacts contre d’éventuels dommages.
Contexte historique
« Nafea Faa Ipoipo » de Gauguin témoigne de la puissance durable de l’impressionnisme et du post-impressionnisme. Ces mouvements artistiques ont révolutionné la façon dont les artistes représentaient la lumière et la couleur, laissant un héritage durable dans le monde de l’art.
L’importance des collections privées
Les collections privées jouent un rôle essentiel dans la préservation et l’appréciation de l’art. Elles abritent souvent des chefs-d’œuvre qui, autrement, resteraient inaccessibles au public. Cependant, la vente de « Nafea Faa Ipoipo » souligne la nature éphémère des collections privées.
Conclusion
La vente de « Nafea Faa Ipoipo » de Gauguin est un moment décisif dans le monde de l’art. Elle met en évidence la demande insatiable d’œuvres d’art, les défis auxquels sont confrontés les musées et l’héritage durable des mouvements artistiques influents.
Le Salon des mauvaises herbes : Célébrer la beauté des herbes folles du désert
L’exposition florale unique où les mauvaises herbes sont les stars
Dans la petite ville désertique de Twentynine Palms, en Californie, se tient une exposition florale unique qui célèbre la beauté des mauvaises herbes. Le Salon des mauvaises herbes de Twentynine Palms, qui en est à sa 75e édition, témoigne de la créativité et de l’ingéniosité des habitants de la ville.
Origines du Salon des mauvaises herbes
Le Salon des mauvaises herbes est né dans les années 1930, lorsque les épouses des vétérans de la Première Guerre mondiale souffrant de maladies cardiaques et pulmonaires sont arrivées à Twentynine Palms. L’altitude modérée de la région et son air pur et sec étaient bénéfiques pour leur santé, mais le paysage accidenté manquait des commodités de la société civilisée.
Soucieuses de conserver un semblant de culture, les dames ont formé le Club des femmes de 29 Palms et ont organisé une série mensuelle de conférences. En 1940, elles ont accueilli la célèbre artiste graveuse Mildred Bryant Brooks. Comme c’était en juillet et que les fleurs fraîches étaient rares, les dames se sont excusées de ne pas en avoir pour l’accueillir.
La légende raconte que Brooks a répondu : « Mais pourquoi avez-vous besoin de fleurs fraîches alors que vous avez tant de belles mauvaises herbes ? » Et c’est ainsi qu’est né le Salon des mauvaises herbes.
Compositions artistiques de végétation séchée
Le Salon des mauvaises herbes est comme une exposition florale traditionnelle, mais au lieu de roses ou d’orchidées, les participants créent des compositions artistiques à partir de végétation séchée. Ils peuvent présenter leurs créations dans 12 catégories différentes, dont une pour les mauvaises herbes fraîches.
Les concurrents utilisent divers matériaux naturels trouvés dans le désert, tels que des plantes séchées, des bardeaux de toit patinés, du verre brisé et des boîtes de conserve rouillées. Ils accessoirisent leurs compositions avec des outils rouillés, du bois pourri et d’autres objets trouvés.
Règles et règlements
Bien que le Salon des mauvaises herbes encourage la créativité, les participants doivent respecter certaines règles. Par exemple, les animaux et les parties d’animaux sont interdits, tout comme les plantes vénéneuses comme la datura. De plus, seuls des adhésifs naturels, tels que la boue, la sève et l’argile, peuvent être utilisés pour maintenir les entrées ensemble.
Préparation et compétition
Les concurrents sérieux assistent à l’Atelier du Salon des mauvaises herbes qui a lieu un mois avant l’événement principal. Ils échangent des trucs et astuces et s’assurent que leurs idées respectent les règles du salon. L’atelier est également l’occasion d’apprendre auprès de « mauvaisiers » expérimentés.
Dans les jours précédant le salon, les participants travaillent sans relâche pour peaufiner leurs créations. Ils rassemblent des matériaux, les arrangent en compositions artistiques et s’assurent qu’ils répondent à toutes les exigences.
Célébrer la survie
Le Salon des mauvaises herbes est plus qu’une simple compétition. C’est une célébration de la beauté unique du désert et de la résilience de ses habitants. Dans un paysage où la survie est un défi constant, le Salon des mauvaises herbes rend hommage aux choses qui perdurent.
Comme le dit Pat Rimmington, l’un des organisateurs du salon : « Le Salon des mauvaises herbes est comme le désert. On ne voit rien de spécial tant qu’on ne commence pas à le chercher ».
Détails du Salon des mauvaises herbes de 2023
Le Salon des mauvaises herbes de 2023 se tiendra les 7 et 8 novembre au Old Schoolhouse Museum de Twentynine Palms, en Californie. Le salon est gratuit et ouvert au public de 12h à 16h le 7 novembre et de 10h à 16h le 8 novembre.
Les meilleurs livres de photographie de l’année
Des perspectives uniques sur le monde
La photographie capture des moments dans le temps, créant des images qui entrent en résonance avec nos expériences humaines universelles. Ces dix livres de photographie offrent des perspectives uniques sur le monde, vous invitant à voir des choses familières sous un nouveau jour.
Père modèle : Explorer des notions alternatives de paternité noire par Zun Lee
Le photographe Zun Lee défie les stéréotypes des pères absents dans l’Amérique noire. À travers des images empreintes de compassion, Lee présente un récit qui remet en question l’histoire courante de l’homme disparu, offrant une vision de pères de couleur aimants et impliqués.
Le dénouement, République centrafricaine par Marcus Bleasdale
Marcus Bleasdale documente les violences continues et la crise humanitaire en République centrafricaine. Ses images sans concession révèlent les horreurs du conflit et le sort de ceux qui sont pris entre deux feux.
Méridien de terre par Andrew Moore
Les paysages aériens d’Andrew Moore capturent la beauté et l’intemporalité du Midwest américain, souvent appelé le « pays survolé ». Sa perspective unique met en valeur l’immensité et la diversité de cette région souvent négligée.
Rituels du Sud par Gillian Laub
Les portraits de Gillian Laub explorent les complexités de la race et de l’identité dans le Sud profond. Ses images mettent en lumière l’héritage persistant du racisme et offrent une perspective nuancée sur les défis et les triomphes des diverses communautés de la région.
JR : L’art peut-il changer le monde ?
L’artiste de rue JR crée des installations stimulantes qui utilisent la photographie comme commentaire social. Ce livre offre un regard intime sur son travail et l’impact qu’il a sur les communautés marginalisées.
Les skateuses de Kaboul par Jessica Fulford-Dobson
Les photographies de Jessica Fulford-Dobson documentent le travail inspirant de l’ONG « Skatiesan » en Afghanistan. Skatiesan offre aux filles la possibilité de développer leur confiance en elles, de s’engager dans l’éducation et de défier les normes sociales par le biais du skateboard.
Là où fleurissent les fleurs célestes : La vie et l’art de Leonard Knight par Aaron Huey
L’artiste marginal Leonard Knight a créé « Salvation Mountain », une pyramide d’art colorée dans le désert de Californie. Le photographe Aaron Huey capture la vision de Knight et le pouvoir transformateur de son œuvre.
Plaisirs occupés par Tanya Habjouqa
Les images décalées de Tanya Habjouqa offrent une perspective unique sur la vie dans les territoires palestiniens. Sa juxtaposition de moments quotidiens avec les réalités de l’occupation met en évidence l’absurdité et la résilience de la vie dans ces circonstances.
La longue ombre de Tchernobyl par Gerd Ludwig
Près de trois décennies après la catastrophe de Tchernobyl, les photographies de Gerd Ludwig révèlent les effets persistants de l’accident nucléaire. Ses images documentent les espaces abandonnés, les personnes touchées et la résilience de ceux qui sont retournés dans la zone contaminée.
Amelia et les animaux par Robin Schwartz
Les photographies de Robin Schwartz explorent le lien entre sa fille, Amelia, et les animaux exotiques. Ces images magnifiques et inhabituelles capturent l’émerveillement et la connexion qui peuvent exister entre les humains et le règne animal.
Sculpture en craie vieille de 5 000 ans : le tambour de Burton Agnes
Découverte et importance
En 2015, des archéologues ont fait une découverte remarquable sur un site funéraire du village anglais de Burton Agnes : une sculpture en craie vieille de 5 000 ans connue sous le nom de tambour de Burton Agnes. Cet artefact finement décoré est considéré comme « la pièce d’art préhistorique la plus importante » découverte en Grande-Bretagne au cours du siècle dernier, selon Neil Wilkin, conservateur au British Museum.
Description et contexte
Le tambour de Burton Agnes est une sculpture cylindrique en pierre ornée de spirales, de triangles et d’un motif de « papillon » en forme de sablier. Il a été enterré aux côtés de trois enfants âgés de 3, 5 et 12 ans dans une fosse carrée au centre d’un tumulus circulaire. On pense que le tambour est une offrande funéraire ou un talisman protecteur.
Caractéristiques uniques
Le tambour de Burton Agnes est l’un des quatre seuls de ce type connus à ce jour. Il est particulièrement intrigant car il présente une « sorte de langage artistique » qui était répandu dans les îles Britanniques pendant la période néolithique, il y a environ 5 000 ans.
Liens avec Stonehenge
La datation au carbone des ossements trouvés dans la tombe de Burton Agnes indique que le tambour date d’entre 3005 et 2890 avant notre ère, pendant la première phase de construction de Stonehenge. Cela suggère un lien entre les communautés qui ont créé le tambour et celles qui ont construit Stonehenge.
Tambours de Folkton et continuité artistique
Le tambour de Burton Agnes ressemble beaucoup aux trois tambours de Folkton, qui ont été trouvés dans la tombe d’un enfant du Néolithique à environ 24 km de là en 1889. Cette similitude suggère une continuité des traditions artistiques dans la région.
Pratiques funéraires exceptionnelles
À l’époque de la création du tambour, les sépultures étaient rares et généralement réservées aux enfants. Le fait que le tambour de Burton Agnes ait été enterré avec trois enfants le rend encore plus unique.
Analyse et symbolisme
Les chercheurs analysent les gravures du tambour pour déchiffrer le symbolisme et les croyances de l’époque à laquelle Stonehenge a été construit. Les motifs complexes peuvent fournir des informations sur la spiritualité et la vision du monde des communautés néolithiques.
Exposition au British Museum
Le tambour de Burton Agnes est actuellement exposé au British Museum de Londres dans le cadre de l’exposition « Le monde de Stonehenge ». Cette exposition présente 430 objets liés à Stonehenge, notamment le disque céleste de Nebra et Seahenge.
Autres découvertes sur le site funéraire
Outre le tambour, les archéologues ont trouvé une boule d’argile qui serait le jouet d’un enfant et une longue épingle en os qui aurait pu maintenir un linceul funéraire en place. Ces découvertes apportent des preuves supplémentaires de l’importance du site funéraire de Burton Agnes.
Recherches en cours et importance
La découverte du tambour de Burton Agnes continue de fasciner les chercheurs et de faire la lumière sur les pratiques artistiques, culturelles et spirituelles des communautés néolithiques en Grande-Bretagne. L’analyse continue du tambour et de son contexte promet d’approfondir notre compréhension de cette période fascinante de l’histoire.
L’art rencontre la science : des caméras à IA suivent l’engagement des visiteurs
L’IA aide les conservateurs à déterminer « l’attractivité » des œuvres d’art
Les musées adoptent la technologie pour mieux comprendre comment les visiteurs interagissent avec l’art. À Bologne, en Italie, des chercheurs ont développé un système d’IA qui utilise des caméras pour suivre les expressions faciales, la posture et le positionnement des visiteurs. Ces données sont analysées pour déterminer « l’attractivité » d’œuvres d’art spécifiques et optimiser l’aménagement des galeries.
ShareArt : un outil pour comprendre l’appréciation de l’art
Le système d’IA, appelé ShareArt, a été développé par des chercheurs de l’ENEA, l’agence nationale italienne pour les nouvelles technologies, et de l’Istituzione Bologna Musei. Il se compose de petites caméras installées dans les galeries du musée qui collectent des données sur le comportement des visiteurs.
Suivi des indicateurs d’engagement des visiteurs
ShareArt suit une série d’indicateurs liés à l’engagement artistique, notamment :
- Temps passé à regarder les œuvres d’art
- Chemins empruntés dans les galeries
- Zones d’intérêt sur des toiles particulières
- Expressions faciales et posture
Considérations éthiques et relatives à la vie privée
Les appareils ShareArt sont conçus pour respecter la vie privée des visiteurs. Ils n’enregistrent pas les visages ni aucune autre information personnelle, et les données collectées sont anonymisées.
Améliorer l’expérience muséale
Les données collectées par ShareArt peuvent être utilisées par les musées pour améliorer l’expérience des visiteurs de plusieurs manières :
- Optimiser l’aménagement des galeries pour maximiser la visibilité et l’engagement des œuvres d’art
- Ajuster les techniques d’éclairage et d’exposition pour améliorer l’appréciation de l’art
- Identifier les œuvres d’art qui résonnent le plus auprès des visiteurs
- Élaborer des programmes éducatifs et des visites adaptés aux intérêts des visiteurs
Premières constatations
Les premiers tests de ShareArt ont donné des résultats fascinants. Les chercheurs ont découvert que :
- La plupart des visiteurs regardent les œuvres d’art seuls
- Les visiteurs ont tendance à passer moins de 15 secondes devant une œuvre donnée
- Les personnes observant un diptyque du XIVe siècle de Vitale degli Equi se sont principalement concentrées sur la moitié droite « plus chargée » de l’œuvre, qui représente saint Pierre recevant une bénédiction.
Transformer les musées en laboratoires de recherche
ShareArt est encore en développement, mais il a le potentiel de transformer les musées en laboratoires de recherche. En collectant et en analysant des données sur le comportement des visiteurs, les musées peuvent acquérir une compréhension plus approfondie de l’appréciation de l’art et développer des expositions plus attrayantes et efficaces.
L’avenir de l’IA dans les musées
La technologie de l’IA change rapidement le fonctionnement des musées. Du suivi de l’engagement des visiteurs à la fourniture de recommandations personnalisées, l’IA a le potentiel de révolutionner l’expérience muséale. À mesure que l’IA continue d’évoluer, les musées devront s’adapter et adopter ces nouvelles technologies pour rester pertinents et attrayants pour les générations futures.