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Architecture

Architecture de 2013 : de l’extension du SFMOMA à Sky City

by Jasmine
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Architecture à surveiller en 2013

Extension du SFMOMA

L’un des projets architecturaux les plus ambitieux de 2013 est l’agrandissement du Musée d’art moderne de San Francisco (SFMOMA). Conçue par le cabinet primé Snøhetta, basé à Oslo, la nouvelle structure s’élèvera derrière l’emblématique bâtiment original conçu par Mario Botta. L’agrandissement fera plus que doubler la superficie du musée et comprendra de nouveaux espaces piétonniers, des entrées, des galeries au niveau de la rue, des terrasses extérieures et un jardin de sculptures. La fonction première de l’agrandissement est d’accueillir la nouvelle collection Fisher, donnée par feu le fondateur de GAP, Don Fisher. Le design contemporain épuré de Snøhetta est un changement radical pour San Francisco, connue pour son conservatisme architectural.

One World Trade Center

Après plus d’une décennie de planification, le One World Trade Center atteindra enfin sa pleine hauteur de 1 776 pieds en 2013. La tour de 104 étages sera le plus haut bâtiment des États-Unis. Bien que la conception puisse être décevante, elle représente l’importance de reconstruire et de créer une nouvelle boussole urbaine pour les New-Yorkais.

Sky City

Lorsqu’elle sera achevée en mars 2013, la Sky City en Chine deviendra le plus haut bâtiment du monde. La tour de 220 étages sera construite en seulement 90 jours grâce à une méthode innovante de construction modulaire développée par Broad Sustainable Building (BSB). Le système de grande hauteur modulaire de BSB utilise des conduits, de la plomberie et de l’électricité préinstallés, ce qui rend la construction plus sûre, moins chère et plus rapide. BSB espère que le succès de Sky City lancera son système de construction sur la scène mondiale et promouvra la construction modulaire à l’échelle mondiale.

Atlantic Yards B2

Les États-Unis adoptent également la construction modulaire avec le développement de B2 à Brooklyn. Conçu par SHoP Architects, B2 sera la première des trois tours résidentielles construites autour du nouveau Barclays Center dans le cadre du plus vaste développement d’Atlantic Yards. Comme Sky City, B2 sera construit à partir de composants modulaires et sera le plus grand de son genre aux États-Unis. Le projet a suscité la controverse en raison des inquiétudes concernant son impact sur les syndicats locaux, mais il devrait réduire le temps de construction de 18 mois et coûter environ 15 % de moins à construire.

Repousser les limites de l’architecture

Ces projets de construction représentent des avancées importantes dans le domaine de l’architecture. L’extension du SFMOMA met en valeur le mélange d’anciens et de nouveaux styles architecturaux. Le One World Trade Center symbolise la résilience et la renaissance. Sky City démontre le potentiel de la construction modulaire pour révolutionner l’industrie du bâtiment. Et B2 souligne l’acceptation croissante des techniques modulaires aux États-Unis.

Ces projets ne sont pas seulement des merveilles architecturales, mais aussi des témoignages de l’ingéniosité et de l’innovation qui continuent de façonner l’environnement bâti. Alors que ces structures prendront forme en 2013, elles laisseront sans aucun doute une marque durable dans le monde de l’architecture.

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Gestion de musée

Le Smithsonian American Art Museum et la National Portrait Gallery entreprennent d’importants travaux de rénovation

by Kim
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Le Smithsonian American Art Museum et la National Portrait Gallery entreprennent d’importants travaux de rénovation

Préparation du déménagement

Avant de se lancer dans un projet de rénovation de trois ans, le Smithsonian American Art Museum et la National Portrait Gallery sont engagés dans une entreprise massive pour préparer leur vaste collection d’œuvres d’art à la relocalisation. Cela implique de nettoyer, emballer et caisser des milliers de peintures, sculptures, fresques, photographies et dessins.

Des caisses sur mesure pour un chargement précieux

Assurer le transport en toute sécurité de ces artefacts inestimables nécessite des caisses spécialisées conçues pour les protéger des dommages. Le personnel du musée, dirigé par l’assistant du conservateur Michael Smallwood, fabrique méticuleusement des caisses sur mesure pour chaque œuvre d’art, en tenant compte de sa taille, de sa forme et de sa fragilité. Ces caisses sont renforcées de boulons et scellées avec des joints pour fournir un environnement étanche et sécurisé.

Conservation : préserver l’héritage artistique

Outre l’emballage, les restaurateurs du musée jouent un rôle crucial dans la préparation de l’œuvre d’art pour son voyage. Ils nettoient et restaurent soigneusement les pièces délicates, en enlevant la rouille, les fientes d’oiseaux et autres imperfections. Les restaurateurs collaborent également avec les artistes pour assurer une manutention et un transport appropriés de leurs œuvres.

Le trône Hampton : un défi de conservation

L’une des pièces les plus difficiles à emballer est le trône Hampton, une merveille d’argent et de feuille d’or créée par James Hampton. Cette installation complexe nécessite une caisse spécialement conçue qui lui permet de flotter sans endommager ses matériaux délicats.

L’art en transit : logistique et sécurité

Déplacer des œuvres d’art à grande échelle, comme « Achéloos et Hercule » de Thomas Hart Benton, présente des défis logistiques uniques. Ces œuvres doivent être soigneusement manœuvrées hors du musée et transportées à l’aide d’équipements spécialisés pour assurer leur sécurité.

Plans de rénovation : agrandissement de l’espace d’exposition

Le projet de rénovation vise à améliorer l’expérience des visiteurs au Smithsonian American Art Museum et à la National Portrait Gallery. Le plan directeur prévoit le déplacement des bureaux et des installations de recherche dans un bâtiment voisin, libérant ainsi 30 000 pieds carrés pour un espace d’exposition supplémentaire.

Stockage ouvert : une nouvelle façon d’appréhender l’art

L’une des principales caractéristiques des musées rénovés sera une zone de stockage ouverte au troisième étage. Cet espace permettra aux visiteurs de voir des œuvres d’art qui ne sont pas actuellement exposées, offrant une occasion unique de parcourir et d’apprécier la vaste collection du musée.

L’avenir de l’art américain : une vision pour l’avenir

La rénovation du Smithsonian American Art Museum et de la National Portrait Gallery témoigne de l’héritage durable de l’art américain. En présentant leurs trésors et en créant de nouvelles opportunités d’engagement du public, ces institutions continueront d’inspirer et d’éduquer les générations à venir.

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Art public

Dupont Underground : un trésor au cœur de Washington, D.C.

by Jasmine
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Dupont Underground : un joyau caché au cœur de Washington, D.C.

Histoire de Dupont Underground

Bien en dessous des rues animées de Dupont Circle se trouve un réseau oublié de tunnels et de quais, vestiges d’une époque révolue du transport en tramway. Construits au milieu du XXe siècle pour réduire les embouteillages, ces espaces souterrains ont constitué un élément essentiel du système de transport de la ville pendant plus d’une décennie. Cependant, avec le déclin de l’achalandage des tramways dans les années 1960, les tunnels ont été abandonnés et laissés à l’abandon.

Réutilisation adaptative : amener l’art sous terre

Ces dernières années, un groupe de passionnés s’est lancé dans une mission ambitieuse : transformer ces espaces oubliés en un pôle culturel dynamique. Dirigé par l’architecte Julian Hunt, le projet Dupont Underground vise à adapter les tunnels et les quais en un espace artistique souterrain, présentant un large éventail d’expressions artistiques.

Inspiré par des exemples réussis d’espaces d’art souterrains dans le monde, tels que Kunst im Tunnel à Düsseldorf et la High Line à New York, Hunt imagine Dupont Underground comme une destination pour les esprits créatifs et les amateurs d’art.

Le quai est : un espace brut pour l’expression artistique

La première phase du projet se concentre sur l’ouverture au public du quai est. Avec ses commodités minimales et son esthétique brute, l’espace conserve le caractère historique de la station abandonnée. La coalition derrière Dupont Underground prévoit d’accueillir une variété d’événements, notamment des spectacles musicaux, des productions théâtrales et des installations artistiques expérimentales.

Le quai ouest : un espace événementiel principal avec infrastructure

Le quai ouest, plus grand, qui abritait autrefois un projet de food court raté, offre une opportunité unique de transformation. Grâce à l’infrastructure existante, comprenant l’électricité, l’eau et la climatisation, l’espace peut être facilement adapté en un espace événementiel principal pouvant accueillir jusqu’à 1 000 personnes. L’organisation recherche actuellement des financements pour soutenir cette ambitieuse rénovation.

Les avantages des espaces d’art souterrains

La création d’espaces d’art souterrains offre de nombreux avantages aux villes. Dans les zones densément peuplées où l’espace est limité, l’utilisation d’infrastructures abandonnées ou sous-utilisées peut constituer une solution unique pour étendre les offres culturelles.

De plus, les espaces souterrains ont une longue histoire de fascination et de mystère dans la psychologie humaine. En amenant l’art sous terre, Dupont Underground exploite cette connexion primitive et crée une expérience véritablement immersive.

Le rôle de l’art dans le développement urbain

Le projet Dupont Underground ne consiste pas simplement à créer un nouvel espace artistique. Il s’agit également d’utiliser l’art comme catalyseur du renouveau urbain et de l’engagement communautaire. En transformant les espaces oubliés en destinations culturelles dynamiques, le projet vise à revitaliser les environs et à favoriser un sentiment d’appartenance.

Alors que les villes américaines sont confrontées aux défis de la croissance et du vieillissement des infrastructures, la réutilisation adaptative des espaces abandonnés offre une solution durable et créative pour répondre aux besoins d’un paysage urbain en mutation. Dupont Underground témoigne du pouvoir de l’art pour transformer des lieux oubliés et inspirer de nouvelles possibilités.

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Aménagement intérieur

Cuisines Noir et Blanc : Élégance Intemporelle pour Tous les Styles

by Jasmine
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Cuisines en Noir et Blanc : Un Choix Intemporel pour Tous les Styles

Polyvalence et Intemporalité

Les cuisines en noir et blanc ont résisté à l’épreuve du temps, offrant une esthétique classique et polyvalente qui convient à tous les styles ou décors. En se concentrant sur ces deux couleurs contrastantes, vous pouvez créer un espace équilibré et attrayant qui ne se démodera jamais.

Équilibrer Sombre et Clair

La beauté d’une cuisine en noir et blanc réside dans sa capacité à atteindre un équilibre harmonieux entre des éléments sombres et clairs. Ce contraste ajoute de la profondeur et de la dimension, créant une atmosphère visuellement attrayante et accueillante.

Élégance Minimaliste

Pour un look propre et moderne, adoptez une approche minimaliste dans votre cuisine en noir et blanc. Optez pour des armoires élégantes, des comptoirs lisses et des crédences géométriques pour créer un espace épuré et sans encombrement.

Chaleur et Contraste

Pour ajouter de la chaleur à votre cuisine minimaliste, incorporez des matériaux naturels comme le cuir ou le bois. Ces éléments contrastent magnifiquement avec la sobriété du noir et blanc, créant une ambiance chaleureuse et accueillante.

Mélange de Styles

La simplicité d’une palette en noir et blanc vous permet de mélanger et assortir différents styles sans effort. Des touches de ferme traditionnelles aux accents modernes et élégants, vous pouvez créer une cuisine unique et personnalisée qui reflète votre goût.

Accentuer avec de la Couleur

Bien que le noir et blanc fournissent une base solide, vous pouvez rehausser votre cuisine avec des touches de couleur. Des accents rouges vifs, jaunes ou oranges peuvent ajouter une déclaration audacieuse, tandis que des nuances de vert évoquent une sensation naturelle. Les teintes pastel de bleu ou de rose peuvent adoucir l’apparence générale.

Options de Couleur pour les Murs

Pour compléter votre cuisine en noir et blanc, choisissez des couleurs de mur qui harmonisent ou contrastent. Les murs blancs créent une atmosphère légère et aérée, tandis que les murs noirs évoquent une sensation sophistiquée et dramatique. Vous pouvez également utiliser les murs comme toile pour introduire de la couleur à travers de la peinture ou du papier peint.

Inspiration et Idées

Style Fermier avec une Touche Moderne

Ajoutez une touche moderne au style fermier en incorporant des meubles peints en noir et des murs en lambris bicolores. Des accents colorés, tels que des produits frais et de la vaisselle, offrent un contraste vibrant contre le fond noir et blanc.

Chic de Carreaux Métro

Couvrez les murs de votre cuisine avec des carreaux métro d’un noir grisâtre clair pour créer une crédence intemporelle. Complétez les carreaux avec des armoires noires, des comptoirs et un îlot central. Ajoutez des accents blancs brillants avec des poignées dorées pour rehausser l’esthétique générale.

Minimalisme Scandinave

Adoptez la simplicité du design scandinave avec des lignes épurées et des armoires blanches à façade plate. Un îlot de cuisine avec un rebord accueille des sièges de bar, tandis que le rangement sous l’îlot maintient l’espace sans encombrement.

Touches du Milieu du Siècle

Incorporez des éléments modernes du milieu du siècle dans votre cuisine en noir et blanc avec des suspensions modernes danoises, des horloges murales George Nelson et des chaises Eiffel noires d’Eames. Ces pièces intemporelles ajoutent une touche de style vintage.

Renaissance Victorienne

Modernisez une cuisine victorienne avec une palette en noir et blanc. Des carreaux de penny classiques au sol, des murs de carreaux métro et de la peinture noire sur l’îlot et la porte arrière créent un look rafraîchi et élégant.

Éléments Rustiques

Préservez le charme rustique d’une cuisine en incorporant des plafonds en bois sombre et des poutres apparentes. Les finitions et les accessoires en noir et blanc ajoutent une touche moderne, créant un espace intemporel et texturé.

Sol en Béton Poli

Ajoutez une touche industrielle à votre cuisine avec un sol en béton poli. De grandes portes coulissantes en verre et du béton poli gris créent une atmosphère minimaliste et sophistiquée.

Sol en Brique

Apportez une touche terreuse à votre cuisine avec un sol en brique. Des armoires noires et des comptoirs en marbre récupéré contrastent magnifiquement avec le sol rustique, créant un espace unique et éclectique.

Ajouter de la Chaleur avec du Bois

Incorporez des accents en bois dans votre cuisine en noir et blanc pour ajouter de la chaleur et de l’équilibre. Des armoires en bois expansives et d’autres accents empêchent l’espace de paraître froid et stérile.

Accents Gris

Introduisez des accents gris pour créer un look subtil et sophistiqué. Un sol en carreaux gris clair et des finitions métalliques mixtes rehaussent l’esthétique générale sans dominer la palette en noir et blanc.

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peinture

Découpe de peinture comme un pro : guide étape par étape

by Kim
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Découpe de peinture comme un pro : guide étape par étape

La découpe de peinture est une technique qui permet de peindre sans utiliser de ruban adhésif. C’est un excellent moyen de gagner du temps et des efforts, et cela peut vous donner une finition plus professionnelle.

Avant de commencer

Pour commencer, vous aurez besoin de quelques fournitures de base :

  • Un pinceau à rechampir de 2 pouces de haute qualité
  • Un seau à découper (un seau à peinture sans rebord intérieur)
  • De la peinture
  • Un chiffon blanc propre

Instructions étape par étape

1. Remplissez le seau de peinture

Remplissez un seau à découper avec pas plus d’environ 1/2 pouce de peinture. Trop de peinture dans le seau rend plus difficile d’éviter de surcharger le pinceau. Gardez les côtés du seau propres pour essuyer l’excédent de peinture.

2. Chargez le pinceau avec de la peinture

Trempez la pointe du pinceau dans la peinture. Faites glisser les poils contre le bord intérieur du seau pour enlever l’excédent de peinture. Le pinceau doit être relativement sec, car vous ne peindrez que de petites zones à la fois.

3. Appliquez la peinture sur la ligne

Tenez le pinceau sans serrer près des poils comme vous le feriez avec un crayon. Placez les poils sur la surface, en formant un coin avec les poils. Utilisez l’extrémité pointue du coin pour commencer la ligne de peinture. Dessinez les poils le long de la ligne que vous voulez peindre. Lorsque vous commencez à déplacer le pinceau, laissez les poils se déployer en éventail. Les poils les plus externes dessinent la ligne, pas toute la surface des poils.

Conseil : Dessinez des demi-lunes plats avec la peinture. Ces demi-lunes commencent légèrement à l’écart de la ligne, se déplacent et suivent la ligne sur quelques centimètres, puis s’éloignent. Créez une longue ligne droite en appliquant plusieurs demi-lunes plates d’affilée.

4. Élargissez la ligne de peinture

Si vous peignez la partie plate du mur avec un rouleau, élargissez la ligne de peinture pour fournir une marge de sécurité lors du roulage. Après avoir peint un bord fin jusqu’à la ligne, élargissez la ligne à 2 pouces ou plus.

5. Nettoyez les erreurs

Utilisez un chiffon blanc propre légèrement humidifié avec de l’eau pour essuyer la peinture qui se trouve sur des surfaces indésirables ou pour nettoyer une ligne salissante.

Conseils pour la découpe de peinture

  • Commencez avec un nouveau pinceau, surtout si c’est votre première fois.
  • Gardez le pinceau sec et évitez de le surcharger de peinture. Il est tentant de vouloir charger le pinceau ; évitez cette tentation.
  • N’appuyez pas trop fort, car cela ne fera qu’écarter les poils.
  • Maintenez le pinceau en mouvement à un rythme régulier, mais pas rapide.
  • Au fur et à mesure que vous gagnerez en expérience, essayez de produire des demi-lunes moins nombreuses et plus plates jusqu’à ce que vous puissiez tracer une longue ligne avec un seul mouvement linéaire de pinceau.
  • Si vous essuyez la peinture dès qu’elle est appliquée, elle se détachera sans problème. Attendre quelques minutes seulement peut rendre son élimination plus difficile.
  • Gardez toujours un chiffon humide à portée de main afin de pouvoir nettoyer les erreurs le plus rapidement possible.
  • Pour les grandes applications, utilisez un pinceau droit plutôt que le pinceau à rechampir incliné pour élargir la ligne.

Quand faire appel à un professionnel

Si vous avez essayé de découper de la peinture et que vous n’y arrivez toujours pas, ne vous inquiétez pas ; parfois, même le peintre le plus patient n’arrive pas à maîtriser la technique. Il est peut-être temps de faire appel à un peintre professionnel.

Les surfaces inégales et bosselées sont particulièrement difficiles à découper ; même coller la surface avec du ruban adhésif peut être difficile. C’est une autre raison pour laquelle vous voudrez peut-être qu’un professionnel fasse le travail.

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Art climatique

L’art au service de l’éco-anxiété : créer des mots pour exprimer l’indicible

by Zuzana
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L’art rencontre la science : comment deux artistes californiennes peuvent vous aider à exprimer votre éco-anxiété

Bureau de la réalité linguistique

Alicia Escott et Heidi Quante, deux artistes californiennes, ont fondé le Bureau de la réalité linguistique pour créer des mots qui aident les gens à décrire leurs émotions complexes face au changement climatique. Ce projet artistique participatif invite des personnes de tous horizons à collaborer à la création de néologismes, ou termes nouvellement inventés, qui capturent les expériences uniques de la détresse climatique.

Le pouvoir des mots

Le langage joue un rôle crucial dans notre compréhension et l’expression de nos émotions. Lorsque nous avons des mots pour décrire nos sentiments, nous pouvons mieux les traiter et les gérer. Le Bureau de la réalité linguistique reconnaît ce pouvoir et offre un espace aux gens pour explorer et exprimer leurs émotions liées au climat.

Créer des néologismes

Le processus de création de néologismes avec le Bureau de la réalité linguistique est collaboratif et perspicace. Les artistes engagent des conversations avec les participants, posent des questions et écoutent attentivement leurs expériences. Grâce au brainstorming et à la narration, ils aident les participants à identifier et à définir leurs émotions, ce qui conduit à la création de nouveaux mots qui résonnent avec leurs perspectives uniques.

Exemples de néologismes

Au fil des ans, le Bureau de la réalité linguistique a contribué à créer un vaste lexique de néologismes qui capturent les nuances de la détresse climatique. Voici quelques exemples notables :

  • Quieseed : Une graine qui reste dormante à cause d’un traumatisme social et qui prend racine lorsqu’elle trouve un environnement sûr, représentant l’acte de dire sa vérité.
  • Shadowtime : Une conscience aiguë du potentiel d’un avenir radicalement différent, reflétant l’incertitude et l’anxiété associées au changement climatique.
  • Blissonance : L’interruption d’une expérience heureuse dans la nature par le sentiment que notre présence nuit à l’environnement.
  • Ennuipocalypse : Un jour du Jugement dernier lent et progressif, capturant le sentiment de malheur imminent qui peut accompagner le changement climatique.

L’impact du Bureau

Le travail du Bureau de la réalité linguistique a eu un impact profond sur les individus et les communautés. En offrant un espace aux gens pour exprimer leurs émotions, le Bureau aide à réduire les sentiments d’isolement et permet aux gens d’agir. Le projet a été présenté dans des festivals, des musées et des écoles du monde entier, inspirant d’innombrables personnes à s’engager dans la lutte contre le changement climatique de manière nouvelle et significative.

Yonderlonging : un exemple personnel

Une participante au projet du Bureau, confrontée à la perte imminente d’un champ de vaches voisin en raison du développement, a inventé le terme « yonderlonging ». Ce mot résume le sentiment de deuil face à un grand espace ouvert dont on craint la disparition, une manifestation personnelle de la solastalgie, la détresse causée par le changement environnemental.

L’avenir du Bureau

Le Bureau de la réalité linguistique continue de grandir et d’évoluer, avec des projets d’événements et de collaborations futurs. Les artistes se sont engagées à élargir la conversation sur le changement climatique et à fournir une plateforme pour que diverses voix soient entendues. Elles croient que grâce au pouvoir des mots, nous pouvons créer un monde plus juste et plus durable.

Personnaliser votre éco-anxiété

Si vous êtes aux prises avec le poids émotionnel du changement climatique, le Bureau de la réalité linguistique offre une occasion unique d’explorer et d’exprimer vos sentiments. En participant à leurs ateliers ou en soumettant des mots via leur site Web, vous pouvez contribuer à un lexique croissant de détresse climatique et trouver du réconfort en sachant que vous n’êtes pas seul.

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Sculpture

Ursula von Rydingsvard : Sculptures métaphoriques en bois

by Jasmine
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Ursula von Rydingsvard : Sculptures métaphoriques en bois

Jeunesse et influences

Ursula von Rydingsvard est née en Allemagne en 1942 et a passé sa petite enfance dans des camps de réfugiés. En 1950, sa famille émigre aux États-Unis. Elle étudie la sculpture à l’Université Columbia auprès de Ronald Bladen, George Sugarman et Jean Linder.

Contenu autobiographique et ancestral

Le bois est devenu le matériau clé des sculptures d’Ursula von Rydingsvard, qui explorent souvent des thèmes autobiographiques et ancestraux. Son travail évoque des souvenirs d’objets de la vie quotidienne et des formes architecturales, comme des granges, des hangars, des baraquements, des bancs et des autels. À travers ces formes, elle explore l’expérience humaine de la perte, du déplacement et de la résilience.

Qualités domestiques et réconfortantes

Malgré leur caractère souvent sombre et méditatif, les sculptures de von Rydingsvard possèdent un aspect domestique et réconfortant. Elles sont grandes et monumentales, mais elles évoquent aussi un sentiment de familiarité et d’intimité. Son utilisation du bois, avec sa chaleur et sa texture naturelles, contribue à cette sensation de confort.

Métaphores de l’effort et du besoin humains

Les sculptures de Von Rydingsvard fonctionnent souvent comme des métaphores de l’effort et du besoin humains. Son utilisation des os, des poutres et des chevrons suggère les luttes physiques et émotionnelles que les gens endurent. À travers son travail, elle explore la capacité humaine de résilience et les façons dont nous nous construisons et nous soutenons mutuellement.

Reconnaissance et héritage

La sculpture de Von Rydingsvard a commencé à être reconnue il y a environ une décennie. Son travail a été acquis par des musées majeurs tels que le Metropolitan Museum of Art, le Whitney Museum of American Art et le Walker Art Center. Des collectionneurs privés et des entreprises, notamment Microsoft, ont également commandé des pièces extérieures.

Restaurer le sens de l’artisanat dans la sculpture

Martin Friedman, directeur émérite du Walker Art Center, a félicité von Rydingsvard pour avoir rendu à la sculpture son sens artisanal. Son attention méticuleuse aux détails et son recours à des techniques traditionnelles de travail du bois démontrent son attachement à l’artisanat et à la matérialité de son médium.

Prochaines expositions

Une exposition de la sculpture d’intérieur de von Rydingsvard, organisée par le Madison Art Center, est actuellement en tournée dans quatre villes. Une exposition de sa sculpture extérieure ouvrira au Nelson-Atkins Museum of Art de Kansas City le 9 mai. Ces expositions offrent une occasion de découvrir la puissance et la résonance de son travail de première main.

Conclusion

Ursula von Rydingsvard est une sculptrice de renom dont l’œuvre explore des thèmes de mémoire, d’identité et de condition humaine. Grâce à son utilisation évocatrice du bois et à sa maîtrise artisanale, elle crée des sculptures à la fois obsédantes et réconfortantes, qui nous invitent à réfléchir à nos propres expériences et à la résilience de l’esprit humain.

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Art romain

Les jardins extravagants de Caligula : une fenêtre sur le monde de l’empereur romain

by Jasmine
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Les jardins extravagants de Caligula : une fenêtre sur le monde de l’empereur romain

Jardin d’agrément redécouvert

Sous un discret immeuble d’habitation à Rome se cache un trésor : les vestiges du somptueux jardin d’agrément de Caligula, connu sous le nom de Horti Lamiani. Après des années de fouilles, cette merveille souterraine est prête à ouvrir ses portes au public, offrant un aperçu du mode de vie extravagant de l’un des empereurs les plus tristement célèbres de Rome.

Fouiller l’histoire

Les archéologues ont commencé à fouiller le site en 2006, mettant au jour une multitude d’artefacts qui éclairent le règne de Caligula. Parmi les découvertes figuraient des sols en marbre élaborés, des fresques complexes et des os d’animaux exotiques, tels que des paons, des lions et des ours. Ces trouvailles brossent un tableau vivant des goûts somptueux de l’empereur et de son penchant pour les divertissements exotiques.

Chefs-d’œuvre en marbre

L’une des caractéristiques les plus frappantes des jardins est l’utilisation intensive du marbre. Les murs étaient ornés de motifs complexes, incrustés de morceaux de différentes couleurs, créant un effet visuel époustouflant. Cette utilisation innovante du marbre met en valeur l’art et le savoir-faire de l’époque de Caligula.

Trésors artistiques

Les fresques découvertes sur le site ont surpris les historiens par leur grande qualité et leurs motifs raffinés. Contrairement aux attentes, étant donné la réputation d’excès de Caligula, les œuvres d’art présentent une esthétique sophistiquée et raffinée. Cette découverte remet en question la vision traditionnelle de l’empereur comme un tyran dépravé.

L’héritage de Caligula

Les Horti Lamiani ont été initialement commandés par le riche sénateur romain Lucius Aelius Lamia. À sa mort, la propriété a été léguée à l’empereur Tibère. Lorsque Caligula monta sur le trône en 37 après J.-C., il hérita du domaine et le transforma en jardin d’agrément digne de son style de vie opulent.

Excentricités impériales

Le règne de Caligula a été marqué à la fois par l’extravagance et la cruauté. Il aurait dépensé somptueusement pour ses jardins, notamment en construisant un pont flottant de deux milles. Son comportement erratique et ses pitreries bizarres ont fait l’objet de nombreuses spéculations et débats parmi les historiens.

Un héritage angoissant

Selon la légende, le fantôme de Caligula a continué à hanter les jardins après son assassinat en 41 après J.-C. Cependant, la vérité derrière cette affirmation reste enveloppée de mystère. Ce qui est certain, c’est que les Horti Lamiani offrent un aperçu fascinant de la vie et de l’époque de l’un des empereurs les plus énigmatiques de Rome.

Révéler une nouvelle perspective

L’ouverture du musée de la Nymphée de la Piazza Vittorio ce printemps offrira aux visiteurs une occasion unique d’explorer le jardin d’agrément de Caligula. Ce trésor souterrain promet de jeter un nouvel éclairage sur le personnage de l’empereur et le monde opulent qu’il s’est créé.

Informations complémentaires

  • Le nom d’origine de Caligula était Caius Julius Caesar Germanicus.
  • Le surnom « Caligula » signifie « petite botte » et lui a été donné par les troupes pendant son enfance.
  • Caligula a souffert d’une grave maladie au début de son règne, ce qui a peut-être contribué à son comportement erratique.
  • Malgré sa réputation de cruauté, Caligula était également connu pour son mécénat des arts.
  • La garde prétorienne, le sénat et l’ordre équestre ont conspiré pour assassiner Caligula en 41 après J.-C.
  • Les sœurs de Caligula ont apporté son corps à Horti Lamiani et l’ont brûlé après sa mort.
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Art africain

Collection d’art africain Walt Disney-Tishman : un voyage à travers l’histoire et la culture africaine

by Zuzana
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L’art africain : un voyage à travers l’histoire et la culture

La collection d’art africain Walt Disney-Tishman

La collection d’art africain Walt Disney-Tishman est un magnifique ensemble de 525 pièces qui s’étendent sur cinq siècles et représentent environ 75 peuples et 20 pays. Elle est actuellement hébergée au Musée national d’art africain du Smithsonian (NMAfA), grâce à un généreux don de la Walt Disney Company.

La collection comprend un large éventail de formes d’art africain, des masques et sculptures traditionnels aux peintures et textiles contemporains. Elle est particulièrement riche en œuvres du royaume du Bénin au Nigeria, du peuple Edo au Nigeria et du peuple Kota au Gabon.

Les Tishman : une passion pour l’art africain

La collection a été rassemblée sur une période de 25 ans par le promoteur immobilier Paul Tishman et son épouse, Ruth. Les Tishman étaient passionnés par l’art africain et pensaient qu’il devait être accessible au public. Ils ont vendu leur collection à la Walt Disney Company en 1984 dans l’espoir qu’elle serait exposée dans un espace d’exposition permanent à Walt Disney World.

Bien que ce rêve ne se soit jamais réalisé, Disney a continuellement prêté des pièces de la collection pour des expositions et des publications. Lorsque la société a décidé de transmettre la collection, elle a choisi la Smithsonian Institution, qui s’engage à rendre l’art africain accessible aux visiteurs du monde entier.

L’art africain au Smithsonian

Le NMAfA est le seul musée en Amérique dédié à la collecte, à la conservation, à l’étude et à l’exposition d’art africain traditionnel et contemporain. La collection Disney-Tishman est un ajout majeur aux fonds du musée et sera utilisée pour enrichir les expositions, les programmes éducatifs et la recherche.

Le musée s’intéresse particulièrement au potentiel de la collection pour inspirer de nouvelles générations d’artistes et de chercheurs. Comme l’a déclaré la directrice du NMAfA, Sharon Patton, la « soirée de lancement » de la collection est une occasion de célébrer le riche héritage de l’art africain et sa pertinence continue au XXIe siècle.

L’importance de l’art africain

L’art africain a joué un rôle important dans le développement de l’art moderne. Des artistes tels que Pablo Picasso et Henri Matisse se sont inspirés des masques et des sculptures africains. La collection Disney-Tishman comprend plusieurs œuvres qui ont été exposées au Louvre au début du XXe siècle, contribuant à faire connaître l’art africain à un public plus large.

L’art africain est également important pour sa valeur historique et culturelle. La collection comprend des objets qui étaient utilisés dans des cérémonies religieuses, des rituels politiques et la vie quotidienne. Ces objets fournissent des informations précieuses sur la vie et les croyances des peuples africains.

Conclusion

La collection d’art africain Walt Disney-Tishman est un trésor inestimable qui appartient à tous les Américains. C’est un témoignage de la beauté et de la diversité de l’art africain et de son importance durable dans le monde d’aujourd’hui.

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Arts de la scène

Les planches de Shakespeare découvertes : un trésor historique

by Jasmine
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La scène de Shakespeare : des planches nouvellement découvertes exhument l’histoire

Fouilles et découverte

Lors de récentes rénovations du St. George’s Guildhall à King’s Lynn, en Angleterre, des ouvriers sont tombés sur une découverte remarquable : des planches en bois qui seraient les seules ayant survécu de la scène sur laquelle William Shakespeare s’est autrefois produit. Cachées sous des couches de plancher, ces grandes planches de chêne, de près de 30 centimètres de largeur et 15 d’épaisseur, sont maintenues ensemble par des chevilles en bois plutôt que par des clous.

Contexte historique

La découverte de ces planches a suscité un vif engouement au sein de la communauté historique. Le St. George’s Guildhall, le plus vieux théâtre en activité du Royaume-Uni, a longtemps été associé à l’époque de Shakespeare. Des documents de la fin du XVIe siècle attestent que la troupe de comédiens de Shakespeare s’est produite dans ce lieu en 1592-93.

Datation des planches

L’archéologue Jonathan Clark, spécialiste des bâtiments médiévaux, a examiné méticuleusement les planches pendant deux mois. En étudiant les méthodes de construction et les cernes de croissance dans le bois restant, il a déterminé qu’elles dataient du début du XVe siècle, probablement entre 1417 et 1430. Cela place les planches bien avant l’époque de Shakespeare.

La présence de Shakespeare

Malgré la construction antérieure des planches, Tim FitzHigham, directeur artistique de la guilde, estime que Shakespeare a dû se produire sur celles-ci. Il souligne des éléments attestant de la présence de la troupe de Shakespeare sur le site à la fin du XVIe siècle. « C’est probablement la surface sur laquelle Shakespeare a marché », déclare Clark. « C’est à cette extrémité de la salle qu’avaient lieu les représentations ».

Perspectives des spécialistes

Cette découverte a déclenché un vif débat parmi les historiens et les spécialistes de Shakespeare. Tiffany Stern, de l’université de Birmingham, en Angleterre, estime que les éléments attestant de la présence de Shakespeare au St. George’s Guildhall sont « assez solides ». D’autres restent toutefois sceptiques. Siobhan Keenan, de l’université De Montfort, en Angleterre, souligne que les allées et venues de Shakespeare durant cette période sont incertaines.

Spéculation et importance

Alors que certains spécialistes avancent que cette découverte est majeure, d’autres la rejettent, la qualifiant de simple spéculation. Michael Dobson, directeur de l’Institut Shakespeare de Stratford-upon-Avon, estime que ces planches n’ont pas une importance particulière, à moins d’être fasciné à l’idée de détenir un fragment de bois qui pourrait avoir été touché par Shakespeare. Il ajoute qu’il existe d’autres artefacts associés à Shakespeare qui sont bien plus précieux d’un point de vue historique.

Recherches en cours et implications futures

La découverte de ces planches ouvre de nouvelles perspectives de recherche et d’exploration sur la vie et la carrière de Shakespeare. Les spécialistes sont impatients d’approfondir les éléments de preuve et d’en savoir plus sur les représentations de Shakespeare et le contexte culturel de son époque. À mesure que les recherches se poursuivent, les planches du St. George’s Guildhall continueront sans aucun doute de captiver l’imagination des historiens, des passionnés de Shakespeare et de tous ceux qui s’intéressent à la riche tapisserie du patrimoine culturel britannique.

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