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Arquitectura de 2013: de la ampliación del SFMOMA al Sky City

by Jasmine
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Arquitectura para visitar en 2013

Ampliación del SFMOMA

Uno de los proyectos arquitectónicos más ambiciosos de 2013 es la ampliación del Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA). La nueva estructura, diseñada por la galardonada firma Snøhetta con sede en Oslo, se levantará detrás del icónico edificio original diseñado por Mario Botta. La ampliación duplicará con creces el tamaño del museo e incluye nuevos espacios peatonales, entradas, galerías a nivel de calle, terrazas al aire libre y un jardín de esculturas. La función principal de la ampliación es albergar la nueva Colección Fisher, donada por el difunto fundador de GAP, Don Fisher. El elegante diseño contemporáneo de Snøhetta es una notable desviación para San Francisco, conocida por su conservadurismo arquitectónico.

One World Trade Center

Después de más de una década de planificación, el One World Trade Center finalmente alcanzará su altura máxima de 1.776 pies en 2013. La torre de 104 pisos será el edificio más alto de los Estados Unidos. Si bien el diseño puede ser decepcionante, representa la importancia de reconstruir y crear una nueva brújula urbana para los neoyorquinos.

Sky City

Cuando finalice su construcción en marzo de 2013, Sky City en China se convertirá en el edificio más alto del mundo. La torre de 220 pisos se construirá en sólo 90 días utilizando un innovador método de construcción modular desarrollado por Broad Sustainable Building (BSB). El sistema modular de gran altura de BSB utiliza conductos, tuberías y electricidad preinstalados, lo que hace que la construcción sea más segura, más barata y más rápida. BSB espera que el éxito de Sky City lance su sistema de construcción al escenario mundial y promueva la construcción modular a nivel mundial.

Atlantic Yards B2

Estados Unidos también está adoptando la construcción modular con el desarrollo de B2 en Brooklyn. Diseñado por SHoP Architects, B2 será la primera de tres torres residenciales construidas alrededor del nuevo Barclays Center como parte del desarrollo más grande de Atlantic Yards. Al igual que Sky City, B2 se construirá a partir de componentes modulares y será el más grande de su tipo en los Estados Unidos. El proyecto ha generado controversia debido a las preocupaciones sobre su impacto en los sindicatos locales, pero se espera que reduzca el tiempo de construcción en 18 meses y cueste aproximadamente un 15 por ciento menos su construcción.

Ampliando los límites de la arquitectura

Estos proyectos de construcción representan importantes avances en arquitectura. La expansión del SFMOMA muestra la combinación de estilos arquitectónicos antiguos y nuevos. One World Trade Center simboliza la resistencia y el renacimiento. Sky City demuestra el potencial de la construcción modular para revolucionar la industria de la construcción. Y B2 destaca la creciente aceptación de las técnicas modulares en los Estados Unidos.

Estos proyectos no son sólo maravillas arquitectónicas, sino también testimonios del ingenio y la innovación que continúan dando forma al entorno construido. A medida que estas estructuras tomen forma en 2013, sin duda dejarán una marca duradera en el mundo de la arquitectura.

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Gestión de museos

El Museo Smithsoniano de Arte Estadounidense y la Galería Nacional de Retratos se someten a una importante renovación

by Kim
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El Museo Smithsoniano de Arte Estadounidense y la Galería Nacional de Retratos se someten a una importante renovación

Preparándose para la mudanza

Antes de embarcarse en un proyecto de renovación de tres años, el Museo Smithsoniano de Arte Estadounidense y la Galería Nacional de Retratos están llevando a cabo una tarea masiva para preparar su vasta colección de obras de arte para la reubicación. Esto implica limpiar, embalar y empaquetar miles de pinturas, esculturas, murales, fotografías y dibujos.

Cajas personalizadas para carga valiosa

Garantizar el transporte seguro de estos artefactos invaluables requiere cajas especializadas diseñadas para protegerlos de daños. El personal del museo, dirigido por el registrador asistente Michael Smallwood, elabora meticulosamente cajas personalizadas para cada obra de arte, teniendo en cuenta su tamaño, forma y fragilidad. Estas cajas están reforzadas con pernos y selladas con juntas para proporcionar un entorno seguro e impermeable.

Conservación: preservando el patrimonio artístico

Además del embalaje, los restauradores del museo desempeñan un papel crucial en la preparación de la obra de arte para su viaje. Limpian y restauran cuidadosamente piezas delicadas, eliminando óxido, excrementos de pájaros y otras imperfecciones. Los restauradores también colaboran con artistas para garantizar el manejo y transporte adecuados de sus obras.

El trono de Hampton: un desafío de conservación

Una de las piezas más difíciles de empaquetar es el Trono de Hampton, una maravilla de plata y pan de oro creada por James Hampton. Esta intrincada instalación requiere una caja especialmente diseñada que permita flotarla sin dañar sus delicados materiales.

Arte en tránsito: logística y seguridad

Mover obras de arte a gran escala, como «Aqueloos y Hércules» de Thomas Hart Benton, presenta desafíos logísticos únicos. Estas obras deben maniobrarse cuidadosamente fuera del museo y transportarse utilizando equipos especializados para garantizar su seguridad.

Planes de renovación: ampliación del espacio de exposición

El proyecto de renovación tiene como objetivo mejorar la experiencia del visitante en el Museo Smithsoniano de Arte Estadounidense y la Galería Nacional de Retratos. El gran plan incluye trasladar oficinas e instalaciones de investigación a un edificio cercano, liberando 30.000 pies cuadrados para espacio de exposición adicional.

Almacenamiento abierto: una nueva forma de interactuar con el arte

Una característica clave de los museos renovados será un área de almacenamiento abierta en el tercer piso. Este espacio permitirá a los visitantes ver obras de arte que no están actualmente en exhibición, brindando una oportunidad única para explorar y apreciar la vasta colección del museo.

El futuro del arte estadounidense: una visión para el futuro

La renovación del Museo Smithsoniano de Arte Estadounidense y la Galería Nacional de Retratos es un testimonio del legado perdurable del arte estadounidense. Al exhibir sus tesoros y crear nuevas oportunidades para la participación pública, estas instituciones continuarán inspirando y educando a las generaciones venideras.

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Arte Público

Dupont Underground: un tesoro en el corazón de Washington, D.C.

by Jasmine
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Dupont Underground: Una joya escondida en el corazón de Washington, D.C.

Historia de Dupont Underground

Muy por debajo de las bulliciosas calles de Dupont Circle se encuentra una red olvidada de túneles y plataformas, vestigios de una época pasada del transporte en tranvía. Construidos a mediados del siglo XX para aliviar la congestión del tráfico, estos espacios subterráneos sirvieron como una parte vital del sistema de transporte de la ciudad durante más de una década. Sin embargo, con el declive del uso del tranvía en la década de 1960, los túneles fueron abandonados y dejados en ruinas.

Reutilización adaptativa: llevando el arte al subsuelo

En los últimos años, un grupo de apasionados se ha embarcado en una ambiciosa misión para transformar estos espacios olvidados en un vibrante centro cultural. Liderado por el arquitecto Julian Hunt, el proyecto Dupont Underground tiene como objetivo adaptar los túneles y las plataformas en un espacio de arte subterráneo, mostrando una amplia gama de expresiones artísticas.

Inspirado en ejemplos exitosos de espacios de arte subterráneos en todo el mundo, como Kunst im Tunnel en Düsseldorf y High Line en la ciudad de Nueva York, Hunt imagina Dupont Underground como un destino para mentes creativas y entusiastas del arte por igual.

La plataforma este: un espacio en bruto para la expresión artística

La primera fase del proyecto se centra en abrir la plataforma este al público. Con sus servicios mínimos y su estética cruda, el espacio conserva el carácter histórico de la estación abandonada. La coalición detrás de Dupont Underground planea albergar una variedad de eventos, incluidas actuaciones musicales, producciones teatrales e instalaciones artísticas experimentales.

La plataforma oeste: un espacio para eventos principales con infraestructura

La plataforma oeste más grande, que alguna vez albergó un fallido proyecto de patio de comidas, presenta una oportunidad única para la transformación. Gracias a la infraestructura existente, que incluye electricidad, agua y aire acondicionado, el espacio se puede adaptar fácilmente a un espacio para eventos principales con capacidad para albergar hasta 1000 personas. La organización está buscando actualmente financiación para apoyar esta ambiciosa renovación.

Los beneficios de los espacios de arte subterráneos

La creación de espacios de arte subterráneos ofrece numerosos beneficios a las ciudades. En áreas densamente pobladas donde el espacio es limitado, utilizar infraestructura abandonada o subutilizada puede proporcionar una solución única para expandir las ofertas culturales.

Además, los espacios subterráneos tienen una larga historia de fascinación y misterio en la psicología humana. Al llevar el arte al subsuelo, Dupont Underground aprovecha esta conexión primordial y crea una experiencia verdaderamente inmersiva.

El papel del arte en el desarrollo de la ciudad

El proyecto Dupont Underground no se trata simplemente de crear un nuevo espacio artístico. También se trata de utilizar el arte como catalizador para la renovación urbana y la participación comunitaria. Al transformar los espacios olvidados en destinos culturales vibrantes, el proyecto tiene como objetivo revitalizar el área circundante y fomentar un sentido de pertenencia.

A medida que las ciudades estadounidenses enfrentan los desafíos del crecimiento y el envejecimiento de la infraestructura, la reutilización adaptativa de los espacios abandonados ofrece una solución sostenible y creativa para satisfacer las necesidades de un panorama urbano cambiante. Dupont Underground es un testimonio del poder del arte para transformar lugares olvidados e inspirar nuevas posibilidades.

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Diseño de interiores

Cocinas en Blanco y Negro: Elegancia Atemporal para Cualquier Estilo

by Jasmine
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Cocinas en Blanco y Negro: Una Elección Atemporal para Cualquier Estilo

Versatilidad y Atemporalidad

Las cocinas en blanco y negro han superado la prueba del tiempo, ofreciendo una estética clásica y versátil que se adapta a cualquier estilo o decoración. Al centrarse en estos dos colores contrastantes, puedes crear un espacio equilibrado y llamativo que no pasará de moda.

Equilibrando Oscuro y Claro

La belleza de una cocina en blanco y negro reside en su capacidad para lograr un equilibrio armonioso entre elementos oscuros y claros. Este contraste añade profundidad y dimensión, creando una atmósfera visualmente atractiva e invitante.

Elegancia Minimalista

Para un aspecto limpio y moderno, adopta un enfoque minimalista en tu cocina en blanco y negro. Opta por gabinetes elegantes, encimeras lisas y salpicaderos geométricos para crear un espacio despejado y libre de desorden.

Calidez y Contraste

Para añadir calidez a tu cocina minimalista, incorpora materiales naturales como cuero o madera. Estos elementos contrastan bellamente con la sobriedad del blanco y negro, creando un ambiente acogedor e invitante.

Mezcla de Estilos

La simplicidad de una paleta en blanco y negro te permite mezclar y combinar diferentes estilos sin esfuerzo. Desde toques tradicionales de granja hasta acentos modernos y elegantes, puedes crear una cocina única y personalizada que refleje tu gusto.

Acentuando con Color

Mientras que el blanco y negro proporcionan una base sólida, puedes realzar tu cocina con toques de color. Acentos en rojo brillante, amarillo o naranja pueden añadir una declaración audaz, mientras que tonos de verde evocan una sensación natural. Tonos pastel de azul o rosa pueden suavizar el aspecto general.

Opciones de Color para las Paredes

Para complementar tu cocina en blanco y negro, elige colores de pared que armonicen o contrasten. Las paredes blancas crean una atmósfera ligera y aireada, mientras que las paredes negras evocan una sensación de sofisticación y dramatismo. También puedes usar las paredes como un lienzo para introducir color a través de pintura o papel tapiz.

Inspiración e Ideas

Estilo de Granero con un Toque Moderno

Añade un giro moderno al estilo de granero incorporando muebles pintados de negro y paredes de tablones de dos tonos. Acentos coloridos, como productos frescos y vajilla, proporcionan un contraste vibrante contra el fondo blanco y negro.

Azulejos Subway Chic

Cubre las paredes de tu cocina con azulejos subway de un negro grisáceo claro para crear un salpicadero atemporal. Complementa los azulejos con gabinetes negros, encimeras y una isla central. Añade acentos blancos brillantes con herrajes dorados para realzar la estética general.

Minimalismo Escandinavo

Adopta la simplicidad del diseño escandinavo con líneas limpias y gabinetes blancos de frente plano. Una isla de cocina con un borde acomoda asientos de bar, mientras que el almacenamiento bajo la isla mantiene el espacio libre de desorden.

Toques de Modernismo de Mediados de Siglo

Incorpora elementos modernos de mediados de siglo en tu cocina en blanco y negro con lámparas colgantes danesas modernas, relojes de pared de George Nelson y sillas Eiffel negras de Eames. Estas piezas atemporales añaden un toque de estilo vintage.

Renacimiento Victoriano

Moderniza una cocina victoriana con una paleta en blanco y negro. Azulejos de penny clásicos en el suelo, paredes de azulejos subway y pintura negra en la isla y la puerta trasera crean un aspecto renovado y elegante.

Elementos Rústicos

Preserva el encanto rústico de una cocina incorporando techos de madera oscura y vigas expuestas. Los acabados y accesorios en blanco y negro añaden un toque moderno, creando un espacio atemporal y texturizado.

Suelos de Hormigón Pulido

Añade un borde industrial a tu cocina con suelos de hormigón pulido. Grandes puertas corredizas de vidrio y hormigón pulido gris crean una atmósfera minimalista y sofisticada.

Suelos de Ladrillo

Aporta un toque terroso a tu cocina con suelos de ladrillo. Los gabinetes negros y las encimeras de mármol recuperado contrastan bellamente con el suelo rústico, creando un espacio único y ecléctico.

Añadiendo Calidez con Madera

Incorpora acentos de madera en tu cocina en blanco y negro para añadir calidez y equilibrio. Gabinetes de madera expansivos y otros acentos evitan que el espacio se sienta frío y estéril.

Acentos Grises

Introduce acentos grises para crear un aspecto sutil y sofisticado. Un suelo de azulejos gris claro y acabados metálicos mixtos realzan la estética general sin dominar la paleta en blanco y negro.

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pintura

Recorte de pintura como un profesional: guía paso a paso

by Kim
written by Kim

Recorte de pintura como un profesional: guía paso a paso

El recorte de pintura es una técnica que permite pintar sin utilizar cinta adhesiva. Es una excelente manera de ahorrar tiempo y esfuerzo, y puede brindar un acabado de aspecto más profesional.

Antes de empezar

Para comenzar, necesitarás algunos suministros básicos:

  • Brocha de cerda de 2 pulgadas de alta calidad
  • Balde de corte (balde de pintura sin borde interior)
  • Pintura
  • Trapo blanco limpio

Instrucciones paso a paso

1. Llena el balde con pintura

Llena un balde de corte con no más de aproximadamente 1/2 pulgada de pintura. Demasiada pintura en el balde dificulta evitar sobrecargar la brocha. Mantén los lados del balde limpios para limpiar el exceso de pintura.

2. Carga la brocha con pintura

Sumerge la punta de la brocha en la pintura. Arrastra las cerdas contra el borde interior del balde para eliminar el exceso de pintura. La brocha debe estar relativamente seca, ya que solo pintarás áreas pequeñas a la vez.

3. Aplica pintura a la línea

Sujeta la brocha sin apretar cerca de las cerdas como lo harías con un lápiz. Coloca las cerdas sobre la superficie, formando una forma de cuña con las cerdas. Usa el extremo afilado de la cuña para comenzar la línea de pintura. Dibuja las cerdas a lo largo de la línea que deseas pintar. A medida que comiences a mover la brocha, deja que las cerdas se abran en forma de abanico. Las cerdas más externas dibujan la línea, no toda la superficie de las cerdas.

Consejo: Dibuja formas de media luna planas con la pintura. Estas medias lunas comienzan ligeramente lejos de la línea, se mueven y siguen la línea por unos centímetros y luego se alejan. Crea una línea recta larga aplicando varias medias lunas planas en una fila.

4. Amplía la línea de pintura

Si pintarás la parte plana de la pared con un rodillo, amplía la línea de pintura para proporcionar un margen de seguridad al rodar. Después de pintar un borde fino hasta la línea, amplía la línea a 2 pulgadas o más.

5. Limpia errores

Usa un trapo blanco limpio ligeramente humedecido con agua para quitar la pintura que llegue a superficies no deseadas o para limpiar una línea desordenada.

Consejos para recortar pintura

  • Comienza con una brocha nueva, especialmente si es tu primera vez.
  • Mantén la brocha seca y evita sobrecargarla con pintura. Es tentador querer cargar la brocha; evita esa tentación.
  • No presiones demasiado, ya que esto solo hará que las cerdas se extiendan.
  • Mantén la brocha en movimiento a un ritmo constante, pero no rápido.
  • A medida que adquieras más experiencia, intenta producir menos medias lunas y más planas hasta que puedas dibujar una línea larga con un solo movimiento de brocha lineal.
  • Si limpias la pintura tan pronto como la apliques, saldrá sin problemas. Esperar solo unos minutos puede dificultar su eliminación.
  • Ten un trapo húmedo a mano en todo momento para que puedas limpiar los errores lo más rápido posible.
  • Para aplicaciones grandes, usa una brocha recta en lugar de la brocha de cerda angular para ampliar la línea.

Cuándo llamar a un profesional

Si has intentado recortar pintura y aún no puedes hacerlo, no te preocupes; a veces, incluso el pintor más paciente parece no poder lograr la técnica. Este podría ser el momento de llamar a un pintor profesional.

Las superficies irregulares y con baches son particularmente difíciles para recortar pintura; incluso cubrir la superficie con cinta adhesiva puede ser difícil. Esa es otra razón por la que es posible que desees que un profesional haga el trabajo.

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Arte climático

Arte y ciencia: creando palabras para el dolor ecológico

by Zuzana
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El arte se encuentra con la ciencia: cómo dos artistas de California pueden ayudarte a expresar tu dolor ecológico

Oficina de Realidad Lingüística

Alicia Escott y Heidi Quante, dos artistas de California, fundaron la Oficina de Realidad Lingüística para crear palabras que ayuden a las personas a describir sus complejas emociones sobre el cambio climático. Este proyecto artístico participativo invita a personas de todos los ámbitos de la vida a colaborar en la creación de neologismos, o términos recién inventados, que capturen las experiencias únicas de angustia climática.

El poder de las palabras

El lenguaje juega un papel crucial en nuestra comprensión y expresión de las emociones. Cuando tenemos palabras para describir nuestros sentimientos, podemos procesarlos y gestionarlos mejor. La Oficina de Realidad Lingüística reconoce este poder y ofrece un espacio para que las personas exploren y articulen sus emociones relacionadas con el clima.

Creación de neologismos

El proceso de creación de neologismos con la Oficina de Realidad Lingüística es colaborativo y profundo. Los artistas entablan conversaciones con los participantes, hacen preguntas y escuchan atentamente sus experiencias. A través de la lluvia de ideas y la narración de historias, ayudan a los participantes a identificar y definir sus emociones, lo que resulta en la creación de nuevas palabras que resuenan con sus perspectivas únicas.

Ejemplos de neologismos

A lo largo de los años, la Oficina de Realidad Lingüística ha ayudado a crear un vasto léxico de neologismos que capturan los matices de la angustia climática. Algunos ejemplos notables incluyen:

  • Quieseed: Una semilla que permanece latente debido a un trauma social y echa raíces cuando encuentra un entorno seguro, que representa el acto de decir la propia verdad.
  • Shadowtime: Una aguda conciencia del potencial de un futuro drásticamente diferente, que refleja la incertidumbre y la ansiedad asociadas con el cambio climático.
  • Blissonance: La interrupción de una experiencia dichosa en la naturaleza por la sensación de que la presencia de uno está dañando el medio ambiente.
  • Ennuipocalypse: Un día del juicio final lento y gradual, que captura la sensación de fatalidad inminente que puede acompañar al cambio climático.

El impacto de la Oficina

El trabajo de la Oficina de Realidad Lingüística ha tenido un profundo impacto en individuos y comunidades. Al brindar un espacio para que las personas expresen sus emociones, la Oficina ayuda a reducir los sentimientos de aislamiento y empodera a las personas para que tomen medidas. El proyecto se ha presentado en festivales, museos y escuelas de todo el mundo, inspirando a innumerables personas a participar en el cambio climático de formas nuevas y significativas.

Yonderlonging: un ejemplo personal

Un participante en el proyecto de la Oficina, que luchaba con la inminente pérdida de un campo cercano de vacas debido al desarrollo, acuñó el término «yonderlonging». Esta palabra encapsula el sentimiento de duelo por un espacio abierto que se teme que desaparezca, una manifestación personal de solastalgia, la angustia causada por el cambio ambiental.

El futuro de la Oficina

La Oficina de Realidad Lingüística continúa creciendo y evolucionando, con planes para futuros eventos y colaboraciones. Los artistas están comprometidos a ampliar la conversación sobre el cambio climático y proporcionar una plataforma para que se escuchen diversas voces. Creen que a través del poder de las palabras, podemos crear un mundo más justo y sostenible.

Personalizando tu dolor ecológico

Si estás luchando con el costo emocional del cambio climático, la Oficina de Realidad Lingüística ofrece una oportunidad única para explorar y expresar tus sentimientos. Al participar en sus talleres o enviar palabras a través de su sitio web, puedes contribuir a un léxico creciente de angustia climática y encontrar consuelo al saber que no estás solo.

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Escultura

Úrsula von Rydingsvard: Esculturas metafóricas en madera

by Jasmine
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Úrsula von Rydingsvard: Esculturas metafóricas en madera

Primeros años e influencias

Úrsula von Rydingsvard nació en Alemania en 1942 y pasó su primera infancia en campos de refugiados. En 1950, su familia emigró a los Estados Unidos. Estudió escultura en la Universidad de Columbia con Ronald Bladen, George Sugarman y Jean Linder.

Contenido autobiográfico y ancestral

La madera se convirtió en el material clave para las esculturas de von Rydingsvard, que a menudo exploran temas autobiográficos y ancestrales. Su obra evoca recuerdos de objetos cotidianos y formas arquitectónicas, como graneros, cobertizos, barracas, bancos y altares. A través de estas formas, explora la experiencia humana de pérdida, desplazamiento y resiliencia.

Cualidades domésticas y reconfortantes

A pesar de sus cualidades a menudo sombrías y melancólicas, las esculturas de von Rydingsvard poseen un aspecto doméstico y reconfortante. Son grandes y monumentales, pero también evocan un sentimiento de familiaridad e intimidad. Su uso de la madera, con su calidez y textura naturales, contribuye a esta sensación de comodidad.

Metáforas del esfuerzo y la necesidad humana

Las esculturas de Von Rydingsvard a menudo funcionan como metáforas del esfuerzo y la necesidad humana. Su uso de huesos, vigas y vigas sugiere las luchas físicas y emocionales que soportan las personas. A través de su trabajo, explora la capacidad humana de resistencia y las formas en que nos construimos y apoyamos unos a otros.

Reconocimiento y legado

La escultura de Von Rydingsvard comenzó a ganar reconocimiento hace aproximadamente una década. Su trabajo ha sido adquirido por importantes museos como el Museo Metropolitano de Arte, el Museo Whitney de Arte Estadounidense y el Centro de Arte Walker. Coleccionistas privados y corporaciones, incluida Microsoft, también han encargado piezas para exteriores.

Restaurando el sentido de la artesanía a la escultura

Martin Friedman, director emérito del Walker Art Center, ha elogiado a von Rydingsvard por restaurar el sentido de la artesanía a la escultura. Su meticulosa atención al detalle y su uso de técnicas tradicionales de trabajo de la madera demuestran su compromiso con la artesanía y la fisicalidad de su medio.

Próximas exposiciones

Una exposición de la escultura de interior de von Rydingsvard, organizada por el Madison Art Center, se encuentra actualmente en una gira por cuatro ciudades. Una muestra de su escultura al aire libre se inaugurará en el Museo de Arte Nelson-Atkins de Kansas City el 9 de mayo. Estas exposiciones brindan la oportunidad de experimentar el poder y la resonancia de su trabajo de primera mano.

Conclusión

Úrsula von Rydingsvard es una reconocida escultora cuyo trabajo explora temas de memoria, identidad y condición humana. A través de su uso evocador de la madera y su maestría artesanal, crea esculturas que son a la vez inquietantes y reconfortantes, desafiándonos a reflexionar sobre nuestras propias experiencias y la resistencia del espíritu humano.

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Arte romano

Los extravagantes jardines de Calígula: una ventana al mundo del emperador romano

by Jasmine
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Los extravagantes jardines de Calígula: una ventana al mundo del emperador romano

Jardín de recreo redescubierto

Bajo un discreto edificio de apartamentos en Roma se esconde un tesoro: los restos del opulento jardín de recreo de Calígula, conocido como Horti Lamiani. Tras años de excavaciones, esta maravilla subterránea está lista para abrirse al público y ofrecer una visión del extravagante estilo de vida de uno de los emperadores más infames de Roma.

Excavando la historia

Los arqueólogos comenzaron a excavar el sitio en 2006 y descubrieron una gran cantidad de artefactos que arrojan luz sobre el reinado de Calígula. Entre los descubrimientos había elaborados pisos de mármol, intrincados frescos y huesos de animales exóticos, como pavos reales, leones y osos. Estos hallazgos pintan una vívida imagen de los lujosos gustos del emperador y su afición por el entretenimiento exótico.

Obras maestras de mármol

Una de las características más llamativas de los jardines es el uso extensivo del mármol. Las paredes estaban adornadas con intrincados diseños, con incrustaciones de piezas de diferentes colores, creando un impresionante efecto visual. Este innovador uso del mármol muestra el arte y la artesanía de la época de Calígula.

Tesoros artísticos

Los frescos descubiertos en el sitio han sorprendido a los historiadores por su alta calidad y sus diseños de buen gusto. Contrariamente a las expectativas, dada la reputación de Calígula por sus excesos, las obras de arte muestran una estética sofisticada y refinada. Este descubrimiento desafía la visión tradicional del emperador como un tirano depravado.

La herencia de Calígula

Los Horti Lamiani fueron originalmente encargados por el adinerado senador romano Lucio Elio Lamia. Tras su muerte, la propiedad fue legada al emperador Tiberio. Cuando Calígula ascendió al trono en el año 37 d. C., heredó la finca y la transformó en un jardín de recreo acorde con su opulento estilo de vida.

Excentricidades imperiales

El reinado de Calígula estuvo marcado tanto por la extravagancia como por la crueldad. Se dice que gastó generosamente en sus jardines, incluyendo la construcción de un puente flotante de dos millas. Su comportamiento errático y sus extrañas payasadas han sido objeto de mucha especulación y debate entre los historiadores.

Un inquietante legado

Según la leyenda, el fantasma de Calígula continuó rondando los jardines después de su asesinato en el año 41 d. C. Sin embargo, la verdad detrás de esta afirmación permanece envuelta en misterio. Lo que es seguro es que los Horti Lamiani ofrecen una fascinante visión de la vida y la época de uno de los emperadores más enigmáticos de Roma.

Revelando una nueva perspectiva

La apertura del Museo Ninfeo de la Piazza Vittorio esta primavera brindará a los visitantes una oportunidad sin precedentes de explorar el jardín de recreo de Calígula. Este tesoro subterráneo promete arrojar nueva luz sobre el carácter del emperador y el opulento mundo que creó para sí mismo.

Información adicional

  • El nombre original de Calígula era Cayo Julio César Germánico.
  • El apodo «Calígula» significa «botita» y le fue dado por las tropas durante su infancia.
  • Calígula sufrió una grave enfermedad al principio de su reinado, lo que pudo haber contribuido a su comportamiento errático.
  • A pesar de su reputación de crueldad, Calígula también fue conocido por su mecenazgo de las artes.
  • La Guardia Pretoriana, el Senado y la orden ecuestre conspiraron para asesinar a Calígula en el año 41 d. C.
  • Las hermanas de Calígula llevaron su cuerpo a los Horti Lamiani y lo quemaron después de su muerte.
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Arte africano

Colección de Arte Africano Walt Disney-Tishman: un viaje a través de la historia y la cultura

by Zuzana
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Arte africano: Un viaje a través de la historia y la cultura

Colección de arte africano Walt Disney-Tishman

La Colección de Arte Africano Walt Disney-Tishman es una magnífica colección de 525 piezas que abarcan cinco siglos y representan a unos 75 pueblos y 20 países. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte Africano del Smithsonian (NMAfA), gracias a una generosa donación de la Compañía Walt Disney.

La colección incluye una amplia gama de formas de arte africano, desde máscaras y esculturas tradicionales hasta pinturas y textiles contemporáneos. Es particularmente rica en obras del Reino de Benín de Nigeria, los pueblos Edo de Nigeria y los pueblos Kota de Gabón.

Los Tishman: Una pasión por el arte africano

La colección fue reunida durante un período de 25 años por el promotor inmobiliario Paul Tishman y su esposa, Ruth. Los Tishman eran apasionados por el arte africano y creían que debía ser accesible al público. Vendieron su colección a la Compañía Walt Disney en 1984 con la esperanza de que se exhibiera en un espacio de exposición permanente en Walt Disney World.

Aunque ese sueño nunca se hizo realidad, Disney prestó continuamente piezas de la colección para exposiciones y publicaciones. Cuando la compañía decidió traspasar la colección, eligió la Smithsonian Institution, que está comprometida a poner el arte africano a disposición de visitantes de todo el mundo.

Arte africano en el Smithsonian

El NMAfA es el único museo de América dedicado a la recolección, conservación, estudio y exhibición de arte africano tradicional y contemporáneo. La colección Disney-Tishman es una importante adición a las existencias del museo y se utilizará para mejorar las exposiciones, los programas educativos y la investigación.

El museo está particularmente interesado en el potencial de la colección para inspirar a nuevas generaciones de artistas y académicos. Como ha dicho la directora del NMAfA, Sharon Patton, la «fiesta de presentación» de la colección es una oportunidad para celebrar el rico legado del arte africano y su continua relevancia en el siglo XXI.

La importancia del arte africano

El arte africano ha desempeñado un papel importante en el desarrollo del arte moderno. Artistas como Pablo Picasso y Henri Matisse se inspiraron en máscaras y esculturas africanas. La colección Disney-Tishman incluye varias obras que se exhibieron en el Louvre a principios del siglo XX, ayudando a presentar el arte africano a un público más amplio.

El arte africano también es importante por su importancia histórica y cultural. La colección incluye objetos que se utilizaron en ceremonias religiosas, rituales políticos y la vida cotidiana. Estos objetos ofrecen información valiosa sobre las vidas y creencias de los pueblos africanos.

Conclusión

La Colección de Arte Africano Walt Disney-Tishman es un tesoro invaluable que pertenece a todos los estadounidenses. Es un testimonio de la belleza y diversidad del arte africano y su importancia perdurable en el mundo de hoy.

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Artes escénicas

Descubiertos tablones del escenario de Shakespeare en el St. George’s Guildhall

by Jasmine
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El escenario de Shakespeare: tablones recién descubiertos desentierran la historia

Excavación y descubrimiento

Durante las recientes renovaciones del St. George’s Guildhall en King’s Lynn, Inglaterra, los trabajadores se toparon con un hallazgo extraordinario: tablones de madera que se cree que son el único escenario sobreviviente donde William Shakespeare actuó alguna vez. Ocultos bajo capas de suelo, estos grandes tablones de roble, de casi 30 centímetros de ancho y 15 centímetros de grosor, están unidos por clavijas de madera en lugar de clavos.

Contexto histórico

El descubrimiento de estos tablones ha generado una gran emoción en la comunidad histórica. El St. George’s Guildhall, el teatro en funcionamiento más antiguo del Reino Unido, ha estado asociado durante mucho tiempo con la época de Shakespeare. Documentos de finales del siglo XVI revelan que la compañía de actores de Shakespeare actuó en el lugar en 1592-93.

Datación de los tablones

El arqueólogo Jonathan Clark, experto en edificios medievales, ha examinado meticulosamente los tablones durante dos meses. Al estudiar los métodos de construcción y los anillos de crecimiento en la madera superviviente, ha determinado que datan de principios del siglo XV, probablemente entre 1417 y 1430. Esto sitúa los tablones mucho antes de la época de Shakespeare.

La presencia de Shakespeare

A pesar de la construcción anterior de los tablones, Tim FitzHigham, director creativo de la casa gremial, cree que Shakespeare debió actuar sobre ellos. Señala pruebas de que la compañía de Shakespeare estuvo presente en el lugar a finales del siglo XVI. «Es probable que esta sea la superficie sobre la que caminó Shakespeare», dice Clark. «Es en este extremo del salón donde tuvieron lugar las representaciones».

Perspectivas académicas

El descubrimiento ha suscitado un animado debate entre historiadores y estudiosos de Shakespeare. Tiffany Stern, de la Universidad de Birmingham, Inglaterra, considera que las pruebas de la presencia de Shakespeare en el St. George’s Guildhall son «bastante sólidas». Sin embargo, otros siguen siendo escépticos. Siobhan Keenan, de la Universidad De Montfort de Inglaterra, señala que el paradero de Shakespeare durante este periodo es incierto.

Especulación y trascendencia

Mientras que algunos académicos sostienen que el descubrimiento es significativo, otros lo descartan como mera especulación. Michael Dobson, director del Instituto Shakespeare de Stratford-upon-Avon, cree que los tablones no son particularmente importantes, a menos que uno esté demasiado fascinado por poseer un fragmento de madera que pudo haber sido tocado por Shakespeare. Añade que hay otros artefactos asociados a Shakespeare que son mucho más valiosos desde el punto de vista histórico.

Investigación en curso e implicaciones futuras

El descubrimiento de estos tablones ha abierto nuevas vías de investigación y exploración de la vida y la carrera de Shakespeare. Los académicos están ansiosos por profundizar en las pruebas y descubrir más sobre las actuaciones de Shakespeare y el contexto cultural de su época. A medida que la investigación continúa, los tablones del St. George’s Guildhall seguirán cautivando, sin duda, la imaginación de los historiadores, los entusiastas de Shakespeare y cualquiera que esté interesado en el rico tapiz del patrimonio cultural británico.

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