Home Tags Posts tagged with "Impresionismus"
Tag:

Impresionismus

Umělecké směry

Nově nalezené kresby Vincenta van Gogha: Okno do jeho formativních let v Paříži

by Zuzana
written by Zuzana

Nově objevené kresby Vincenta van Gogha vrhají světlo na jeho formativní roky

Počátkem roku 1886 se Vincent van Gogh vydal na transformativní cestu do Paříže, kde se dva roky ponořil do živé umělecké scény. Během tohoto klíčového období vytvořil dvě dosud neznámé kresby, které nabízejí cenné poznatky o jeho uměleckém vývoji.

Montmartrský kopec s lomem

Jedna z nově objevených kreseb, nazvaná „Montmartrský kopec s lomem“, zobrazuje panoramatický pohled na slavnou pařížskou dominantu. Skica ukazuje van Goghovu bystrou pozorovací schopnost a jeho dovednost zachytit podstatu scény několika málo zručnými tahy.

V roce 2014 byla kresba získána nadací Van Vlissingen Art Foundation v Nizozemsku. Díky pečlivému výzkumu a spolupráci s Van Goghovým muzeem v Amsterdamu byla potvrzena její pravost. Odborníci zkoumali námět díla, styl, techniku a dokumentární důkazy a dospěli k závěru, že ji skutečně vytvořil van Gogh.

Montmartrský kopec

Druhá kresba, jednoduše nazvaná „Montmartrský kopec“, byla dříve zahrnuta v katalozích van Goghových děl, ale později byla odstraněna kvůli pochybnostem o jejím původu. Při porovnání s kresbou „Montmartrský kopec s lomem“ však byli odborníci nuceni svůj názor přehodnotit. Podobnosti v materiálech, papíru a kreslířské technice byly nepopiratelné.

Obě kresby pocházejí z roku 1886, doby, kdy van Gogh přecházel od svého raného, tradičnějšího stylu k odvážnému a experimentálnímu přístupu impresionismu. V Paříži se setkal s vlivnými umělci, jako byli Henri de Toulouse-Lautrec, Camille Pissarro, Georges Seurat a Paul Gauguin, kteří ho inspirovali k tomu, aby se odpoutal od konvencí.

Impresionismus a dále

Dvě nově objevené kresby slouží jako „stylistický chybějící článek“ mezi van Goghovými ranými pracemi v Belgii a jeho pozdějšími, slavnějšími impresionistickými malbami. Odhalují postupný vývoj jeho stylu, jak přijímal dynamické tahy štětcem a živé barvy, které jsou charakteristické pro toto hnutí.

Obě kresby jsou v současné době vystaveny v muzeu Singer Laren v Nizozemsku jako součást výstavy „Impresionismus a dále“. Tato výstava představuje zásadní roli, kterou impresionismus sehrál při utváření umění v pozdním 19. století, a van Goghovy nově objevené kresby poskytují fascinující pohled do tohoto transformativního období jeho vlastní umělecké cesty.

Vincent van Gogh: Formativní roky v Paříži

Tyto dvě nově objevené kresby nabízejí cenné poznatky o formativních letech Vincenta van Gogha v Paříži. Demonstrují jeho bystré oko, jeho vyvíjející se styl a jeho otevřenost novým uměleckým vlivům. Tato díla nejen obohacují naše chápání van Goghova uměleckého vývoje, ale vrhají světlo i na živou uměleckou scénu Paříže na konci 19. století.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Současné umění

Ai Weiweihovy „Lekníny“: Krása, exil a technologie v kostkách Lega

by Jasmine
written by Jasmine

Ai Weiweihovy Lego „Lekníny“: Krása, exil a technologie

Přetvořené mistrovské dílo

V poutavé výstavě v londýnském Design Museu představuje proslulý čínský umělec Ai Weiwei své nejnovější mistrovské dílo z Lega: „Lekníny #1“. Toto téměř 50 stop dlouhé dílo je Aiovou interpretací slavného triptychu Claude Moneta, dokončeného v letech 1914 až 1926. „Lekníny #1“ jsou vyrobeny výhradně ze 650 000 kostek Lega a zabírají celou jednu stěnu galerie, čímž návštěvníky zvou k ponoření se do jejich složité krásy.

Prozkoumávání témat krásy a přírody

Ai Weiweihovy „Lekníny #1“ nejsou pouhou kopií Monetova originálu. Jde o hluboké zkoumání krásy a přírodního světa. Prostřednictvím Lega Ai zachycuje podstatu Monetova impresionistického stylu s jeho živými barvami a rozmazanými, pixelovanými tvary.

Aiova interpretace však také přesahuje idylickou krásu Monetových leknínových jezírek. Tmavá skvrna uprostřed uměleckého díla, představující dveře do podzemního úkrytu, kde Aiova rodina žila v exilu, staví klidné lekníny do kontrastu s drsnými realitami lidské zkušenosti. Toto protikladné postavení zdůrazňuje Aiův trvalý průzkum napětí mezi krásou a utrpením.

Exil a osobní zkušenost

Aiovo dětství v exilu hluboce ovlivnilo jeho uměleckou vizi. „Lekníny #1“ jsou prodchnuty osobní symbolikou, narážející na izolaci a vysídlení, které zažil během svých formativních let. Podzemní úkryt, představovaný tmavou skvrnou, se stává silnou metaforou pro skryté boje a útrapy těch, kteří žijí na okraji společnosti.

Aiho použití Lega se standardizovanými tvary a barvami dále zdůrazňuje téma exilu. Stejně jako se umělec musel přizpůsobit různým prostředím během svého dětství, kostky Lega symbolizují zaměnitelnou a často neosobní povahu moderního života.

Technologie a pixelace

Kromě zkoumání krásy a exilu se „Lekníny #1“ ponoří také do říše technologie a digitalizace. Ai Weiwei používá Lego k vytvoření pixelované interpretace Monetova mistrovského díla, čímž naznačuje rostoucí dominanci digitálních technologií v současné společnosti.

„Odlidštěný jazyk průmyslových součástí a barev“ v Aiově díle, jak ho popisuje Justin McGuirk, hlavní kurátor Design Musea, odráží odcizení a roztříštěnost, které mohou doprovázet technologický pokrok. Bloky podobné pixelům evokují digitální sféru, kde jsou obrázky a informace redukovány na řadu jedniček a nul.

Syntéza a umělecký odkaz

Ai Weiweiho „Lekníny #1“ jsou mnohostranným dílem, které syntetizuje prvky z dějin umění, osobních zkušeností a současných technologií. Je to důkaz Aiovy umělecké inovace a jeho schopnosti vyvolávat myšlenky a emoce prostřednictvím jeho podnětného používání materiálů.

Toto nejnovější umělecké dílo z Lega přispívá k Aiověmu odkazu jako jednoho z nejvlivnějších umělců naší doby. Ai Weiwei, známý svým protiautoritářským postojem a průzkumem sociálních a politických otázek, nadále posouvá hranice uměleckého vyjádření a zpochybňuje konvenční představy o kráse a hodnotě.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Recenze muzeí

Pět pařížských muzeí, která by měli milovníci umění navštívit

by Jasmine
written by Jasmine

Pět uměleckých muzeí v Paříži, která musí milovníci umění navštívit: Kulturní seznam přání

Paříž je město proslulé svým uměním a kulturou s mnoha muzei představujícími mistrovská díla z celého světa. Z nich pět vyniká jako cíle, které musí vidět nadšenci umění:

Muzeum Louvre: Velká dáma umění

Louvre, největší a nejstarší muzeum v Paříži, je pokladnicí uměleckých divů. Postaveno jako pevnost ve 12. století, bylo přeměněno na královské sídlo a nakonec se během francouzské revoluce stalo muzeem. Dnes sídlí přes 35 000 předmětů, včetně ikonických děl, jako je Mona Lisa od Leonarda da Vinciho, Venuše Mélská a Okřídlené vítězství Samothrácké.

Abyste se vyhnuli dlouhým frontám, zvažte vstup přes obchodní centrum Carrousel du Louvre. Vstupenky lze zakoupit také předem pro pohodlný vstup. Pokud vás ohromí rozsáhlá sbírka, využijte komentované prohlídky, které zdůrazňují největší hity muzea, nebo se zaměřují na konkrétní témata, jako je Šifra mistra Leonarda.

Musée d’Orsay: Ráj impresionismu a postimpresionismu

Musée d’Orsay, umístěné v bývalém nádraží Gare d’Orsay, sídlí francouzskou národní sbírku umění z let 1848 až 1914. Disponuje největší světovou sbírkou impresionistických a postimpresionistických obrazů s díly Degase, Cézanna, Gauguina, Maneta, Moneta, Renoira a Van Gogha.

Sbírka muzea zahrnuje také sochy, kresby a dekorativní umělecké předměty. Jeho architektura je působivým dílem secese, navrženým Victorem Lalouxem v roce 1900. Pro komplexní přehled zvažte účast na komentované prohlídce, která se obvykle koná jednou denně v angličtině.

Musée de l’Orangerie: Monet’s Water Lilies

Pokud jste obdivovatelem impresionismu, Musée de l’Orangerie je nutností. Skryto v zahradě Tuileries, vystavuje sérii Monetových obrazů „Les Nymphéas“ (Lekníny), vystavených ve dvou velkých oválných místnostech navržených podle specifikací umělce. Kromě Moneta muzeum vystavuje díla Cézanna, Picassa a Soutina.

Musée Rodin: Dom myslitele

Auguste Rodin věnoval celou svou sbírku národu v roce 1908 pod podmínkou, že jeho díla budou vystavena v jeho bývalé dílně a výstavní síni. Dnes Hôtel Biron sídlí Musée Rodin, kde návštěvníci mohou obdivovat Rodinovy mistrovská díla, včetně „Myslitele“, „Brány pekla“ a „Polibek“. Muzeum má také klidnou růžovou zahradu obklopující nemovitost.

Centre Georges Pompidou: Vitrína moderního umění

Centre Georges Pompidou, otevřené v roce 1977, je známé svým jedinečným architektonickým designem. Uvnitř jsou dvě patra věnována Musée National d’Art Moderne, které sídlí přes 65 000 děl moderního umění od roku 1905. Sbírka sahá od surrealismu až po pop-art s pozoruhodnou sbírkou děl Matisse.

Nenechte si ujít panoramatický výhled na Paříž ze 6. patra budovy, který je zahrnut v ceně vstupenky do muzea.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Dějiny umění

Bramboráři: Van Goghovo kontroverzní mistrovské dílo

by Kim
written by Kim

Bramboráři: Van Goghovo kontroverzní mistrovské dílo

Zrození mistrovského díla

V roce 1885 vložil Vincent van Gogh své srdce a duši do obrazu „Bramboráři“, pochmurného zobrazení rodiny venkovanů shromážděných u večeře. Van Gogh věřil, že tento obraz mu otevře dveře na pařížskou uměleckou scénu, jeho přijetí bylo však zcela odlišné, než doufal.

Zdrcující kritika a Van Goghova odolnost

Kritici „Bramboráře“ ztrhali, označovali je za technicky nedokonalé a postrádající umělecké zásluhy. Anthon van Rappard, kolega-malíř, napsal van Goghovi zdrcující dopis, ve kterém kritizoval obrazovy anatomické chyby a nedostatek vytříbenosti.

Přes kritiku se Van Gogh pevně držel své víry v sílu obrazu. Obhajoval ho jako ztvárnění tvrdé reality života venkovanů a zdůrazňoval důležitost zachycení jejich bojů a lidskosti.

Nová perspektiva: Výstava v Muzeu Vincenta van Gogha

Více než století po svém vzniku jsou nyní „Bramboráři“ považováni za jedno z nejznámějších van Goghových děl. Nová výstava v Muzeu Vincenta van Gogha v Amsterdamu zve návštěvníky, aby se ponořili do bouřlivé historie obrazu a znovuobjevili jeho význam.

Prozkoumávání kontextu: Venkovský život v Nuenen

Van Gogh „Bramboráře“ namaloval během svého pobytu v Nuenen, venkovském městě v Nizozemsku, kde se ponořil do života farmářů a dělníků. Zemité tóny a hrubé textury obrazu odrážejí drsnou existenci jeho námětu.

Odhalení tvůrčího procesu

Výstava představuje četné přípravné studie a skici, které odhalují Van Goghovu pečlivou přípravu na obraz. Opakovaně navštěvoval rodinu De Grootových a zachycoval jejich pózy a výrazy během jejich večeří. Tyto studie dokládají jeho oddanost autenticitě a touhu zprostředkovat podstatu venkovského života.

Význam „Bramborářů“ v Van Goghově kariéře

Přes počáteční odmítnutí zůstali „Bramboráři“ pro Van Gogha celoživotním měřítkem. I když později vyvinul svůj ikonický styl jasných barev a odvážných tahů štětcem, uvažoval o vytvoření druhé verze obrazu. To svědčí o jeho neochvějné víře v sílu svého raného mistrovského díla.

Bramboráři: Symbol odolnosti

Kurátorka Bregje Gerritse zdůrazňuje Van Goghovo neochvějné odhodlání tváří v tvář kritice. „Stál si za svou vlastní prací,“ říká, „uznával její nedostatky, ale upřednostňoval její emocionální dopad před technickou dokonalostí.“

Znovuobjevení mistrovského díla

Dnes jsou „Bramboráři“ uznáváni jako průkopnické dílo, které zpochybnilo společenské normy a posunulo hranice umění. Připomínají nám Van Goghovu neochvějnou víru ve svou vlastní vizi a důležitost zastupování marginalizovaných a přehlížených.

Výstava v Muzeu Vincenta van Gogha nabízí jedinečnou příležitost prozkoumat složitosti obklopující „Bramboráře“, jejich kontroverzní přijetí a trvalý odkaz jako jednoho z Van Goghových nejmocnějších a nejzáhadnějších mistrovských děl.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Dějiny umění

Gauguin’s Masterpiece Shatters Records: The Most Expensive Painting Ever Sold

by Jasmine
written by Jasmine

Nejdražší obraz, který byl kdy prodán: Gauguinův obraz „Nafea Faa Ipoipo“

Pozadí

Svět výtvarného umění byl svědkem rekordního prodeje, když se tento týden obraz od Gauguina prodal za téměř 300 milionů dolarů a překonal tak předchozí rekord o 25 %. Tato akvizice zdůrazňuje rostoucí ceny a intenzivní konkurenci na trhu se sběratelskými uměleckými díly.

Obraz a jeho historie

Zmíněným uměleckým dílem je Gauguinův obraz „Nafea Faa Ipoipo“ (Za koho se vdáš?), portrét se složitou historií. Kdysi byl součástí proslulé sbírky Rudolfa Staechelina, bývalého výkonného ředitele společnosti Sotheby’s. Staechelin tento obraz štědře zapůjčil muzeu Kunstmuseum Basel na téměř pět desetiletí.

Spor mezi Staechelínem a vedením muzea ohledně podmínek zápůjčky ho však přiměl, aby celou sbírku stáhl.

Prodej a spekulace

Identita kupujícího, který za Gauguinův obraz zaplatil astronomickou cenu, zůstává nepotvrzená. Říká se, že jde o muzeum v Kataru, které je známé agresivním skupováním drahých uměleckých děl. Ani prodávající, ani muzeum oficiálně neoznámili, kam obraz směřuje.

Dopad na Basilej

Prodej obrazu „Nafea Faa Ipoipo“ zanechal v Basileji mezeru, kde byl vystavený půl století. Obyvatelé města jsou ztrátou takového ceněného kusu hluboce zarmouceni. Incident slouží jako drsná připomínka, že i trvalé zápůjčky jsou nakonec dočasné.

Trendy na trhu s uměním

Prodej Gauguinova mistrovského díla odráží prudce rostoucí ceny na trhu s uměním. Sběratelé dychtí po tom, aby získali ceněná díla, a posouvají hranice toho, co je považováno za finančně proveditelné.

Muzea a vzestup selfie tyčí

S tím, jak trh s uměním vzkvétá, muzea čelí novým výzvám. Rozmach selfie tyčí vyvolal obavy o zachování nedocenitelných sbírek. Mnoho muzeí zavedlo zákazy, aby ochránila své artefakty před možným poškozením.

Historický kontext

Gauguinův obraz „Nafea Faa Ipoipo“ je svědectvím o trvalé síle impresionismu a postimpresionismu. Tato umělecká hnutí způsobila revoluci ve způsobu, jakým umělci ztvárňovali světlo a barvy, a zanechala trvalý odkaz ve světě umění.

Význam soukromých sbírek

Soukromé sbírky hrají zásadní roli v zachování a ocenění umění. Často v nich sídlí mistrovská díla, která by jinak zůstala veřejnosti nepřístupná. Prodej obrazu „Nafea Faa Ipoipo“ však zdůrazňuje pomíjivou povahu soukromých sbírek.

Závěr

Prodej Gauguinova obrazu „Nafea Faa Ipoipo“ je přelomovým okamžikem ve světě umění. Zdůrazňuje neutuchající poptávku po mistrovských dílech, výzvy, kterým muzea čelí, a trvalý odkaz vlivných uměleckých hnutí.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail
Dějiny umění

Vincent van Gogh a Charles Obach: Nečekaná cesta k umělecké velikosti

by Zuzana
written by Zuzana

Vincent van Gogh a Charles Obach: Nečekaná cesta ke umělecké velikosti

Nově objevený portrét vrhá světlo na klíčový vztah

V archivech londýnské Národní portrétní galerie byl učiněn pozoruhodný objev: dosud neznámý portrét Charlese Obacha, vedoucího londýnské pobočky galerie Goupil. Tento portrét nabízí fascinující pohled do vztahu mezi Obachem a Vincentem van Goghem, mladým umělcem, jehož život nabral dramatický směr pod Obachovým vlivem.

Obach a van Gogh: Nesnadné spojenectví

Vincent van Goghův opovržení vůči fotografii je dobře zdokumentováno. Věřil, že fotografie zachycují pouze povrchní podobu, zatímco malované portréty vyjadřují hlubší podstatu subjektu. Ironií je, že jediným známým fotografickým vyobrazením van Gogha jako dospělého je portrét pořízený v roce 1873 holandským fotografem Jacobusem de Louwem.

Naproti tomu nově objevený portrét Obacha odhaluje sebevědomého a vyrovnaného muže. Jak poznamenává odborník na umění Martin Bailey, tento portrét stojí v ostrém kontrastu s van Goghovým vlastním portrétem, který zachycuje znepokojený výraz a rezervovaný vzhled.

Van Goghova nekonvenční cesta

Van Goghova cesta k umělecké velikosti byla všechno, jen ne konvenční. Zpočátku pracoval jako obchodník s uměním v haagské pobočce galerie Goupil, ale jeho nedostatek dovedností v jednání se zákazníky přiměl Obacha, aby ho v roce 1873 poslal do londýnské pobočky.

Zpočátku Obach van Gogha přivítal, dokonce ho pozval na víkendový výlet a oslavil s ním a jeho rodinou Vánoce. Van Goghovo nekonvenční chování a neschopnost navázat kontakt se zákazníky však nakonec vedly k jeho propuštění ze společnosti Goupil v roce 1876.

Obachův nezamýšlený vliv

Přestože byl propuštěn, van Gogh a Obach zůstali v poměrně přátelském kontaktu. Bailey poznamenává, že se v roce 1881 krátce setkali v Haagu a Obach vyjádřil soustrast Theu van Goghovi po Vincentově smrti v roce 1890.

Ironií je, že Obachovo rozhodnutí propustit van Gogha ho mohlo neúmyslně nasměrovat k jeho pravému povolání umělce. Van Goghovy následné zkušenosti z práce na internátní škole, v knihkupectví a v uhelném dole dále posilovaly jeho touhu sloužit druhým a vyjadřovat se prostřednictvím umění.

Vliv autoportrétu

Van Goghova víra v sílu autoportrétů jako prostředku k zachycení vlastní skutečné podstaty je patrná v jeho četných autoportrétech. Vytvořil přes 43 autoportrétů v různých podobách, zkoumal svou vlastní identitu a zpochybňoval podstatu umění.

V dopise své sestře Wilhelmině van Gogh vyjádřil své přesvědčení, že malované portréty vydrží déle než fotografie a zprostředkují hlubší emocionální spojení. Napsal: „[Fotografované] portréty nejprve vyblednou rychleji než my sami, zatímco malovaný portrét zůstává po mnoho generací. Navíc malovaný portrét je věcí citu, vyrobenou s láskou nebo úctou k zobrazované bytosti.“

Odkaz vlivu

Navzdory nesnadným okolnostem jejich vztahu se cesty Obacha a van Gogha propletly způsobem, který navždy ovlivnil svět umění. Obachovo propuštění mohlo být katalyzátorem, který van Gogha postavil na jeho uměleckou dráhu a vedl ho k vytvoření některých z nejoblíbenějších a nejvlivnějších uměleckých děl v historii.

Objev Obachova portrétu přidává novou vrstvu k našemu chápání tohoto klíčového vztahu. Nabízí pohled na dva muže, kteří sehráli významnou roli v utváření van Goghova života a odkazu a nakonec obohatili svět hlubokou krásou a emocionální hloubkou jeho umění.

0 comment
0 FacebookTwitterPinterestEmail